Illustration par Lily Qian

Cet article a été publié dans Legacy
Numéro 90 | Printemps 2021
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Soleil Ho est trop humble. Après des années de travail dans le monde de la restauration, de la vaisselle au chef exécutif, en passant par la rédaction indépendante (y compris pour Bitch Media) et la cofondation du podcast Sandwich raciste—Ho a officiellement revendiqué le rôle d’écrivain culinaire en 2018 et a grimpé en flèche Hamilton-style dans les deux années tourbillonnantes qui ont suivi. En décembre 2018, le Chronique de San Francisco l’a embauchée comme critique de restaurant résidente, et elle a continué à jouer un rôle central dans l’évolution de la critique culinaire sur une scène encore plus grande. Mais si vous lui demandez, son parcours est moins une question de distinctions que de s’assurer qu’elle n’est pas «la seule» dans l’espace notoirement exclusif de la nourriture et des restaurants. « L’histoire de l’écriture culinaire dans le monde anglophone n’est pas géniale en ce qui concerne le fait d’attirer beaucoup de monde », a-t-elle déclaré via Zoom depuis son domicile à San Francisco. « [When] il y avait des écrits sur la nourriture des communautés de couleur, c’était généralement à travers [a] Lentille 100 % blanche. C’était un peu anthropologique.

Une étude de 2017 menée par Lorraine Chuen d’Intersectional Analyst a révélé que 90 pour cent des livres de cuisine sur les cuisines chinoise et indienne répertoriés dans le New York TimesLa base de données a été écrite par des Blancs, ce nombre passant à 95 pour cent pour les livres sur la cuisine vietnamienne. Les 10 livres de cuisine les plus vendus de la même année ont également été écrits en grande majorité par des Blancs. « Avec un écosystème médiatique dominé par des développeurs de recettes et des rédacteurs culinaires blancs, la majorité des recettes que nous trouvons dans les principales publications culinaires, que ces recettes soient d’origine européenne ou « ethnique », sont écrites par des Blancs », a déclaré le chef et rédacteur gastronomique Hetty. Lui McKinnon a dit Rue Grub en 2020. Ho contribue à inverser la tendance. J’ai découvert le travail de Ho pour la première fois en 2016 lorsque j’ai découvert Sandwich raciste sur Twitter. Aux côtés de son co-animateur et cofondateur Zahir Janmohamed, elle a parlé à des gens du monde de la nourriture et des aliments adjacents de tout, de l’appropriation culturelle et de la pauvreté à la nourriture moche de couleur (mes mots). J’ai geek quand j’ai été invité à être un invité sur le podcast en 2017 parce que personne d’autre n’avait ce type de conversations sur des émissions culinaires autrement cool comme Le Sporkful ou KCRW Bonne nourriture.

En regardant les médias alimentaires en général, il est clair que Sandwich raciste, qui compte désormais différents hôtes et est en pause depuis avril 2020, a laissé une marque indélébile. « Nous avions des conversations qui m’ont mis au défi intellectuellement et émotionnellement de réfléchir à la façon dont les autres réagissent [and think about] nourriture et exister simplement dans le système alimentaire », dit Ho. « Avoir une introduction aux médias via les médias alternatifs faisait partie intégrante de cela. » Ho est une personne occupée. Américaine d’origine vietnamienne qui a grandi à New York, elle a travaillé comme chef exécutif dans un restaurant à Portland, dans l’Oregon, et dans le restaurant de sa mère à Puerto Vallarta, au Mexique, avant de co-écrire le roman graphique culinaire. Repas avec Blue Delliquanti en 2018 ; être sélectionné pour l’édition 2019 de Best American Food Writing ; et étant nominée pour un prix de la Fondation James Beard pour sa critique de restaurant. Sa Jeu Twitter est aussi très fort. Mais beaucoup de gens ont découvert Ho à travers le Chronique de San Francisco, notamment parce qu’elle a remplacé le mec blanc qui avait occupé le poste pendant 32 ans, amorçant son mandat en éliminant le système de classement par étoiles du journal.

« Comme j’ai l’intention d’écrire des critiques sur tout ce qui est remarquable dans la région de la baie, des tortas décevantes aux choux verts d’avant-garde en passant par le bánh mì moléculaire, je pense imposer un système de classement par étoiles qui prétend mettre toutes ces choses sur le même pied. le spectre leur rendrait un mauvais service », écrivait-elle à l’époque. Cette hyper-conscience de la façon dont la subjectivité d’un critique doit être prise en compte lors de l’évaluation du sort relatif d’un restaurant était rafraîchissante et a fait parler beaucoup de gens. « Une chose que j’ai trouvée vraiment fascinante dans le fait d’assumer ce rôle [at the San Francisco Chronicle] c’est qu’il y a une sorte de perception externe de ‘c’est le premier’, et nous le faisons tout le temps, n’est-ce pas, comme le premier réalisateur noir à remporter un Oscar, et c’est affreux », a-t-elle déclaré. « C’est tellement étrange d’être apprécié pour ce que vous êtes par rapport à ce que vous faites. Ce n’est pas une observation qui fait trembler le monde, mais je n’ai jamais été vu de cette façon avant l’année dernière, et c’était troublant.

Ho ne prend pas sa position à la légère ; elle l’utilise pour remettre en question tout ce qui concerne son industrie. Par exemple, en octobre 2020 Chronique de San Francisco Dans un article intitulé « Ethical Grocery Shopping Was Never the Answer Anyway », elle a examiné les conflits internes des consommateurs d’aliments « éthiques » comme des exercices futiles qui peuvent détourner l’attention du travail plus large de lutte contre l’exploitation systémique. « En fait, pour ceux qui profiteraient de la situation actuelle, ce sentiment de fatigue, de confusion morale individuelle, permet aux inégalités de continuer sans entrave », a-t-elle écrit. Elle a ensuite demandé aux lecteurs de soutenir plusieurs organisations de défense des droits du travail créées par et pour les travailleurs de l’alimentation. Bien que Ho soit singulièrement prolifique, elle a également fait partie intégrante d’un changement plus large au sein de l’industrie de l’alimentation et de la restauration vers une plus grande attention aux perspectives des écrivains alimentaires bipoc queer et millénaires, y compris Tejal Rao au New York Times et Mayukh Sen, lauréat du prix James Beard, qui remettent en question et remettent en question le statu quo de l’écriture culinaire.

Comme toute vague de fond visible en faveur de la diversité, les conversations des rédacteurs culinaires du BIPOC ne sont pas nouvelles ; ils sont l’aboutissement de générations d’organisation et d’activisme. « Les gens en travail [and] dans les champs qui se sont posé ces questions et qui essaient de comprendre comment organiser et améliorer le système alimentaire [are] ne fait généralement pas partie de la conversation », a déclaré Ho. « C’est pourquoi vous obtenez ce genre de choix existentiel du côté du consommateur parce que c’est la lentille à travers laquelle la plupart de ces écrivains opèrent, pas [a] lentille centrée sur la classe ouvrière. Au lieu de se tordre les mains, Ho pousse les consommateurs à demander aux organisateurs : « Qu’est-ce que [you] besoin? Qu’est-ce que [you] vouloir? C’est d’une simplicité rafraîchissante, en fait. Suivez simplement leurs instructions et vous pourrez les aider. Ho se pose bon nombre de ces mêmes questions lorsqu’elle écrit sur des problèmes qui pourraient ne pas l’affecter directement, comme son article de septembre 2019 sur l’accessibilité dans les restaurants, où elle encourage les lecteurs valides à signaler les violations de la loi sur les Américains handicapés dans les restaurants et à dire : « Hé, je veux amener mon ami ici, mais je sais qu’ils ne peuvent pas accéder à cet endroit. Que devrions nous faire?’ Avoir une voix active dans ce domaine est vraiment important.

« Une partie très importante du fait d’être non seulement un écrivain mais aussi un éditeur est [asking] ces questions de manière préventive et en pensant, comment puis-je amener des écrivains qui comprennent cela implicitement ou explicitement et vraiment apporter plus dans ce cadre ? » En tant qu’écrivain de voyage qui s’intéresse à la nourriture en parlant à un écrivain qui s’intéresse aux voyages, j’ai demandé à Ho pourquoi elle pensait que ces genres centrés sur les loisirs nécessitaient un si grand pas en avant. Que signifie être payé pour manger et voyager alors que tant de personnes ont du mal à faire les deux ? « Se poser constamment la question ‘Pourquoi doit-il en être ainsi ?’ nous rapprochera un peu plus d’une industrie de l’écriture plus équitable », a-t-elle déclaré, « Mais en même temps, nous sommes confrontés à cet effondrement désastreux des médias, et nous le voyons tous les quatre trimestres, essentiellement. Les lieux pour faire ce genre de travail » — pour poser les questions les plus importantes — « se rétrécissent ».

Alors que les mastheads continuent de se diversifier et de penser que les pièces deviennent plus épicées, Ho s’inquiète toujours de savoir si ces efforts auront un impact durable sur l’ensemble de l’industrie de la restauration, en particulier après l’année de controverse des médias alimentaires. Pendant que Bon Appétit est toujours en convalescence après que 10 de ses stars de Test Kitchen ont quitté leurs contrats vidéo en raison des disparités salariales raciales et sexuelles, et son rédacteur en chef a démissionné après qu’une image de lui en brownface ait refait surface en ligne, le Los Angeles Times‘s semble suggérer le statu quo en maintenant que la plainte pour discrimination salariale de la critique Patricia Escárcega est injustifiée, bien qu’elle soit moins payée que son homologue. En attendant leur décision, le Los Angeles TimesLe rédacteur en chef de l’alimentation Peter Meehan a démissionné à la suite d’accusations de création d’un environnement de travail hostile, d’abus verbal de ses écrivains et de harcèlement sexuel de ses collègues. « La suprématie blanche, comme l’hétéropatriarcat, évolue », dit Ho. « Ils ne disparaissent pas, ils changent juste de nom et de tenue et apparaissent comme quelque chose de totalement nouveau, mais c’est la même chose en dessous. » Deux pas en avant, un pas en arrière. « Nous voyons un peu de changement, mais… il faudra beaucoup de changements et beaucoup de gens au sommet changent vraiment leurs rôles et comment ils vont être habilités à améliorer les choses. »

Maintenant qu’elle atteint « le sommet », nous pouvons voir qu’il y a plus qu’un simple changement radical qui se produit. Ho semble travailler sans arrêt pour partager des ressources, nouer des relations et laisser la porte grande ouverte derrière elle pour s’assurer qu’elle n’est pas la seule dans les espaces dans lesquels elle pénètre, de l’organisation de retraites pour les personnes de couleur dans le monde de l’alimentation à la création de réseaux de nourriture BIWOC. écrivains. Et pourtant, elle reste bien trop humble. Quand j’ai demandé à Ho qui étaient ses ancêtres littéraires – des écrivains culinaires qui l’ont précédée et qui lui ont ouvert des portes – elle n’a pas pu en nommer un. « Nous sommes dans ce moment maintenant où il y a plus de personnes différentes qui participent à cela », dit-elle. « Et pour les gens qui feront cela dans 50 ans, si la terre existe toujours dans 50 ans, ils auront une bien meilleure réponse à cette question. » Ho sera alors sur la bonne voie pour devenir elle-même un ancêtre littéraire, alors qu’en est-il de son héritage en devenir, d’être la première de son espèce au la chronique? « J’espère que je ne me souviendrai pas seulement du premier critique de restaurant américain d’origine asiatique au la chronique« , dit Ho. « J’espère qu’il y a plus que cela. »

Tuca (Tiffany Haddish), à gauche, et Bertie (Ali Wong) dans Tuca & Bertie Saison 1 (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Netflix)

La dernière fois que nous avons quitté les meilleurs amis aviaires Tuca (Tiffany Haddish) et Bertie (Ali Wong), ils étaient entrés dans une nouvelle ère de leur amitié. Bertie s’adaptait à vivre avec son petit ami Speckle (Steven Yeun) tout en faisant face à son propre traumatisme sexuel et à l’incertitude de sa carrière; Tuca était nouvellement sobre et essayait de comprendre quoi faire de sa vie. La première saison de 10 épisodes du dessin animé imaginatif pour adultes de Lisa Hanawalt n’a fourni aucune réponse facile ou résolution simple; au lieu de cela, il a ouvert la voie à Bertie et Tuca pour établir une relation plus saine les uns avec les autres. Le spectacle était un chouchou critique, accumulant des critiques élogieuses et revitalisant l’intérêt pour les dessins animés pour adultes dirigés par des femmes.

Il s’est passé beaucoup de choses depuis deux ans Tuca & Bertie créé sur Netflix, y compris un changement notable concernant l’inclusion du genre dans l’animation. À l’époque, une autre émission de Netflix Grande Bouche était le seul autre dessin animé pour adultes qui accordait la priorité à la parité des sexes dans la salle de l’écrivain, et le réseau de diffusion en continu semblait prêt à faire la seule chose que Adult Swim ne pouvait pas, à savoir donner aux femmes le financement et le soutien nécessaires pour produire une animation amusante et réussie pour les adultes. Cette révélation fut de courte durée, avec la nouvelle de Tuca & BertieL’annulation brutale de l’émission a chuté peu de temps après sa première saison bien accueillie. Dans une tournure inattendue, la télévision en réseau est entrée dans la brèche; FOX en particulier a fait preuve d’un nouveau respect pour les dessins animés pour adultes dirigés par des femmes, avec une série de spectacles animés créés ou co-créés par des femmes : Duncanville, Bénis les cerfs, Le Grand Nord, et Familier.

En compagnie de ces nouveaux spectacles, Tuca & Bertie se sent toujours comme une valeur aberrante en gardant son accent narratif uniquement sur l’amitié féminine. Et maintenant, après un an dans les limbes, le chouchou critique est de retour pour une deuxième saison dans un lieu surprenant : Adult Swim. Les besties des oiseaux sont de retour ; et avec toute l’équipe créative de l’émission à bord, le réseau connu depuis longtemps comme un club de garçons est sur le point de donner Tuca & Bertie l’espace pour grandir et mûrir. À en juger par les quatre premiers épisodes de sa deuxième saison, c’est exactement ce que font Hanawalt et son équipe. Dans la première de la deuxième saison, « Bird Mechanics », les personnages principaux sont confrontés aux difficultés de la datation. Tuca évalue ses options en transformant sa vie amoureuse en une compétition de télé-réalité; Bertie, quant à elle, «sort» avec des thérapeutes potentiels dans l’espoir d’en trouver un avec qui elle se sente à l’aise.

La juxtaposition de Bertie ayant des séances de thérapie cauchemardesques et de Tuca « éliminant » des partenaires potentiels fonctionne parfaitement pour mettre en évidence les difficultés liées à la construction de nouvelles relations. Une grande partie de la vie consiste à essayer les gens pour voir comment ils s’adaptent, et le point de l’intrigue illustre que même si nous avons besoin les uns des autres, beaucoup d’entre nous n’ont pas les outils pour construire des relations durables fondées sur le respect mutuel, surtout à une époque où même les amitiés sont de plus en plus formulées en termes de coûts-avantages qui suggèrent que nous devrions considérer l’interaction avec nos proches comme une forme de travail. Le premier thérapeute rencontré par Bertie est brutal : « Il est clair que Tuca est un élément toxique dans votre vie et vous devez l’éliminer » – un sentiment qui reflète la récente rhétorique néfaste sur les amis en difficulté comme un obstacle au bonheur personnel. Les derniers moments de l’épisode enfoncent le clou lorsque Tuca écrit « Bertie me garde seul » sur un gobelet en plastique.

L’une des choses les plus fascinantes à propos de Tuca & Bertie c’est ainsi qu’il refuse d’être un spectacle d’ensemble. La plupart des dessins animés pour adultes, comme la récente liste d’offres de FOX, ainsi que le premier succès animé de Hanawalt, Cavalier Bojack-sont sur les familles ou les groupes de type familial. Il y a des personnages que nous voyons dans chaque épisode, comme Speckle, mais pour la plupart, le spectacle est à deux mains. Cela peut conduire à des défis d’histoire, notamment que Tuca et Bertie n’ont que l’un l’autre; il n’y a pas de groupe d’amis plus important pour servir de modérateur d’arguments ou d’évaluateur de conflit neutre. Speckle est très respectueux de leur amitié, restant surtout à l’écart lorsqu’il y a le moindre signe de problème. En regardant cette saison, je n’ai pas pu m’empêcher de penser à Filles, qui a entouré Hannah (Lena Dunham) et Marnie (Allison Williams) en querelle constante avec d’autres amis qui ont pu leur dire quand elles avaient toutes les deux tort.

Il ne fait aucun doute que Bertie a tort dans le deuxième épisode, « Planteau », dans lequel les meilleurs amis assistent à une soirée chaotique entre filles. La sœur de Speckle, qui sera bientôt mariée, décide d’organiser son enterrement de vie de jeune fille à Planteau, une ville habitée par les planteurs. Tuca, comme d’habitude, est la vie de la fête, mais Bertie se retrouve consumée par son doute paralysant caractéristique. Bien qu’elle ait promis à Tuca une soirée de sobre solidarité, elle ne tarde pas à rompre cette promesse dans une tentative désespérée de, pour une fois, passer un bon moment. Il est facile de sympathiser avec les deux oiseaux : Bertie avait un accord avec Tuca, et ne pas le respecter était irrespectueux. Mais le moment de la rébellion était nécessaire pour Bertie, qui passe tellement de temps dans sa tête qu’elle n’arrive pas à apprécier quoi que ce soit. C’est un soulagement de voir enfin Bertie se lâcher un peu, avec Wong laissant sortir une partie de son personnage de comédie sexuelle impétueuse et bruyante.

Comme c’était le cas lors de la première saison de la série, l’anxiété de Bertie reste au centre de l’histoire. Mais Tuca a un moment pour briller dans le quatrième épisode de la saison, « Nighttime Friend », qui explore ses problèmes d’insomnie et de solitude. Ici, nous apprenons que Tuca ne dort pas vraiment ; au lieu de cela, elle marche dans les rues la nuit, observant tout le monde et tout ce qui l’entoure. Elle obtient une collation de fin de soirée d’œufs durs. Elle va dans un magasin qui ouvre tard et n’achète rien. Mais son activité principale va voir sa tante acariâtre Tallulah, jouée avec un humour facile par Jenifer Lewis. Leur relation est à peu près la même que dans « Plumage » de la saison 1, avec Tuca soumis à la manipulation de coupe de sa tante. Et c’est dans ces scènes que Haddish affiche vraiment sa gamme émotionnelle, son ton confiant habituel s’érodant en quelque chose de beaucoup plus calme et incertain. N’ayant vu que les quatre premiers épisodes, il est difficile de savoir si la saison 2 fera un meilleur travail pour donner à Tuca un espace pour grandir en tant que personnage, mais « Nighttime Friend » est définitivement un point culminant.

Toute cette narration émotionnelle est formulée dans le style d’animation fluide de Hanawalt, avec de nombreux gags secondaires et des points de vue uniques sur des sujets sociaux bien connus. Le troisième épisode de la saison (« Kyle ») aborde le harcèlement sexuel, #MeToo, et « annule la culture »: Pastry Pete (Reggie Watts) est de retour et Bertie ne comprend pas pourquoi le public l’embrasse à nouveau. Sa solution est de trouver son « frère intérieur », dont le nom est Kyle; il apprend à Bertie à s’affirmer en exploitant son douchebag intérieur, une intervention qui lui permet de surmonter son agression réprimée. Le point culminant de l’épisode est un numéro musical sur le fait d’être un frère qui met en valeur tout ce qui est merveilleux Tuca & Bertie—l’humour, l’animation ludique et la distribution vocale de premier ordre. Ceux qui s’inquiétaient de la façon dont le changement de plate-forme changerait le spectacle peuvent être assurés que c’est toujours le spectacle spécial dont nous sommes tous tombés amoureux. Avec Tuca & Bertie, Hanawalt et son équipe ont créé quelque chose de vraiment unique, avec un monde qui grandit de manière organique à chaque épisode. Et une fois que Tuca aura plus d’espace pour briller, le spectacle deviendra encore meilleur.

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par Andréa Becker

18 juin 2021

Ce spectacle ne peut pas fuir sa longue histoire de colportage de mythes sur la pureté.

Katie Thurston dans la saison 17 de La bachelorette (Crédit photo : ABC/Craig Sjodin)

le Célibataire la franchise a connu un bilan ces dernières années qui a poussé ses producteurs à se démener pour suivre l’évolution de la politique dominante. Malgré sa genèse en 2002 en tant qu’émission télévisée hétéronormative sur les blancs tombant amoureux, la franchise a cherché à s’imposer comme progressiste – ou, à tout le moins, progressive-adjacente. L’émission a commencé ce processus en sélectionnant ses premiers Black Bachelorette et Bachelor en 2017 et 2021, respectivement, dans le but de répondre à sa politique raciale tendue. Sans surprise, ces décisions de casting n’ont pas résolu les préjugés raciaux contenus dans les émissions. Plutôt que de transformer Le célibataire en un phare de diversité et d’inclusion, la première saison «historique» de Black Bachelor s’est terminée avec des photos racistes divulguées et l’animateur de longue date Chris Harrison fulminant sur «la police réveillée» à la télévision nationale.

Maintenant, la nouvelle saison de La bachelorette semble tenter de réparer l’obsession de longue date de la franchise pour la culture de la pureté. Il n’y a pas si longtemps, le Célibataire l’univers adorait que la candidate Madison Prewett soit vierge, la décrivant même avec amour comme « si pure ». La gestion de Prewitt par l’émission n’était qu’une partie de l’obsession générale de la franchise pour la pureté sexuelle et un exemple de son utilisation répétée de la virginité d’un concurrent comme point d’intrigue saison après saison. Maintenant, juste un an après l’apparition de Madison dans la saison 24, Katie Thurston, l’ancienne Célibataire la candidate qui a choqué Matt James – et tout le fandom – en se présentant avec son vibromasseur rose scintillant, est la nouvelle Bachelorette. Katie n’a aucune honte à être sexuelle à l’écran, la faisant apparaître comme si elle renversait le statu quo de la série. Mais maintenant, Bachelor Nation empoisonne complètement le concept de positivité sexuelle, le transformant d’une politique féministe libératrice à l’une des innombrables façons dont les prétendants de Katie peuvent l’objectiver et la sexualiser.

La première de la saison du 7 juin regorgeait d’insinuations sexuelles conçues pour attirer l’attention de Katie. Les concurrents ont essayé une série d’introductions sexuellement chargées, d’un concurrent apportant sa poupée sexuelle gonflable, à un autre lui disant qu’il espère qu’ils « se frottent l’un ensemble » quelques instants après la rencontre, à un autre continuant à propos de son « AVC » seulement pour révéler qu’il faisait en fait référence à son sens aigu de la peinture. Si la première est une indication, La bachelorette est en train de transformer l’autonomisation sexuelle d’une femme en feu vert pour les avances sexuelles effrayantes des hommes, allant même jusqu’à faire un jeu de mots vibrateur dans les promos de spectacles. Katie et la longue liste d’hommes en lice pour son amour – des hommes qui ne semblent pas être des spécialistes du genre et de la sexualité – répètent l’expression « sexe positif » encore et encore au cours de chaque épisode de deux heures. Mais tout comme le casting des candidats noirs n’a pas résolu le problème de racisme de la franchise, répéter le terme «sexe positif» encore et encore ne réformera probablement pas les origines hétéronormatives et sexistes de la série. La bachelorette pourrait s’attendre à des éloges pour avoir présenté une femme ouvertement sexuelle, mais cela masque simplement la même dynamique de genre problématique sous le couvert de la libération sexuelle féministe.

Le concept de positivité sexuelle a gagné en popularité ces dernières années, parallèlement à la revitalisation simultanée de la culture de la pureté. Alors que la culture de la pureté prêche des rôles de genre rigides et des doubles standards sexuels, la positivité sexuelle préconise le découplage de la sexualité consensuelle d’un code moral enraciné dans l’évangélisation chrétienne blanche. En contrecarrant les promesses de virginité et les boules de pureté, la positivité sexuelle se concentre sur le consentement, le plaisir et la liberté de choisir comment être ou ne pas être sexuel. Compte tenu des nuances racialisées de la culture de la pureté, à savoir la diabolisation des femmes noires et latines comme hypersexuelles et la fétichisation des femmes asiatiques, la positivité sexuelle est également une pratique libératrice pour les femmes et les personnes de couleur non binaires qui souhaitent défier la suprématie blanche. Et pourtant, la positivité sexuelle a été cooptée au service des idéaux patriarcaux, et la libération sexuelle a été remaniée pour indiquer qu’une femme est toujours disponible sexuellement. La description erronée de l’ouverture de Katie comme une invitation à être sexualisée par des hommes étranges est emblématique de cette tendance plus large.

De nos commanditaires

Vous auriez du mal à trouver une femme ou une personne non binaire qui travaille dans le domaine de la santé sexuelle qui n’a pas connu cette fétichisation ironique de la positivité sexuelle. L’écrivain sexuel queer Sara Youngblood Gregory est régulièrement victime de harcèlement en ligne après avoir publié des essais sur des sujets tels que le BDSM ou la non-monogamie. « Il y a une grande différence entre être sexuel – parler et éduquer les gens sur la sexualité – et être sexualisé », dit-elle. « L’un est mon choix. L’autre ne l’est pas. En sexualisant Katie, alors, La bachelorette fournit un plan pour supprimer le choix de la positivité sexuelle adoptée par Gregory et d’autres professionnels de la sexualité.

En effet, la majeure partie du harcèlement que subissent les professionnels du sexe ressemble étrangement aux comportements des concurrents envers Katie : avances sexuelles injustifiées et suppositions de disponibilité sexuelle aveugle. Sarina, une chercheuse en santé sexuelle bisexuelle basée à Chicago qui utilise un pseudonyme pour cet article, a déclaré : « Les gens supposent souvent que je suis sexuellement libertin, expérimenté et « coquin » en raison de mon intérêt. [in] et la passion pour l’éducation sexuelle. Javay da BAE, une éducatrice sexuelle bisexuelle noire et professionnelle du plaisir, a fait écho à cela, en disant : « La personne moyenne pense que la positivité sexuelle signifie« oh oui, j’ai tellement de relations sexuelles » », ce qui amène les gens à croire qu’elle «doit vouloir avoir des relations sexuelles [with them] ou entendre parler de leur vie sexuelle ou de leurs organes génitaux. La bachelorette pourraient présenter ces introductions trop sexuelles comme comiques, mais les éducateurs sexuels reçoivent régulièrement des photos de bites indésirables et des messages d’hommes inconnus demandant des relations sexuelles. Nous ne pouvons pas laisser cette saison renforcer cette dénaturation généralisée de la positivité sexuelle dans le but de gagner des points d’inclusivité auprès d’un public désireux de voir une nation célibataire réformée.

Rachel Lindsay, la première Black Bachelorette, l’a mieux dit lorsqu’elle a déclaré que cette franchise ne survivrait pas si elle n’apportait pas de sérieux changements. Mais si l’année écoulée en est une indication, cette dernière tentative de refonte La bachelorette comme compatible avec la positivité sexuelle échouera. Peu importe combien de fois les producteurs demandent aux candidats de répéter la ligne « sexe positif » en regardant la caméra ou combien de vibromasseurs roses scintillants sont agités à l’écran, cette émission ne peut pas fuir sa longue histoire de colportage de mythes sur la pureté. Katie a été décrite par l’un de ses nombreux prétendants comme « la fille parfaite: belle, drôle et positive pour le sexe ». Il reste à voir dans quelle mesure elle ou la série incarne les valeurs fondamentales de la positivité sexuelle, mais ce qui est clair, c’est que Katie est en effet la fille parfaite pour Le célibataire franchise à utiliser à la fois pour se protéger des critiques et pour se présenter comme si elle était nouvelle et améliorée.

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par Meggie Gates

18 juin 2021

Le désintérêt de Disney à vraiment embrasser les mêmes consommateurs que ses cibles de messagerie Pride envoie un message clair.

Busy Philipps comme Summer, à gauche, Sara Bareilles comme Dawn Solano, Ashley Park comme Ashley, Erika Henningsen comme Young Gloria et Renée Elise Goldsberry comme Wickie Roy dans Girls5eva (Crédit photo : Heidi Gutman/Peacock)

Alors qu’elle approche de sa neuvième décennie de vie, ma grand-mère est devenue plus franche avec moi au sujet de ses regrets. Elle aimerait avoir attendu plus longtemps pour se marier, avoir poursuivi sa passion pour l’immobilier même si mon grand-père l’a interdit. Ce que j’entends dans ces aveux, c’est le désir d’une identité indépendante de l’obligation familiale. Nos conversations me font me demander s’il y a un laps de temps dans lequel une femme peut – ou est autorisée à – devenir auto-actualisée. Un échantillon aléatoire de films et d’émissions de télévision pourrait fixer la date limite entre la maternité et la ménopause, car plus une femme vieillit, plus elle s’éloigne de la viabilité reproductive et moins elle devient une personne.

Mais et si le contraire était vrai ? Et si les femmes devenaient Suite eux-mêmes en vieillissant ? Deux nouvelles séries, HBO Max’s Hacks et du paon Girls5eva, plaidez en faveur de la réalisation de soi comme d’un processus permanent plutôt que comme d’une réalisation urgente. Bien que tonalement et thématiquement distinctes, les deux comédies examinent la façon dont nous traitons les femmes qui osent vieillir en public, présentant le vieillissement comme une expérience marquée non par la disparition mais par la croissance. Hacks et Girls5eva sont ostensiblement sur les femmes qui montent des retours professionnels : Hacks met en vedette le brillant Jean Smart dans le rôle de Deborah Vance, une comédienne vieillissante dont la popularité décroissante l’incite à collaborer avec un écrivain dans la vingtaine sur un nouvel acte. Girls5eva suit les membres de l’ancien groupe de filles éponyme, maintenant d’âge moyen (Renée Elise Goldsberry, Sara Bareilles, Busy Philipps et Paula Pell) alors qu’elles tentent de relancer leur carrière musicale. Mais plus profondément, les deux séries se concentrent sur les femmes créatives au-delà de leurs «primes» reproductifs qui poursuivent leurs passions, se réinventent et se livrent à un égoïsme bien mérité – et souvent génératif.

Lorsque nous rencontrons Deborah pour la première fois, ses meilleurs jours semblent être derrière elle. Autrefois une bande dessinée pionnière, elle s’est maintenant installée dans une résidence à Las Vegas, recyclant des morceaux périmés pour un public tiède. Mais lorsque sa résidence atterrit sur le billot, elle demande à contrecœur l’aide d’Ava (Hannah Einbinder), une jeune comédienne en difficulté, pour réorganiser son numéro et convaincre le propriétaire de l’hôtel de sauver la série. Ava est bientôt chargée de cataloguer les bandes des performances passées de Deborah, toutes empilées dans le sous-sol de son manoir de Vegas comme s’il s’agissait d’artefacts. Les routines d’antan de Deborah sont rafraîchissantes et audacieuses, abordant des problèmes comme le harcèlement sexuel et l’avortement, et Ava se demande comment elle pourrait s’appuyer sur ce même esprit tout en l’améliorant et en le faisant progresser. Ensemble, le couple crée une émission qui canalise l’ancienne morsure de Deborah et accède à une nouvelle vulnérabilité durement gagnée. Deborah fait ses débuts dans la finale de la saison, commandant la scène dans un superbe tailleur-pantalon à sequins. Tous les deux soirs de sa résidence, elle dit : « J’ai raconté beaucoup des mêmes blagues. Mais ce soir, je ne vais pas vous raconter les mêmes. A la place je vais te dire Pourquoi J’ai raconté ces blagues. C’est une approche risquée. Mais elle a passé des années à apprendre et à perfectionner son art de la comédie ; maintenant, elle connaît assez bien les règles pour les enfreindre.

Le travail de Deborah atteint de nouveaux sommets car elle a vieilli. Elle a accumulé un solide arsenal d’expériences sur lesquelles s’appuyer, a passé des années à peaufiner des morceaux par essais et erreurs et a acquis la liberté de création qui accompagne le succès antérieur. Plus important encore, elle a dépassé cette impulsion juvénile de plaire aux autres, d’être aimée et acceptée. Au lieu de cela, elle veut s’exprimer pleinement sur scène, quelle que soit la réaction du public. Cette attitude est utile : l’émission de Deborah ne reçoit pas l’accueil le plus chaleureux. « J’ai bombardé et j’ai adoré ça », dit-elle à Ava. « Je n’ai pas ressenti ça depuis des années. » Ses yeux brillent. « Le spectacle n’a pas fonctionné, mais il le fera, les morceaux sont là. Je dois juste trouver comment les assembler. Ce n’est pas le portrait d’un vieux pro qui a troqué la curiosité contre le confort. Deborah est une artiste pleinement réalisée dont le désir d’inventer et d’imaginer s’est aiguisé, et non diminué, avec l’âge.

Hacks comprend qu’arriver à ce point d’épanouissement artistique et professionnel est difficile, surtout pour les femmes. La croissance de Deborah n’est pas linéaire et elle a dû sacrifier beaucoup pour son succès. Parfois, son travail a souffert pour des raisons de sécurité financière; sa propre fille souffrait pour le travail, qui prenait la plupart de son temps. Et elle a souvent dû compromettre son intégrité pour établir sa carrière. Dans un épisode, Deborah élabore une partie de son nouveau matériel dans un petit club de comédie de Sacramento où elle se produisait. Alors qu’elle se souvient des mauvais traitements qu’elle a subis en tant que femme comique, Ava la pousse à se demander si elle aurait pu faire plus – plus qu’elle peut faire maintenant – pour défendre elle-même et d’autres femmes. Deborah est furieuse à l’idée, mais quand elle surprend le maître de cérémonie du club en train de harceler un artiste, elle se lâche. Elle offre au maître de cérémonie un paiement en espèces s’il accepte de ne plus jamais faire de comédie, pas même de podcast ! « Ce que Deborah finit par faire sur scène, c’est le cœur de ce qu’Ava veut qu’elle fasse », a déclaré la cocréatrice Lucia Aniello au Los Angeles Times, « Ce qui est d’être un peu en colère et honnête à propos de ce que ça a été d’être Deborah Vance toutes ces années. »

Comme des merveilles à un coup, les femmes de Girls5eva ne sont pas aussi blasées que Deborah, mais elles sont également chargées de se réinventer pendant une bonne partie de leur carrière. Depuis la désintégration du groupe dans les années 90, la vie de chaque membre s’est déroulée de manière inattendue et parfois décevante. Dawn (Bareilles), une restauratrice épuisée, et Summer (Philipps), une femme au foyer délaissée, sont toutes deux mariées et ont des enfants. Gloria (Pell) se languit de son ex-femme tout en s’enfonçant dans son travail de dentiste. Et Wickie (Goldsberry), la diva résidente du groupe, mène une vie glamour en ligne mais se débrouille à peine en tant qu’employée de l’aéroport. Mais lorsqu’un rappeur populaire échantillonne l’une des vieilles chansons de Girls5eva, les quatre femmes saisissent l’opportunité de réintégrer l’industrie de la musique et de redéfinir leur héritage.

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En imaginant leur retour, ils revisitent leur catalogue, qui comprend des chansons comme « Jailbait » (« Jailbait, super au sexe/ Mais c’est notre première fois ») et « The Other Girl » (Si mon homme triche/ Nous n’obtiendrons que vraiment en colère contre l’autre fille / C’était de sa faute seulement »). « Je comprends pourquoi nous avons chanté ce genre d’adolescents », dit Dawn, « mais nous avons maintenant des trous d’oreille pour adultes. » Une évolution s’impose clairement. Alors ils abandonnent leur ancien manager, un fluage sujet à la violence verbale qui, selon eux, a exploité leur naïveté pour les virer de leur contrat initial. («Pourquoi l’avons-nous signé?» se lamente Wickie. «Nous étions des enfants», répond Dawn. «Nous ne savions pas.») Et Dawn décide, pour la première fois, d’écrire ses propres chansons, un long- Le désir tenu que le manager du groupe a annulé très tôt. Comme Deborah, elle peine à concilier ce nouveau travail avec ses responsabilités de mère. Mais plutôt que de fuir le défi, elle l’accepte ; elle investit d’abord en elle-même et, ce faisant, devient meilleure pour ceux qui l’entourent. La chanson qu’elle écrit pour le groupe, « Four Stars », reflète une ambition féroce mais fondée : « Nous allons repartir à neuf/ Prendre quelques nouveaux pas/ Et porter nos chaussures confortables/ Et si nous risquions tout et essayions ?/ Sachant que nous pourrions tomber, mais nous pourrions voler / Je suis un travail en cours / Je n’ai pas encore fini.

Vers la fin de la saison, Wickie doit choisir entre la sécurité et la réalisation de soi. Elle devient juge dans une émission de téléréalité populaire mais terrible, et son contrat bien rémunéré stipule qu’elle ne pourra plus jamais se produire. Le succès si tard dans la vie, semble-t-il, demande de sérieux compromis. Ses options se réduisent à un mécontentement confortable ou à un épanouissement précaire. Elle sollicite l’avis de Dawn, qui a opté pour cette dernière. « Pour la première fois de ma vie, je ne prends pas non pour une réponse, et honnêtement, ça fait du bien », dit Dawn. « C’est inutile, mais c’est ce que je fais. » Comme Deborah, Dawn trouve un plaisir inattendu dans la lutte de tout cela, dans le défi qu’elle est forcée de relever. L’effort affamé est si souvent synonyme de jeunesse, mais Hacks et Girls5eva prouver que les passions et les désirs des femmes ne s’estompent pas avec l’âge.

Hors écran, les deux séries ont également créé des opportunités passionnantes pour les femmes artistes autrement en fin de carrière. Smart, 69 ans, a passé la majeure partie de sa carrière à être chroniquement sous-évaluée. « Pour les acteurs, je pense que la chose la plus douloureuse est de savoir tout ce que vous avez à offrir et de ne jamais avoir l’opportunité de le faire », a-t-elle déclaré au New York Times. Hacks a fourni le genre de rôle dont elle rêvait – et qu’elle méritait – depuis des décennies. Goldsberry, 50 ans, n’a pas percé jusqu’à ce qu’elle joue dans Hamilton à l’âge de 44 ans. Girls5eva marque son premier rôle principal à la télévision. « Il y a quelque chose de beau dans le fait que les choses se passent d’une manière différente de ce à quoi nous nous attendions, plus tard que nous le pensions », a-t-elle déclaré au Fois. Mais elle sait aussi à quel point son expérience est anormale : « Ne sous-estimez pas à quel point une femme noire d’âge moyen est invisible.

Si Hacks et Girls5Eva partagent une thèse commune, c’est que la croissance nécessite le passage du temps et le soutien des autres. La régression, bien que facile, est rarement productive ; le grand art et la véritable réalisation de soi dépendent de l’évolution personnelle. Malgré une culture qui fétichise la jeunesse et considère le vieillissement comme quelque chose à prévenir ou à inverser, j’ai hâte d’accumuler des expériences et de cultiver des relations. Je pense que, dans sa vieillesse, ma grand-mère est plus épanouie que jamais, avec une liberté et des amitiés qu’elle n’a jamais eues dans sa jeunesse. Je vois sa libération plus tard dans la vie reflétée dans les femmes de Hacks et Girls5eva. Après tant d’années consacrées aux conjoints et aux enfants, ou subordonnées aux caprices des propriétaires et gérants d’hôtels (masculins), leur temps, leur énergie et leur vie sont enfin à eux.

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par Grace Ebert

15 juin 2021

Le langage sectaire obscurcit et confond à dessein les adeptes et les non-croyants.

Le 1er juin, Disney a tweeté cette illustration à l’appui du mois de la fierté. (Crédit photo: Twitter/Disney)

Disney tente une fois de plus de se hisser au premier plan du mois de la fierté : ce mois-ci, la société a dévoilé de nouvelles marchandises axées sur la fierté dans un faible effort pour paraître inclusif. Une Lilo et Stitch– un t-shirt à thème indique « Ohana signifie famille », tandis qu’un autre représente le laboratoire Pixar aux couleurs de l’arc-en-ciel. Pourtant, dans les coulisses, Disney raconte une autre histoire, une histoire qui, comme Chutes de gravité créateur Alex Hirsch a récemment noté sur Twitter, traite le contenu axé sur les LGBTQ comme inadapté à son public. « À tous les créatifs de Disney TV, fonctionnalité, publication ou diffusion en continu : s’il vous plaît, envoyez sans pitié à vos dirigeants un spam avec » il y a de la place pour tout le monde sous l’arc-en-ciel « la prochaine fois qu’ils vous diront de » réviser « votre personnage LGBTQ+ pour « ne pas être approprié pour Disney, ‘ », a ajouté Hirsch, une demande qui a été retweetée plus de 7 000 fois.

Lorsque Cruelle sorti en salles le 28 mai, certains ont salué la production dirigée par Emma Stone comme «camp, queer et honnête», tandis que d’autres l’ont critiquée pour un queerbaiting inutile. Un exemple de ce dernier est Artie (John McCrea), un homme de main à peine voilé qui s’habille de vêtements fluides. Le film se déroule dans le monde de la mode, il est donc logique qu’Artie connaisse bien les tendances de l’industrie. Ses ensembles de dentelle, de satin et de soie ont d’abord été salués par les téléspectateurs queer en quête de représentation, puis critiqués par les conservateurs pour avoir colporté un «agenda gay». C’est normal pour les productions Disney : ces dernières années, chaque nouvel effort est à un moment donné salué pour avoir présenté le « premier » personnage queer de la société, car sans aucun récit queer étoffé ou canon sur lequel s’appuyer, les téléspectateurs LGBTQ saisissent les pailles narratives , désespérés d’être vus par l’industrie qui a façonné leur éducation.

Bien que l’agenda gay présumé du studio ait récemment avancé, avec le rôle de Lena Waithe en tant qu’officier Spector dans En avant, le personnage est rapidement passé à l’arrière-plan après cinq minutes d’écran. Disney a présenté l’officier Spector comme son premier personnage ouvertement gay, mais il a également censuré le film en Russie, changeant la phrase de Spector sur sa « petite amie » en une ligne sur son « partenaire ». Au-delà En avant, la représentation queer a largement consisté en des spéculations sur Internet sur Trouver Dorydu « couple de lesbiennes présumé » et d’un « Lefou canoniquement queer » loué pour sa « subtilité queer » dans La belle et la Bête. Bien que Disney ait créé des méchants codés queer tels que Jafar, Scar et Ursula pour aider l’entreprise à gérer son programme pseudo-progressif, cette approche a contribué au discours homophobe. Comme le note John Weir dans un article de 1992 pour le New York Times, ce type de codage queer assimile intrinsèquement l’homosexualité au mal, devenant une forme de dénigrement gay.

« Certes, il y a des homosexuels et des lesbiennes absurdes et sinistres dans la vraie vie, tout comme il y a des hétérosexuels malfaisants », écrit Weir. « Mais les hétérosexuels ne sont jamais définis comme mauvais ou hors de propos simplement à cause de leur sexualité. » Suivant cette logique, Disney a fait le travail parfait en prétendant être progressiste tout en prenant trois pas de retard. Disney a ajouté l’insulte à la blessure en mettant au rebut Nimona, son premier film légitimement queer, en mars 2021. Adapté du roman graphique de Noelle Stevenson sur un méchant nommé Ballister qui engage le jeune métamorphe titulaire comme acolyte, Nimona devait être adapté par Blue Sky Studios, un studio d’animation acquis par Disney en 2019. Stevenson a dirigé le récent She-Ra et les princesses du pouvoir reboot, et son livre a attiré un culte avec son adhésion à la culture LGBTQ et ses efforts pour combler le fossé entre les générations de personnes queer.

Dans un article pour son blog Watchful Mother, Jenny Bullough écrit que Nimona l’a aidée à développer une relation plus étroite avec ses enfants queer : « Le fait que je n’a pas lis [Blackheart and Goldenloin] en tant que couple gay et notre enfant queer a fait, renforce pour moi qu’elle est si impatiente de voir son identité reflétée et représentée dans la culture populaire qu’elle lira les références les plus codées de manière indirecte et les revendiquera comme un canon LGBTQ légitime », écrit-elle. « Ce qui souligne également pour moi le besoin d’une représentation LGBTQ encore plus évidente et franchement positive dans ce qui est disponible pour les préadolescents et les adolescents à lire, regarder et écouter. » Le film d’animation devait présenter une avance de changement de forme fluide entre les sexes et, encore plus excitant, un baiser de même sexe. Après que Disney ait édité un baiser lesbien de 2019 Star Wars : L’Ascension de Skywalker, il y avait de l’espoir que Nimona pourrait être un tournant dans la façon dont l’entreprise gère l’homosexualité. Cependant, 10 mois avant la fin de la production, Disney a brusquement abandonné le film en raison de coupes budgétaires liées à COVID. Considérant que Disney possède tout, les coupes budgétaires sont plus une excuse qu’une raison légitime pour arrêter la production. La société a également rompu entièrement ses liens avec Blue Sky Studios, licenciant plus de 450 employés.

Au lieu d’embrasser un film qui n’utilise pas le trope Bury Your Gays, Disney a choisi d’enterrer ses gays. Ce fut un autre coup dur pour les téléspectateurs queer de Disney, dont beaucoup se tournent toujours vers la marque pour un sentiment de confort, de validation et d’émerveillement enfantin qui maintient la magie vivante dans notre cœur. Se faire dire « non » encore et encore peut, surtout pour la communauté queer, rouvrir une blessure qui ne guérit jamais vraiment. Mais les médias qui accordent constamment des tapes dans le dos à une entreprise qui se livre au racisme, au sexisme et à l’antisémitisme lui donnent la latitude de faire une pause sur les progrès légitimes. Malgré les prétentions de son PDG de faire de son mieux pour lutter contre le passé homophobe de Disney, l’entreprise, comme tant d’autres, ne veut pas abandonner le pouvoir face au changement social. Ses efforts pour coopter la fierté comme une démonstration d’acceptation radicale est une tentative de masquer les refus continus de soutenir la communauté LGBTQ dans les coulisses, qu’il s’agisse de l’image de marque Amour, Simon comme « pas adapté aux familles » ou faire un don aux législateurs homophobes qui soutiennent la législation anti-trans.

Bien que plus de 5% des adultes aux États-Unis s’identifient comme membres de la communauté LGBTQ et que ce nombre devrait augmenter, seulement 10% des personnages de télévision en 2019 étaient queer et seulement 38 de ces personnages étaient trans. Ce nombre est tombé à 9 % en 2020. Au cours de la dernière année, le nombre de personnages queer a diminué de 1 % ; actuellement, sur les 773 habitués de la série apparaissant à la télévision aux heures de grande écoute, seulement 70 sont LGBTQ. La porte de l’inclusion queer semble plus large, mais ceux de l’intérieur la ferment constamment, une lutte à double sens sur la façon dont l’avenir prévaudra. À une époque où TikTok a accéléré l’expérience du coming out, les enfants ont plus que jamais accès au contenu gay. Pour cette raison, nous devrions faire avancer la conversation sur la sexualité au lieu de l’arrêter. En adoptant certains aspects d’un mode de vie tout en ignorant un autre, nous empêchons les enfants de développer une compréhension plus profonde et plus complexe de leur propre identité. Surtout maintenant, alors que tant de parents ont mal réagi à la sortie de Jojo Siwa, le désintérêt de Disney à vraiment embrasser les mêmes consommateurs que ses cibles de messagerie Pride envoie un message clair : la représentation queer n’est pas importante, et le contenu queer doit être publié sur le site de l’entreprise. termes, peu importe ce que cela coûte aux personnes LGBTQ avant, pendant et après la fierté.

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par Sophia Stewart

16 juin 2021

Et si les femmes devenaient plus elles-mêmes en vieillissant ?

Amanda Montell, auteur de Cultish : le langage du fanatisme (Crédit photo : Harper Wave)

Sous l’ombre du capitalisme occidental, nous parlons tous couramment ce que la linguiste et auteur Amanda Montell appelle « culte », ou le langage du fanatisme. Des expressions telles que « le tout-puissant dollar », l’idée qu’« acheter dans » quelque chose est synonyme de croire, et une foule d’autres expressions teintées de capitalisme imprègnent notre langue vernaculaire, en particulier aux États-Unis, où l’idéal inaccessible du rêve américain court. rampant. Le nouveau livre perspicace de Montell, Cultish : le langage du fanatisme, analyse le lien intrinsèque entre la langue, la culture et l’idéologie à travers le prisme de l’obsession, de la dévotion et de la soumission coercitive. Comme son titre l’indique, Culte explore la rhétorique des systèmes extrêmes, dont le culte du capitalisme occidental.

Il n’est pas surprenant que Montell soit capable de déballer rigoureusement une facette clé de notre lexique contemporain. Son livre 2019, Wordslut : Un guide féministe pour reprendre la langue anglaise, démantèle précisément les manières dont le discours commun opprime ceux qui sont déjà marginalisés et ce que signifie lutter par les mots. Dans Culte, Montell déconstruit à nouveau le langage, et bien que ce sujet puisse sembler niche en comparaison – vous n’êtes pas susceptible de rejoindre l’Église de Scientologie, n’est-ce pas ? – il démontre brillamment combien d’entre nous sont beaucoup plus liés à ce phénomène sociologique que nous ne le pourrions. croyez. Le mot «culte» lui-même échappe à une définition universelle, mais il peut être classé par quelques principes, notamment l’exploitation, les comportements altérant l’esprit et une approche fin-justifie-moyens. (Bonjour, le capitalisme.) Culte est perspicace et riche, offrant un contexte pour les histoires protestantes qui influencent une grande partie de notre langage fanatique moderne et les échecs systémiques qui ont produit les conditions pour que ces groupes prennent racine et prospèrent.

S’étendant de Peoples Temple à Amway et CrossFit, chaque chapitre explore l’essor d’organisations spécifiques alors qu’il vacille entre le verbiage unique des membres et les stratégies rhétoriques employées, ou dans certains cas continuent d’utiliser, pour recruter, conditionner et piéger de nouveaux membres. . Heaven’s Gate a rebaptisé ses adeptes, par exemple, pour signifier qu’ils renaissent en tant que membre du groupe, tandis que les « guérisseurs alternatifs » tels que Joe Dispenza brouillent le jargon et redéfinissent les mots avec des inexactitudes factuelles afin d’être perçus comme hautement instruits et dignes de confiance. par ceux qui ne sont pas au courant. Semblable au langage des escroqueries et du gaslighting, le langage sectaire obscurcit et confond également à dessein les adeptes et les non-croyants comme moyen d’établir la légitimité, d’exploiter les personnes impliquées et de produire une distinction ferme entre les membres et les étrangers.

De nos commanditaires

Les chefs de secte s’appuient également sur la cooptation lorsqu’ils faussent les définitions et créent un nouveau jargon. Montell s’interroge constamment sur ce que signifie « voir les vibrations de quelqu’un » ou devenir « énervé » (être affligé ou bouleversé dans le jargon de la Scientologie), qui est une pratique sémantique que nous pouvons imiter. Il est nécessaire de considérer chaque situation avec une bonne dose de scepticisme, en particulier celle qui est vendue comme une alternative utopique à un système défectueux. Montell n’examine pas les sectes à travers le prisme du voyeurisme ou du sensationnel souvent généré par Le vœu, Pays sauvage, sauvage, et d’autres docuseries récentes. Plutôt que de participer au spectacle à distance de sécurité d’un salon, Culte est délibérément non sentimental et basé sur la recherche, ce qui permet à Montell d’humaniser ceux qui sont dans les griffes d’un culte. Comme elle le souligne dans le livre, l’idée que les humains peuvent littéralement subir un lavage de cerveau est un mythe qui néglige l’incroyable pouvoir de la coercition mentale et émotionnelle. Personne n’est entièrement à l’abri de succomber à un leadership charismatique, bien que certaines personnes soient plus susceptibles en raison des traumatismes de l’enfance, de la situation économique et d’une foule d’autres facteurs.

Au lieu de cela, Montell écrit qu’« une surabondance d’optimisme » est la principale raison pour laquelle les gens sont incités à rejoindre l’un de ces groupes. Les gens sont prêts à croire qu’une opportunité de faire partie d’un mouvement ou de trouver une nouvelle communauté améliorera leur vie au-delà de ce qu’ils peuvent faire par eux-mêmes. Alors qu’elle laisse de la place aux avantages de l’appartenance hébergés dans des contextes non mortels ou dévorants – essentiellement tout groupe qui donne une sortie facile et ne brisera pas la vie entière d’une personne si elle décide de partir – il est difficile d’imaginer comment tout ce qui fonctionne sur notre psychisme de manière aussi imperceptible n’a pas le potentiel d’être problématique et nuisible, en particulier lorsqu’il est intrinsèquement lié à l’idéologie.

Il y a de nombreuses raisons pour lesquelles beaucoup d’entre nous sont immergés dans le langage du capitalisme occidental et achètent inévitablement ce kit de démarrage pour vendre des crèmes pour les yeux ou trouver l’intrigue dans les ateliers « de changement d’âme » colportés par des gourous. D’une part, les systèmes traditionnels qui devraient répondre aux besoins de base ont échoué : avant la pandémie, 25 % des Américains ne pouvaient pas payer les frais de santé nécessaires, un nombre seulement exacerbé par COVID-19 ; les emplois précaires à bas salaire maintiennent les gens dans la pauvreté; et une culture incessante de productivité et d’amélioration nous dit que si nous n’avons pas d’emplois épanouissants, de passe-temps significatifs, de relations saines et de régimes de remise en forme extrêmes, alors nous devons être indignes de tout ce que nous recherchons. Combinés à l’épidémie de solitude et au besoin d’appartenance, les groupes de type secte peuvent être une alternative attrayante aux malheurs de la vie réelle. Malheureusement, ces défaillances systémiques affectent de manière disproportionnée les populations marginalisées, en particulier lorsque le chemin vers la réalisation du rêve américain est étroit et que les besoins fondamentaux ne sont pas satisfaits. Ces prétendues solutions, qu’il s’agisse d’investir des centaines de dollars pour vendre des shakes protéinés Herbalife ou d’essayer de réduire l’anxiété grâce à un cours de spin, sont des pansements fragiles et pré-souillés pour les plaies béantes. Comme Appelle ta petite amieLes co-hôtes de , Ann Friedman et Aminatou Sow, réitèrent, l’arnaque est structurelle.

Cultish : le langage du fanatisme par Amanda Montell (Crédit photo : Harper Wave)

Bien que Montell ne relie pas directement chaque organisation et chaque leader qu’elle détaille à une impulsion capitaliste spécifique, cette relation renforce la plupart de ce qu’elle raconte. « Le culte du marketing multiniveau est un produit direct du ‘culte’ qu’est le capitalisme occidental lui-même », écrit-elle. Ceux qui sont à l’avant-garde de la religion du yoga Kundalini 3HO, SoulCycle et LuLaRoe, en plus de la motivation derrière un groupe toujours croissant d’influenceurs Instagram New Age, sont également liés par une volonté incessante d’accroître leur domination et leur richesse : plus ils sont nombreux. se convertissent en adeptes ou font partie de leur communauté de marque, plus ils gagnent d’argent et plus ils ont de pouvoir. Au-delà de la défaillance structurelle, il y a aussi la question de la fatigue décisionnelle et de l’épuisement professionnel. « Comme le dit notre tradition générationnelle, les parents des milléniaux leur ont dit qu’ils pouvaient devenir ce qu’ils voulaient, mais ensuite cette allée de céréales sans fin  » et si  » et  » pourrait être  » s’est avérée si écrasante, tout ce qu’ils voulaient, c’était un gourou pour leur dire lequel choisir », écrit Montell. En plus d’un paysage politique tumultueux et du manque de services nécessaires, le poids des plus petites décisions peut être trop lourd à porter.

Même ceux d’entre nous qui n’achètent pas de cours coûteux ou ne s’inscrivent pas à des retraites de bien-être d’une semaine peuvent se retrouver à s’incliner devant les algorithmes des médias sociaux, qui associent les photos des animaux de compagnie de nos amis à des publicités ciblées pour un nouveau produit de beauté « culte classique ». ou des articles ménagers. Le langage culte est tissé dans tant de facettes de la vie contemporaine qu’il est impossible d’y échapper, mais identifier les lieux où il apparaît peut nous aider à le reconnaître lorsqu’il apparaît. « Par-dessus tout, il est important de maintenir un scintillement vigilant dans vos yeux – ce picotement dans votre cerveau qui vous dit qu’il y a un certain degré de métaphore et de faire semblant ici, et que votre identité ne vient pas d’un swami ou d’une idéologie unique, mais à partir d’un vaste amalgame d’influences, d’expériences et de langages qui composent qui vous êtes », écrit Montell.

L’identification des clichés qui mettent fin à la pensée – ou des blocs sémantiques conçus pour mettre fin à la pensée critique et au débat – est l’un des outils les plus efficaces pour déceler les comportements sectaires qui ont déjà commencé à s’installer. Des expressions telles que « tout arrive pour une raison », « ne soyez pas gouverné par la peur » et « les garçons seront des garçons » mettent fin aux conversations potentiellement productives et vitales avant qu’elles ne commencent. Malgré leur intention, un cliché qui met fin à la pensée devrait déclencher un besoin de questions supplémentaires. Alors que les sectes ont un potentiel de destruction et de résultats déchirants, le livre de Montell respire l’optimisme. Elle écrit avec l’hypothèse sous-jacente que si nous pouvons apprendre à reconnaître et à séparer la langue vernaculaire du fanatisme, il n’y a pas lieu d’avoir peur. Après tout, si le langage a le pouvoir à la fois de produire notre réalité et de nous enfermer si complètement dans celle de quelqu’un d’autre, alors il a aussi la capacité de nous libérer.

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par Eleanor Howell

14 juin 2021

La victime n’est jamais vraiment étoffée.

Kate Winslet dans le rôle de Mare Sheehan dans Jument d’Easttown (Crédit photo : Michele K. Short/HBO)

Nous sommes depuis plus de 15 mois dans une pandémie mondiale mortelle, et je ne peux pas arrêter de regarder des émissions de meurtre. Je sais que je ne suis pas seul ; après tout, il y a une sursaturation des mystères de meurtre réels et fictifs à l’écran. Ainsi, pendant la quarantaine, je me suis allongé sur mon canapé, seul et épuisé, et j’ai regardé le récit réconfortant et familier d’émission de meurtre après émission de meurtre. Parfois, je me livre à des « mystères douillets » dans lesquels des détectives amateurs charismatiques résolvent des meurtres absurdes dans des villages pittoresques et originaux qui conservent en quelque sorte leur charme après avoir connu une série de morts brutales. D’autres fois, je regarde des émissions de meurtre cruelles et sombres dans lesquelles une personne, souvent une femme ou une fille, est portée disparue ou retrouvée morte, et il y a souvent une peur ou une supposition sous-jacente qu’elle a été agressée sexuellement. Mes préférées de ces émissions de meurtres «graves» sont celles dirigées par une femme détective compliquée et «froide».

Elle abrite généralement un traumatisme profond et elle se débrouille émotionnellement et mentalement avec le mystère. Ces détectives sont généralement joués par de beaux acteurs blancs portant des vêtements amples et un maquillage minimal. Je pense par exemple à Robin Griffin (Elisabeth Moss) dans Haut du lac, Camille Preaker (Amy Adams) dans Objets tranchants, Sarah Linden (Mireille Enos) dans La tuerie, et Mare Sheehan (Kate Winslet) dans Jument d’Easttown (le chouchou de ma timeline Twitter). Au milieu d’une caméra cinématographique, d’une collection de personnages secondaires étranges et des recoins les plus sombres du patriarcat, ces détectives trouvent la fille disparue, vengent la fille morte et, surtout, résolvent le mystère. Dans Jument d’Easttown, Mare est un détective endurci qui a été matraqué par la vie mais conserve toujours un sens de l’humour. Elle est vive et parfois impolie, mais se soucie farouchement de sa famille et de sa communauté, y compris le fils qu’elle a perdu par suicide et le petit-fils qu’elle élève maintenant. Elle vape avec enthousiasme, mange beaucoup de hoagies et porte ses cheveux en un chignon si terrible qu’il est facile d’oublier parfois que Winslet est une véritable star de cinéma. La performance de Winslet est large et incarnée, mais sous l’extérieur piquant, drôle et exaspéré de Mare, il y a une tendresse qui transparaît parfois.

Alors que des émissions comme Jument d’Easttown interrogent le patriarcat, ils le soutiennent également : ils peuvent proposer au public des détectives fortes et féminines comme pistes, mais il reste le problème troublant et séculaire des intrigues qui tournent presque exclusivement autour de la mort de filles et de femmes. Une femme morte, disparue et/ou violée est si courante dans un épisode donné de Loi et ordre : SVU que sa familiarité peut presque devenir réconfortante : on peut s’endormir au rythme du meurtre d’une femme résolu en un seul épisode. Mais la victime n’est jamais vraiment étoffée ; elle est un trou noir, un vaisseau vide et un symbole à la fois de l’innocence perdue et des horreurs du patriarcat. Dans les émissions policières masculines, sa réaction émotionnelle au meurtre de la victime devient le centre de l’émission, alors que le trope du patriarcat en tant qu’auteur se reflète finalement sur lui. Parce que le meurtrier est presque toujours un homme, le détective se définit par opposition au meurtrier : il n’a pas de pulsion meurtrière, n’est-ce pas ? Il incarne le patriarcat, mais pas pour cette extrême. Alors quand il attrape le meurtrier, il venge la morte, et le problème est résolu.

Dans les émissions de meurtres mettant en scène des femmes, la détective se positionne comme une figure maternelle pour la fille assassinée et a souvent elle-même subi différentes formes d’abus. Choisir une femme en tant que détective principal peut donner à la série l’impression d’être un projet féministe, bien que inconfortable. C’est cathartique de voir Robin confronter l’un des hommes qui l’a violée à l’adolescence tout en sauvant une fille de 12 ans de ses agresseurs en Haut du lac. C’est excitant de voir Mare piétiner Easttown, soufflant de façon spectaculaire sur sa vape tout en recherchant l’homme qui a emprisonné et tué des travailleuses du sexe. Bien que le détective sauve la fille disparue et maltraitée, elle sait aussi par nature que cela aurait pu être elle. Et tandis que ces femmes contestent certains aspects du genre, une femme disparue, assassinée ou maltraitée reste toujours au centre du récit. Cela soulève la question : pouvons-nous raconter des histoires de détectives de femmes sans la douleur injustifiée des femmes ?

Jument d’Easttown a une fille assassinée en son centre, mais narrativement et émotionnellement, c’est plus qu’un simple mystère graveleux. Le spectacle va au-delà du casting d’une femme détective; il emprunte également des éléments à des mystères douillets, me rappelant parfois une idéation plus sombre de Le meurtre qu’elle a écrit ou alors Agatha Raisin avec ses personnages étrangement spécifiques, sa petite ville originale et superposée et ses moments humoristiques. Jument d’EasttownLe rythme de est déterminé mais pas lent, révélant la vie des habitants d’Easttown avec une délibération minutieuse. Contrairement à de nombreux romans policiers, tous les personnages ne sont pas liés à l’affaire ou ne sont pas censés être un hareng rouge. Au lieu de cela, ces personnages ajoutent de la richesse au monde de la série : la relation tendue et intime de Mare avec sa mère, Helen (Jean Smart), semble vécue et réelle. Leurs échanges barbelés sont parmi les moments les plus drôles de la série, et je regarderais volontiers une comédie dramatique d’une demi-heure sur leur relation.

Alors que l’intrigue est centrée sur le meurtre d’une jeune femme et la disparition d’une autre, la maternité est le thème insistant de la série, et elle est explorée sous de nombreuses formes et à travers plusieurs personnages. L’adolescente victime, Erin (Cailee Spaeny), est une mère, et la relation de Mare avec Helen est aussi riche et importante que les relations qu’elle entretient avec ses propres enfants. Sa relation avec sa meilleure amie, Lori (Julianne Nicholson), est tendre et intime. Dans une scène émouvante, Mare tient Lori sur ses genoux comme si elle était une enfant. Mais les expériences de Mare avec la maternité sont effrayantes, impitoyables et compliquées. Nous voyons à travers ses actions et les émotions complexes qui traversent son visage, qu’elle aime profondément ses enfants et petits-enfants. Mais quand l’homme avec qui elle sort dit qu’il est sûr qu’elle était une merveilleuse mère pour son fils, elle dit : « Non, je ne l’étais pas. » Je la crois. Le spectateur n’est pas censé condamner ou idolâtrer Mare. C’est une personne compliquée, comme toutes les mères, qui fait de son mieux, et parfois ce n’est pas assez bien.

Jument d’Easttown, cependant, ne remet pas en cause un autre trope qui afflige bon nombre de ces mystères de meurtre: la blancheur des détectives et des victimes. La blancheur du détective suggère que les femmes compliquées mais puissantes – le genre de femmes auxquelles on peut faire confiance pour vous sauver – sont blanches. La blancheur de la victime joue dans le mythe classique de la suprématie blanche selon lequel les femmes blanches sont le genre de femme le plus vulnérable et le plus important – la victime idéale. Il efface la crise du monde réel des femmes et des filles de couleur qui sont portées disparues ou blessées et dont la vie n’est pas valorisée par la culture suprémaciste blanche. La façon dont les médias grand public ignorent et sous-estiment le meurtre et la maltraitance des femmes de couleur, mais en parlent avec empressement quand cela arrive aux femmes blanches, est appelée « syndrome de la femme blanche manquante ». La fiction reflète la culture, mais elle l’influence aussi. Que faisons-nous alors de toutes ces filles blanches mortes à la télévision alors qu’il y a une véritable crise sous-déclarée de femmes autochtones disparues et assassinées aux États-Unis et au Canada ? Je ne suggère pas qu’il devrait y avoir plus d’émissions de meurtre qui centrent les victimes de couleur, mais le fémicide n’est pas seulement un problème de femme blanche. La suprématie blanche et le patriarcat facilitent une culture de la violence contre les femmes, et une femme détective blanche fictive ne résoudra pas ce problème.

Que serait ce spectacle sans le meurtre d’Erin ? Il s’agirait peut-être de Mare et Helen s’entraînant tout en faisant équipe pour se battre pour la garde du petit-fils de Mare. Ou peut-être que cela se concentrerait sur Mare en train de manger en désordre en conduisant ou sur des intrigues sur le maternage, la dépendance, le suicide et les regrets. Quoi qu’il en soit, le spectacle est suffisamment lourd pour qu’il puisse se dérouler sans le meurtre. Bien sûr, la moitié du plaisir consiste à proposer des théories sur qui l’a assassinée. Et Jument d’Easttown est un spectacle réfléchi. Le meurtre et les conséquences de la révélation du meurtrier sont thématiquement liés aux questions sur la maternité que soulève la série – la question de ce qu’un parent ferait et peut faire pour ses enfants. Cette histoire peut-elle être racontée sans le meurtre d’Erin au centre ? Cette question en soulève d’autres : pourquoi les meurtres sont-ils le mystère le plus convaincant ? Pouvez-vous avoir du suspense et interroger le patriarcat sans féminicide fictif ?

Jument d’Easttown est un bon spectacle – bien tracé, joué et écrit. C’est atmosphérique et en couches. Mais il veut aussi jouer dans les deux sens. Il veut être une émission de femmes assassinées, mais aussi plus qu’une émission sur le meurtre d’une femme. C’est aussi concentré sur le chagrin de Mare et ses sentiments sur elle-même en tant que parent que sur le mystère du meurtre. Mais le deuil et la parentalité ne peuvent pas être résolus comme les mystères. Nous obtenons un sentiment de satisfaction d’un mystère résolu qui existe rarement dans la vie. Tous les dimanches des dernières semaines, mon fil Twitter était plein de théories sur l’identité du meurtrier d’Erin. Il y a une raison que j’ai trouvée Les restes, une émission acclamée par la critique sur le deuil qui refusait de résoudre son mystère central, plus facile à admirer qu’à regarder. C’était une émission qui utilisait le récit, le mystère non résolu et insoluble de la raison pour laquelle les gens ont disparu dans les airs, pour parler directement de ce à quoi ressemble le chagrin. Le mystère du meurtre, même avec sa violence inhérente, est plus facile à apprécier. Nous vivons dans un monde frustrant plein de chagrin. Résoudre le meurtre d’une femme fictive nous procure un soulagement temporaire. Et donc, malgré notre malaise, nous continuons à regarder.

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par Marina Watanabe

11 juin 2021

Le N a refusé de diffuser l’épisode pendant plusieurs années.

Amanda Arcuri comme Lola dans Degrassi : Classe suivante (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Degrassi/YouTube)

Cet article a été publié dans Legacy
Numéro 90 | Printemps 2021
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Lorsque Degrassi : la prochaine génération (TNG) créé sur le réseau de télévision CTV il y a 20 ans, j’étais enfermé, je n’avais jamais été embrassé et je n’avais même pas accès à HBO. C’était au début des années 2000 et j’étais un produit du complexe industriel de l’école catholique, donc je pouvais généralement être trouvé vêtu d’un polo informe, de chaussettes hautes et d’une jupe kaki plissée. La fréquentation d’une école catholique de la maternelle à la huitième année a limité ma compréhension du monde, en particulier en ce qui concerne l’éducation sexuelle, j’ai donc été très peu exposée au fonctionnement interne du sexe et des relations chez les adolescents. TNG aidé à combler les lacunes : alors que TNG n’était pas la première itération de la franchise – le spectacle a été précédé par Les enfants de la rue Degrassi, Lycée Degrassi, et Haute Degrassi-c’était la première partie de la franchise que j’ai regardée. Chaque semaine, je me connectais à The N (le bloc de programmation pour adolescents de Noggin pour les téléspectateurs américains) et je regardais mes personnages préférés remettre en question leur sexualité, faire l’amour pour la première fois et traîner dans des camionnettes sommaires dans un ravin.

TNG a peut-être été l’élément de culture pop le plus percutant pour mon moi de 12 ans, car il y avait rarement une histoire trop controversée – des érections maladroites, des scandales de sexe oral, des fusillades à l’école – pour le drame pour adolescents. Au lieu de véritables cours d’éducation sexuelle, mon école nous a enseigné la nécessité de l’abstinence et l’immoralité de l’avortement. Et même si mes professeurs étaient particulièrement prudes à propos du sexe, malheureusement, le reste des États-Unis « laïcs » n’était guère mieux. En 2004, lorsque CTV a diffusé l’épisode de la saison 3 de Degrassi « Accidents Will Happen », mettant en vedette le premier et le seul avortement de TNG, The N a refusé de diffuser l’épisode pendant plusieurs années. Avant cela, PBS, le réseau américain qui diffusait Degrassi High, avait diffusé une version censurée de l’épisode en deux parties de 1989 « A New Start ». Au lieu de diffuser l’épisode dans son intégralité, PBS a supprimé la scène finale, dans laquelle l’adolescente enceinte Erica Farrell (Angela Deiseach) se rend dans une clinique de santé reproductive pour se faire avorter. Stefan Brogren, un producteur et réalisateur de Degrassi qui a également joué le personnage le plus ancien de la série, Archie « Snake » Simpson, a déclaré à Bitch: « Le fait qu’ils ne diffuseraient pas [the full episode] aux États-Unis a clairement indiqué où la limite était tracée quant à ce dont nous étions autorisés à parler. »

Ce n’est qu’à la fin de 2006, lorsque The N a organisé un événement spécial « choix du casting » que le réseau a finalement diffusé « Accidents Will Happen ». Selon Brogren, « C’est l’un des épisodes les plus recherchés par les Américains parce qu’ils ont raté toute une partie de l’histoire – ils savent qu’elle existe, mais ils n’ont jamais pu la voir. » J’étais l’un de ces nombreux Américains qui le cherchaient. Je me souviens très bien d’avoir 13 ans et d’avoir parlé avec enthousiasme à mes amies de «l’épisode de l’avortement» lors d’une soirée pyjama après sa diffusion. À l’époque, nous ne comprenions pas pleinement la controverse entourant les représentations à l’écran de l’avortement – ​​nous voulions simplement savoir ce qui s’était passé entre Manny Santos (Cassie Steele) et Craig Manning (Jake Epstein). Et c’est la magie de Dégrassi. Contrairement aux drames pour adolescents plus audacieux tels que Une fille bavarde et Riverdale qui privilégient le drame au fond, Dégrassi éduque ses jeunes téléspectateurs sans passer pour un spécial après l’école. Sur le papier, l’idée d’une émission destinée aux adolescents présentant un numéro tournant de la semaine semble stéréotypée et moralisatrice, mais la série parvient en grande partie à équilibrer son message éducatif avec une dynamique de personnage et une narration convaincantes.

Cassie Steele dans le rôle de Manny Degrassi : la prochaine génération (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Degrassi/YouTube)

Dans « Accidents Will Happen », les téléspectateurs ont vu Manny, 14 ans, lutter contre une grossesse non désirée après sa première expérience sexuelle. Nous avons vu le jugement sévère qu’elle a reçu de ses camarades de classe, y compris sa meilleure amie, Emma Nelson (Miriam McDonald), qui est le résultat de la propre grossesse non planifiée de sa mère de Lycée Degrassi. Nous avons vu Craig, qui a fait face à la mort de sa mère et de son père physiquement violent, travailler à travers ses propres désirs d’avoir un bébé pour combler le vide familial. Mais plus important encore, le public a pu voir une adolescente exercer son choix d’avorter. Mais TNGL’épisode de l’avortement était révolutionnaire pour l’époque, il avait encore ses limites. En plus de la censure de l’épisode aux États-Unis, la série a été contrainte par les débats de moralité entourant l’avortement et la façon dont les médias ont encadré la procédure médicale courante au début des années 2000. Les sentiments de propriété de Craig sur le corps de Manny sont un conflit central dans l’épisode, reflétant la ligne délicate que même les représentations médiatiques les plus progressistes de l’avortement devaient naviguer à l’époque. Emma défend Manny à la fin de l’épisode, mais non sans lui rappeler à quel point elle trouve sa décision honteuse.

De nos commanditaires

Au milieu d’une confrontation houleuse, Craig dit à Emma que ce que fait Manny est « mal ». Emma dit : « Je suis d’accord avec toi, d’accord ? Si elle était juste une étrangère, je serais furieux avec elle, mais c’est mon amie, et c’est son choix. Même si Emma, ​​qui est bruyamment anti-choix, soutient à contrecœur son amie, la scène se termine toujours par Manny qui pleure seul dans un couloir d’école. Malgré les contraintes imposées à la narration liée à l’avortement en 2004, les téléspectateurs modernes devraient considérer les origines du récit de l’avortement dans Dégrassi. Dans le premier scénario d’avortement de l’histoire de la franchise, qui a été diffusé 15 ans avant « Accidents Will Happen », Erica, 16 ans, fait face à une stigmatisation encore plus grande. Semblable à Manny, Erica a honte de sa vie sexuelle (bien qu’elle soit relativement inexpérimentée) et reçoit des rappels répétés de sa famille et de ses pairs que l’avortement est moralement répréhensible. Lorsqu’elle envisage l’option d’interrompre sa grossesse, sa sœur jumelle, Heather (Maureen Deiseach), lui dit de ne plus le mentionner, déclarant : « C’est horrible de penser à tous ces bébés qui meurent chaque jour dans les centres de mise à mort. Lorsqu’Erica rend visite à son fournisseur d’avortement local, elle est harcelée par des manifestants anti-choix qui brandissent des pancartes avec des slogans tels que « Stop au massacre » et « Sauvez l’enfant à naître ». Une femme âgée brandit un modèle anatomiquement incorrect d’un fœtus et crie : « Pouvez-vous vraiment tuer votre de bébé? » Sa question résonne alors que d’autres manifestants entourent Erica jusqu’à ce qu’une infirmière de la clinique apparaisse et l’aide à franchir la porte.

Dans Haute Degrassi, la décision d’Erica de se faire avorter la hante longtemps après l’intervention. Dans l’épisode suivant, elle trouve un dépliant collé sur son casier qui dit « L’avortement est un meurtre ». Le mot « meurtrier » est également peint en rouge sur la porte de son casier, et alors qu’elle essaie frénétiquement de l’enlever, la peinture rouge tache ses mains et son visage. Finalement, Erica trouve et confronte la personne qui la harcèle. Les deux adolescents se livrent à une altercation physique, et lorsque les enseignants les séparent, l’agresseur crie : « Tu devrais avoir honte de toi, espèce de meurtrier dégoûtant ! Neuf mois plus tard, Heather commence à ressentir des symptômes de TSPT à cause de la culpabilité qu’elle ressent de ne pas avoir empêché l’avortement d’Erica. En tant que chrétienne pro-vie, Heather pense qu’elle est responsable du « meurtre d’une personne ». À l’opposé du spectre, dans le téléfilm de 1992 L’école est finie !, qui sert de finale à Haute Degrassi, un personnage qui programme une procédure d’avortement n’est plus jamais vu ou entendu.

Angela Deiseach d’Erica dans Haute Degrassi (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Degrassi/YouTube)

Heureusement, la dernière itération du spectacle, Degrassi : Classe suivante, ressemble à une réponse directe à la représentation datée de la santé reproductive de la série précédente. La suite de Netflix à TNG a fourni une mise à jour bien nécessaire du récit de l’avortement dans la saison 3 lorsque Lola Pacini (Amanda Arcuri), 16 ans, choisit de se faire avorter. Comme dans les incarnations précédentes, l’épisode de 2017 « #IRegretNothing » suit Lola dans la clinique, où une infirmière lui explique ce qui se passera pendant la procédure. Quand Lola demande : « Après… comment vais-je me sentir ? le phrasé est presque identique au dialogue entre Manny et un clinicien dans TNG. Cependant, selon Brogren, qui a été producteur sur Cours suivant, la différence majeure entre cet épisode et les épisodes passés est le fait que les téléspectateurs suivent Lola dans la pièce pendant la procédure. Nous voyons Lola dans une blouse médicale alors qu’un médecin injecte un liquide jaune dans son bras. Elle est nerveuse, mais le médecin la met à l’aise, en faisant une conversation facile et même en faisant plusieurs blagues.

Il explique chaque étape de la procédure en cours de route : il appliquera un médicament anesthésiant, examinera son utérus et utilisera enfin un aspirateur pour provoquer un avortement. « Chaque fois que vous faites un épisode d’avortement ou que vous le voyez à la télévision, cela se termine généralement par leur passage dans le [procedure room] porte et la porte se ferme[ing] », dit Brogren. « Donc, aller à l’intérieur et voir que ce n’est pas ce monde terrifiant où vous êtes attaché à une chaise ou quelque chose comme ça – et guider le public à travers les étapes de la procédure réelle – était ahurissant pour beaucoup de gens .  » Au-delà de la transparence de l’émission autour de la procédure, la différence la plus marquée entre la façon dont les histoires d’avortement sont racontées dans Degrassi : la prochaine génération et Cours suivant est le ton. Au lieu de peinture rouge symbolique sur les casiers ou de confrontations dramatiques entre camarades de classe, « #IRgretNothing » montre une jeune fille qui ne vacille pas dans sa décision, qui est soutenue de tout cœur par ses amis, et qui ne ressent jamais une once de culpabilité ou de honte. Au sujet du message de l’épisode, Brogren dit: « Je pense que, pour la plupart, c’est le plus grand saut – l’idée que ce n’est pas honteux. »

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par Rachel Charlene Lewis

12 mars 2021

Les jeunes savent que les irréductibles de l’accouchement forcé sont du mauvais côté de ce combat.

Olivia Rodrigo en couverture de AIGRE (Crédit photo : Geffen Records)

Lorsqu’une jeune femme atteint un niveau de réussite, elle est, au mieux, accueillie avec scepticisme ; au pire, il y a un déluge de critiques sévères de la part de détracteurs désireux de discréditer son travail acharné en se concentrant sur son apparence, ses relations ou ses défauts. La récente ascension d’Olivia Rodrigo vers la célébrité a pris une voie légèrement différente : en grimpant dans les charts du jour au lendemain au début de 2021, le premier single de la star de Disney adolescente, « permis de conduire », s’est cassé Le record de Spotify pour la chanson la plus écoutée en une seule semaine et a passé deux mois au n ° 1 sur le Panneau d’affichage Hot 100. Avant le succès retentissant du « permis de conduire », Rodrigo était surtout connue pour son rôle de Nini Salazar-Roberts dans Comédie musicale au lycée : La comédie musicale : la série. En avril, son suivi, « deja vu », s’est frayé un chemin dans nos voitures et sur nos lèvres. Maintenant, l’arrivée d’un temps plus chaud et la sortie récente du tube angoissant « good 4 u » et de son premier album AIGRE cimente le fait que Rodrigo ne va nulle part.

Certes, lorsque j’ai écouté la chanteuse philippine américaine pour la première fois en janvier, je me suis senti gêné : je ne pouvais pas comprendre l’honnêteté de ses paroles, sa décision consciente de pleurer publiquement une relation sachant très bien que d’autres écouteraient. Mon instinct de recul à l’aveu de Rodrigo qu’elle n’a pas oublié son ex-petit ami, l’objet du « permis de conduire », est une réponse savante à l’adolescence ; c’est un reflet de la façon dont la société traite les adolescentes et leurs émotions comme stupides, superflues et à ne pas prendre au sérieux. Trop d’entre nous comprennent encore l’enfance comme une phase à tolérer, plutôt que comme un bassin sans fond de richesse émotionnelle et de sagesse unique. Et l’examen minutieux des jeunes auteurs-compositeurs est particulièrement intense lorsque leur musique tourne autour des sujets inutilement sexués de l’amour et du chagrin. Taylor Swift, que Rodrigo cite comme l’une de ses plus grandes inspirations musicales et même crédite dans « 1 pas en avant, 3 pas en arrière », n’y est pas étranger. Également connue pour ses chansons autobiographiques et confessionnelles, Swift a passé toute sa carrière à nager contre un courant de critiques sexistes qui ciblait la reine de la pop pour ce qui rend son art irrésistible. Pendant plus d’une décennie, Swift s’est retrouvée dans un piège : plus elle révèle d’elle-même au monde, plus elle est scrutée par le grand public pour trop de partage.

Actuellement assis au sommet des charts de streaming dans le monde et marquant le plus gros premier album de 2021 à ce jour, Rodrigo’s AIGRE étoffe l’histoire d’un chagrin particulier, chaque piste nous guidant à travers ses insécurités relationnelles (« assez pour vous ») et ses regrets (« 1 pas en avant, 3 pas en arrière »), tout en servant une bonne dose de dépit (« traître »). Les auditeurs pourraient la plaindre si ce n’était du fait que nous aussi, nous avons probablement tous ressenti cela au moins une fois dans notre vie – la différence est que la plupart d’entre nous serions terrifiés à l’idée de le diffuser dans le monde entier. Dans « deja vu » comme dans « good 4 u », la rancune de Rodrigo contre son ex est pleinement affichée, qu’elle soit soutenue par un synthé scintillant ou une guitare électrique. Elle fait peu d’efforts pour envelopper ses mots dans les gentillesses douces attendues des adolescentes. En trouvant l’équilibre parfait entre lisibilité et spécificité, Rodrigo indique clairement qu’elle fera tout, même si cela implique de lâcher occasionnellement une bombe f, pour faire passer son message, que la sensibilité familiale de Disney soit damnée.

De nos commanditaires

Plutôt que de se moquer de ses émotions fortes et de sa perspective juvénile, les fans dévorent sa musique comme des bonbons. Surnommé le « nouveau Avril» sur Twitter et par SNL en tant que « superstar » nouveau-née, la musique de Rodrigo ressemble à une sorte de remède à nos agonies actuelles, ainsi qu’à nos blessures non guéries du passé. La gravité avec laquelle Rodrigo traite son chagrin se manifeste comme une sorte de justice, nous accordant la permission de soigner notre propre chagrin avec autant de soin et d’amour. Dans un interview avec un magazine de culture pop philippin Merveille Mag, la star de Disney explique que l’album est une exploration de « toute la tristesse, la colère, la jalousie et l’insécurité » qu’elle a vécues à 17 ans. Ce qui rend la musique de Rodrigo encore plus intrigante, c’est qu’elle n’essaie pas d’être ce qu’elle n’est pas. Les banalités auxquelles elle fait référence dans ses paroles – ne pas pouvoir boire légalement, réussir enfin son examen de conduite et les fantasmes par rapport à la réalité d’être une adolescente – renoncent à tout gadget pour la faire paraître plus mature ou plus âgée qu’elle ne l’est réellement.

Bien que cela risque d’aliéner les auditeurs potentiels, son honnêteté fait exactement le contraire : au lieu de cela, AIGRE nous permet de puiser dans la mentalité fataliste de la jeunesse, quand chaque petite chose ressemblait à la fin du monde. Mais nous sommes doux avec la dramaturgie de Rodrigo, peut-être dans une tentative d’être doux avec notre passé. Noyé de nostalgie, je ne peux m’empêcher de souhaiter avoir à nouveau 17 ans – pour être à nouveau assez jeune pour penser que je pourrais revendiquer la propriété d’une icône comme Billy Joel ou que n’importe quel amour peut être entièrement remplacé par un autre. En se concentrant sur des expériences qui ont été enfouies si profondément dans notre psyché d’adulte, mais pas si profondément qu’une rotation sur un jukebox n’enverra pas les hommes adultes dans une spirale émotionnelle au cours d’une partie de billard, comme le postule ce récent SNL sketch—Rodrigo défend l’importance de ce que nous considérions autrefois comme de simples rites de passage. Il y a une sagesse à la fois dans ces confessionnaux mélodiques et dans la façon dont elle en parle rétrospectivement lors des interviews; elle sait que ces sentiments, aussi, passeront, mais comprend que leur éphémère n’est pas une raison pour ne pas les ressentir dans leur intégralité, pour en construire une maison et ramper dans ses coins sûrs.

le le morcellement du capitalisme, la façade des médias sociaux et une culture de positivité toxique nous ont tous obligés à nous cacher de notre jeune moi, qui d’ailleurs reflète souvent notre vrai moi. Faisant allusion aux méfaits de la comparaison et exposant ses insécurités dans le morceau d’ouverture « brutal », Rodrigo chante l’impact psychologique de devoir être à la hauteur des attentes des autres, créant performance après performance juste pour s’adapter à un script. À bien des égards, la pratique de Rodrigo de s’asseoir attentivement avec ses émotions désordonnées – que ce soit sur le sol de sa salle de bain ou dans sa voiture – semble être une métaphore des dernières saisons de quarantaine. La façon dont la pandémie de COVID-19 a ralenti nos mondes a laissé des fissures dans notre armure sociale, exigeant que nous affrontions notre agitation intérieure d’une manière que nous n’avons jamais faite dans les rythmes quotidiens rapides de nos vies pré-pandémiques. La musique de Rodrigo, par conséquent, semble être un guide de terrain sur la façon dont chacun pourrait vraiment se reconnecter avec notre moi intérieur, ceux qui étaient auparavant noyés par tout le bruit extérieur.

Plutôt que de feindre d’aller bien – ou pire, de réprimer ses émotions dans l’oubli – Rodrigo fait quelque chose de beau de sa douleur. Dans son art réside une leçon : face à l’apparemment insurmontable, allez à l’intérieur. Lorsque vous sentez que vous avez touché le fond, creusez plus profondément. AIGRE se termine sur une note légèrement différente de celle du reste de l’album, avec « j’espère que tu vas » centré sur les histoires de deux des amis d’enfance de Rodrigo dont les premières vies ont été marquées par les abus et le sectarisme. Prenant du recul par rapport à son propre récit de perte, Rodrigo nous pousse vers une vérité dont beaucoup d’entre nous se détournent à mesure que nous vieillissons : les histoires de notre jeunesse comptent, et lorsque nous les nourrissons avec soin et intention, nous nous transformons en des versions plus complètes de nous-mêmes. Plutôt que de donner du pouvoir à tout ce qu’elle n’est pas, Rodrigo nous offre les morceaux dépareillés et tranchants de son amertume, de son chagrin et de ses douleurs de croissance au cas où ils seraient un baume pour nos propres parties cassées.

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par DeAsia Paige

29 avril 2021

Nous sommes tous encore à la recherche de confort et d’inspiration.

Jamal Jordan, auteur de Amour queer en couleur (Crédit photo : Elliott Jerome Brown Jr.)

Dans l’introduction du livre photo Amour queer en couleur, journaliste, photographe et rêveur radical Jamal Jordan pose la question suivante : dans un monde qui valorise avant tout le fait d’être blanc et hétéro, comment apprendre à s’aimer quand on n’est ni l’un ni l’autre ? Jordan a cherché à répondre à cette question alors qu’il parcourait le monde en interviewant et en photographiant plus de 150 couples homosexuels de couleur. Amour queer en couleur est envoûtant, vulnérable, douloureux et joyeux. Alors que le livre raconte l’amour romantique et le partenariat, il propose également histoire après histoire comment le chemin vers la recherche de l’amour que nous désirons des autres doit commencer par l’acte révolutionnaire d’apprendre à nous aimer nous-mêmes. J’avais rêvé de lire ce livre, rempli de photographies que j’avais imaginées avec amour, après avoir vécu dans un monde qui semble voir les communautés de couleur queer uniquement comme des lieux enracinés dans le traumatisme, le désespoir, la tristesse, l’inauthenticité, la violence et l’hypersexualité.

De cette façon, Amour queer en couleur et son créateur offrent un cadeau unique au monde, celui qui présente une nouvelle histoire avec de nouvelles définitions et de nouvelles possibilités. C’est un livre qui nous aide à changer les vieux paradigmes et à créer quelque chose de plus beau que nous n’aurions jamais pu imaginer. Chienne récemment parlé avec Jordan de l’identité queer, de la romance queer et de ce que signifie produire un livre dont les jeunes queer, en particulier, ont soif alors qu’ils recherchent la communauté et l’amour.

De nos commanditaires

Ce livre est tellement incroyable. J’en avais tellement besoin. Parlons de son histoire d’origine. Comment avez-vous imaginé ce projet ?

C’était tellement aléatoire et fortuit. J’ai commencé à travailler au New York Times en 2019, et j’ai beaucoup forcé mon entrée dans le bâtiment. J’étais là et j’étais comme, je suis ici. Qu’est-ce que je fais maintenant? Pendant les premiers mois, j’avais l’impression que je n’étais pas en forme; Je luttais avec beaucoup de syndrome de l’imposteur. Un jour, il y a eu une tempête de neige et j’étais chez moi. Il y avait un garçon qui m’intéressait vraiment et il était un putain de garçon total. J’étais assis à la maison à bouillir de tristesse toute la journée et j’avais besoin de comprendre comment faire face à ce que je ressentais. Tout au long de mes 20 ans, j’ai maintenu ce blog Tumblr d’images de personnes homosexuelles; c’était comme des images non standard de personnes queer. Ce jour-là, je me suis souvenu de cette page Tumblr parce que j’avais besoin de ces images pour me sentir mieux, et je ne pouvais tout simplement pas la trouver. C’est donc ce que j’ai pris dans le travail avec moi le lendemain, ce désir de voir ces images.

Au travail le lendemain, l’un des rédacteurs des projets spéciaux préparait cette collection d’histoires pour Pride. Je me suis souvenu de la dernière fois qu’ils ont créé un projet autour de Pride. Il manquait vraiment de représentation et présentait essentiellement un tas d’histoires sur des homosexuels blancs riches. L’éditeur m’a demandé si j’avais une histoire que je voulais partager et qui était liée à Pride, et j’ai répondu : « Oui, j’ai une histoire ! » J’ai pensé, j’ai besoin de trouver un amour possible pour moi-même et je vais le faire dans le New York Times. J’ai dit que j’allais faire le tour du monde et rencontrer des couples homosexuels de couleur. Je ne savais pas vraiment à quoi ça allait ressembler. Je viens de comprendre en chemin. J’ai écrit ce tout petit article, je l’ai publié et je n’y ai pas pensé. Il a résonné avec beaucoup de gens d’une manière à laquelle je ne m’attendais pas. J’ai mis mon petit cœur dans cette histoire, et les gens étaient comme, oui, je ressentais la même chose. Cela m’a fait savoir qu’il y avait quelque chose de plus à explorer. À partir de là, j’ai passé un très bon été de couples homosexuels qui m’ont envoyé des images d’eux-mêmes. Mon New York Times le courrier électronique était rempli de photos de couples homosexuels et c’était tellement agréable.

Après avoir publié cet article, j’ai ressenti une clarté de mission que je n’avais jamais ressentie auparavant, alors j’ai pris six mois de la Fois pour voyager. Je l’ai à peine fait parce que j’avais besoin de beaucoup de photos, mais je n’avais pas beaucoup de temps. Chaque fois que quelqu’un me félicite et dit : « Cela a dû être si difficile », je réponds que ce n’était vraiment pas le cas. Chaque couple dans ce livre était si accueillant, si génial et si gentil. Je me sentais tellement privilégié – je vais pleurer en parlant de ça – un, que je pouvais juste prendre un congé et faire ce travail, et deux, de faire partie d’une communauté mondiale de personnes de couleur queer.

Amour queer en couleur par Jamal Jordan (Crédit photo : Ten Speed ​​Press)

J’adore l’idée d’une communauté mondiale queer de couleur ! Le grand romancier Toni Morrison nous a appris que nous devons écrire les livres que nous voulons lire et, dans votre cas, créer les images que nous voulons voir. Mais comme je lis Amour queer en couleur, ça ressemblait plus à un livre dont j’avais besoin qu’un livre que je voulais. Quand nous sommes bombardés et enseignés des idées de qui mérite l’amour, cela n’inclut jamais des gens comme nous. Pourquoi le monde avait-il besoin de ce livre ?

Il y a quelques couples dont les histoires m’ont marqué. La chose commune que j’ai trouvée dans beaucoup de ces histoires est que tout le monde est sur ce voyage pour être comme, je mérite d’exister dans le monde. Vous et moi sommes tous les deux des personnes de couleur queer, nous comprenons ce que c’est, mais pour moi, c’était comprendre l’ampleur de cela et comprendre que c’est ce qui nous lie en tant que communauté. Nous avons tous traversé cela ensemble et c’est ce qui nous rend entiers. La chose importante que j’ai besoin que chaque personne homosexuelle sache, c’est que vous traversez cette chose mais que vous n’êtes pas seul. Et ce sera à nous de briser ce message et de reconstruire une nouvelle philosophie pour ce à quoi l’amour peut ressembler. J’ouvre avec une citation de Thomas, [one half of a couple] de Détroit. Il dit : « Il y a eu des moments où j’avais l’impression de ne même pas exister parce que je n’ai pas pu voir une version de moi-même.

Cette citation a fait couler les larmes pour moi !

Nous avions cette conversation en passant. Il l’a juste dit et a continué, mais ce moment m’a brisé. Il y a eu une autre conversation que j’ai adorée avec un couple : Asia et Arafat. Asia était cette fille queer très pétillante qui était sortie depuis l’âge de 10 ou 12 ans. Elle a une citation qui dit quelque chose comme : « Je suis sortie de l’utérus avec un drapeau arc-en-ciel. J’étais tellement fasciné par elle parce que, de toute sa vie, elle n’a jamais vraiment ressenti de mal à propos de son homosexualité. C’est la combinaison de l’homosexualité et de la noirceur qui a causé ses conflits, même dans sa famille noire où son homosexualité a été confirmée. Une grande partie de ce que je veux pour ma génération, c’est pouvoir dire : « Hé, petit Asia de 10 ans, hé, petit Thomas de 12 ans, nous sommes là, nous sommes visibles.

Pour un récent numéro de Chienne, on m’a demandé d’écrire un court texte de présentation sur un film ou émission télévisée qui s’impose pour moi comme un moment culturel important, et j’ai choisi d’écrire sur la mini-série de 1989 Les femmes de Brewster Place. C’était la première fois que je voyais un couple de lesbiennes noires à la télévision. C’était une image fictive, mais je la tenais si près de mon cœur. Pourquoi était-il si important non seulement de raconter les histoires nuancées et difficiles de ces couples, mais aussi de centrer la joie dans votre narration ?

Quelques raisons. J’ai volontairement choisi de ne pas inclure les couples des grandes villes américaines. Je savais que si j’avais un espace limité, je voulais m’assurer que si vous êtes un gamin de 13 ans quelque part en train de rêver de votre vie future, vous ne pensez pas que votre seule option pour trouver le bonheur soit d’aller à New York ou à Los Angèle. Nous savons déjà ce qu’il y a. Je voulais me concentrer sur ce que nous ne savons pas. L’accent mis sur la joie pour moi n’était pas intentionnel, mais ce n’était pas intentionnel. Ce n’était pas quelque chose qui s’est focalisé jusqu’à ce que le livre soit terminé. J’ai entendu beaucoup de trucs durs en interviewant ces gens, et tout le monde à la fin était comme, eh bien, nous sommes ensemble, nous avons réussi. Le voyage de personne ne s’est terminé par une tentative de suicide, une agression sexuelle ou quelque chose du genre. C’était comme si c’était arrivé, et j’ai persévéré.

Chaque couple que j’ai rencontré qui a parlé de choses difficiles était à un endroit où ils ont pu cadrer ces moments difficiles dans le contexte plus large de leur vie, et je voulais honorer ce cadre dans le livre. Une grande partie des écrits que j’ai lus sur les personnes homosexuelles de couleur s’articulent autour de toute cette merde de la communauté, de tout ce traumatisme. Il y a un médecin que j’ai consulté, le Dr Kali Cyrus, qui est un chercheur psychanalyste de premier plan à Johns Hopkins [focusing on] la psyché queer noire. Je lui ai dit : Dis-moi toutes les conneries déprimantes que je devrais écrire dans mon livre. Et elle m’a dit que les personnes homosexuelles de couleur sont, en général, plus résistantes. C’est comme un trait unique pour notre communauté. C’est vraiment le point de vue de la recherche dont j’avais besoin : pour le meilleur ou pour le pire, la résilience est la superpuissance de notre communauté. Je voulais le souligner dans le livre.

Cette conversation sur la résilience – l’idée de surmonter, en particulier pour les gens qui sont toujours coincés dans la boue – est si importante. Nous avons tous dû changer et nous battre dans l’obscurité et la boue de la navigation de nos identités, et il est important que les gens comprennent qu’il y a un autre côté. Il y a de l’espoir. La création de ce livre vous a-t-elle donné espoir ?

La création du livre m’a rappelé que la vie est vraiment longue. Cyrus se concentre beaucoup sur les jeunes adultes, comme les 12, 13, 14 ans, parce qu’ils sont à un point où ils sont les plus vieux qu’ils aient jamais été toute leur vie et ils croient que quoi qu’ils en pensent l’âge sera juste toute leur histoire. J’ai commencé ce livre à 28 ans. Je n’y connaissais rien. Une chose qui m’a donné de l’espoir, c’est de rencontrer beaucoup de gens qui grandissaient tellement, aussi bien dans la trentaine que dans l’adolescence, et cela m’a juste fait penser, eh bien, d’accord, c’est cool. De plus, je pensais tellement à moi quand j’étais adolescent. La façon dont j’ai fait en sorte que l’énormité de ce livre ne me stresse pas était de me rappeler que je faisais cela pour moi-même. Genre, personne d’autre ne peut l’acheter, Random House peut me poursuivre parce qu’il s’est si mal vendu, mais je sais que Jamal avait ça, et c’est tout ce dont j’avais besoin. Maintenant que j’ai eu un peu d’espace pour créer le livre, et maintenant que j’ai eu le temps de parler aux gens qui pourraient le lire, c’est agréable de voir le changement se produire, et c’est agréable de faire peut-être partie de ce changement.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

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par Jenna Mahale

2 juin 2021

La respectabilité ne nous sauvera pas.