Crédit photo : Instagram/itsaugust

Les personnes qui ont leurs règles dépensent environ 1 773 $ en tampons ou 4 752 $ en serviettes hygiéniques au cours de leur vie. Cela représente environ 15 000 produits jetables au cours d’une vie, dont la plupart resteront dans une décharge pendant les 500 à 800 prochaines années en attendant de se décomposer. Inutile de dire qu’il y a des coûts importants pour avoir une période, même si la période elle-même n’est pas un choix. Les dépenses d’abord. Vingt-deux États ont supprimé la taxe dite sur les tampons, qui exige que la taxe de vente soit payée sur les produits d’époque. La Californie n’a supprimé la taxe que temporairement tandis que les 21 autres États l’ont supprimée de façon permanente, mais cela laisse encore 28 États facturer aux gens des périodes pour les produits sanitaires nécessaires. En plus de cela, les personnes ayant leurs règles aux États-Unis ne savent toujours pas ce qu’elles mettent à côté ou dans leur corps, car seul New York exige que les ingrédients soient répertoriés.

Il est possible de rendre les produits d’époque gratuits. L’Écosse l’a fait l’année dernière avec sa législation révolutionnaire qui a déclaré que les lieux publics, les écoles et les universités devaient fournir gratuitement des produits jetables pour les règles. Depuis 2016, l’organisation américaine Period Equity travaille dur pour changer ces faits avec trois objectifs : pas de taxes, pas de frais et pas de toxines. En 2019, un projet de loi surnommé la Loi sur l’équité menstruelle pour tous a été présenté au Congrès et, bien qu’il n’ait pas encore été adopté, c’est un début. La pandémie mondiale actuelle a mis en lumière à quel point le coût des produits menstruels est injuste. Des programmes comme I Support the Girls ont augmenté leurs dons pendant la pandémie car ils ont vu une augmentation de 35% des demandes depuis mars 2020. De même, la loi CARES de mars 2020 a également désigné les produits menstruels comme frais médicaux lorsqu’ils ont permis aux produits de se qualifier pour acheter avec un revenu avant impôt, comme sur des comptes de dépenses flexibles.

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Tout cela est bien beau, mais les personnes qui ont leurs règles, moi y compris, ne peuvent pas arrêter d’avoir leurs règles en attendant que les entreprises et les gouvernements décident quoi faire. C’est une situation mensuelle, et cela nécessite des produits d’assainissement. C’est là que des entreprises telles qu’August, Knix, Saalt, Rael, The Eco Woman et bien d’autres entrent en jeu, et cette liste devrait s’allonger au cours de la prochaine décennie. Si vous allez à votre pharmacie ou à votre épicerie locale, une boîte de tampons Tampax coûte au moins 4 $ pour 36 tampons emballés individuellement avec des applicateurs en plastique. Les tampons en coton biologique, tels que la marque L., peuvent coûter environ 7 $ pour 30, et U by Kotex peut facturer le même montant car ils proposent des tampons compacts roses, violets et bleus destinés aux adolescents. En d’autres termes, ils facturent aux acheteurs la taxe rose pour de jolies couleurs. Quarante tampons coûtent également environ 7 $.

Pour économiser de l’argent, certaines personnes ont commencé à se tourner vers des produits réutilisables tels que des coupes menstruelles, des sous-vêtements menstruels et des serviettes réutilisables pouvant durer jusqu’à 10 ans. Par exemple, June a vendu ses coupes menstruelles pour 6 $ pendant la pandémie. Cependant, la plupart des produits réutilisables ont des coûts initiaux élevés avec une paire de sous-vêtements Knix coûtant 30-38 $ et un seul ecopad de The Eco Woman coûtant 12,97-17,97 $. Étant donné que les règles durent de trois à huit jours par mois, cela représente plus de 600 $ pour un approvisionnement mensuel de produits réutilisables, en supposant que vous ne réutilisez pas les produits pendant vos règles. Les coupes menstruelles sont moins chères et nécessitent d’acheter un seul produit. Des entreprises telles que Saalt et Diva Cup vendent leurs coupes menstruelles pour 29 $ et 39,99 $, respectivement. Étant donné la relation étroite avec la taille de votre col de l’utérus et le flux menstruel qui est nécessaire pour dimensionner une coupe menstruelle de manière appropriée, il n’est pas surprenant que les utilisatrices aient à essayer plusieurs coupes avant de trouver celle qui leur convient. Sans tenir compte de cette dépense et en supposant que les gens gardent les gobelets pendant les 10 ans qu’ils devraient durer, cela représente au moins 80 $ sur toute une vie.

Pour ceux qui peuvent se le permettre, l’impact environnemental en vaut la peine, mais qu’en est-il de ceux qui ne le peuvent pas ? Qu’en est-il des personnes qui n’ont pas un accès constant à de l’eau courante propre, ce qui fait des produits jetables l’option la plus hygiénique ? Entre autres entreprises, August et Raël tentent de répondre à ces questions. August est une entreprise par abonnement avec des options de livraison tous les mois ou tous les trois mois pour réduire les déchets, car moins de colis signifie moins d’emballages. Ils vous donnent également la possibilité de faire un achat unique. August fournit aux utilisateurs des protège-slips jetables, des serviettes de différentes tailles et des tampons d’absorption variable. Rael est un service d’abonnement mensuel ainsi qu’une société d’achat unique. Ils vendent des produits menstruels jetables et réutilisables ainsi que des produits de soins de la peau et des patchs chauffants.

Les deux sont de petites entreprises qui tentent d’être transparentes dans leurs matériaux, leur argent et leurs produits. Rael appartient à trois femmes originaires de Corée du Sud, et elles utilisent la technologie sud-coréenne pour créer leurs produits. Les deux entreprises veulent établir une culture, un mouvement ou un mode de vie, comme elles l’appellent, autour de périodes qui incluent l’éducation et la redonner aux communautés. Rael est même associé à I Support the Girls susmentionné, et August s’associe à l’organisation à but non lucratif No More Secrets, Mind Body Spirit Inc. Cela dit, ce sont toujours des entreprises et leur objectif est de vendre des produits. Et ils les vendent : August facture 11 $ pour 16 tampons ordinaires, ce qui est un peu plus que Raël qui facture 7 $ pour 16 tampons ordinaires, avec la possibilité de s’abonner et d’économiser 10 %. Ces coûts continueront de s’additionner tout au long de la vie d’un acheteur, mais avec une contribution moindre à la mise en décharge.

Le plastique a été introduit sur les produits d’époque dans les années 70 pour emballer individuellement les produits à des fins sanitaires tout en les rendant plus silencieux et donc plus discrets lors de leur déballage, notamment dans les lieux publics. Cependant, l’emballage en plastique et l’applicateur en plastique sont ensuite jetés dans des décharges. Raël et August reconnaissent leur impact environnemental en tant qu’entreprises qui vendent des produits jetables. August prétend être une entreprise neutre en carbone avec des emballages recyclés, des serviettes et des tampons biodégradables et, une fois rincés, des applicateurs de tampons recyclables. Les deux sociétés utilisent du coton biologique dans leurs serviettes et tampons. Bien que la production de coton paie aussi un prix élevé. Il faut environ 1 500 litres ou 396 gallons d’eau pour produire 18 tampons, mais August utilise 91 % moins d’eau que la moyenne dans sa production de coton, réduisant ainsi son impact environnemental.

Raël considère également leur investissement dans le plastique. Ils donnent aux utilisateurs la possibilité d’acheter des applicateurs de tampons en plastique, à base de plantes ou en carton sans BPA sans variation de prix. Les produits biodégradables, comme les deux dernières options, sont meilleurs pour les utilisateurs car il y a moins de produits chimiques comme l’eau de Javel et les parfums fabriqués qui pourraient provoquer une inflammation, des réactions allergiques et éventuellement un cancer. La réduction du plastique réduit également votre empreinte carbone, car la production de plastique utilise des combustibles fossiles et libère du CO2 dans l’atmosphère. Conclusion : ça reste cher. Peu importe à quelle entreprise vous achetez vos produits ou au nombre de produits que vous achetez chaque mois. Le coût à vie d’avoir ses règles est un montant inutile étant donné que les gens ne peuvent pas choisir d’avoir leurs règles. Les États-Unis ne verront probablement pas de produits de période gratuite l’année prochaine ou même les prochaines années, et si nous le faisons, nous ne pouvons pas être sûrs que nos gouvernements ne signeront pas de contrats avec de grandes entreprises comme Tampax qui utilisent du plastique.

Nous n’avons pas seulement besoin de nous débarrasser de la taxe sur les tampons. Nous n’avons pas seulement besoin de produits biodégradables et recyclables. Nous n’avons pas seulement besoin de produits gratuits pour les règles. Nous avons besoin des trois. Jusque-là, cependant, le pouvoir d’achat des personnes ayant des règles est énorme – rappelez-vous: jusqu’à 4 000 $ au cours de votre vie – il est donc important de placer votre argent aux bons endroits. Cela comprend les dons à des refuges pour femmes, des refuges pour sans-abri, des écoles et des organisations à but non lucratif qui distribuent des produits de règles à ceux qui en ont besoin. Utilisez votre pouvoir d’achat pour investir dans des produits qui sont meilleurs pour nous tous.

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par Sloane Jett

1 juillet 2021

Lorsque nous considérons l’autonomie corporelle des personnes marginalisées, nous devons nous demander comment nous percevons qui est autorisé à fonder une famille en toute sécurité.

Aisha Dee comme Kat Edison, à gauche, Meghann Fahy comme Sutton Brady, et Katie Stevens comme Jane Sloan dans Le type audacieux (Crédit photo : Jonathan Wenk/Avec l’aimable autorisation de Freeform)

Après cinq saisons sur Freeform, Le type audacieux a pris fin. Comme toutes les bonnes finales, Le type audacieux« Je m’attends à ce que vous ayez des aventures » conclut la plupart des arcs des personnages, essayant de mettre un arc soigné sur la série qui a fait revenir les téléspectateurs à Safford. Malgré les arcs de personnages qui avaient la star Aisha Dee, qui joue Kat Edison, appelant à des changements et affectant la finale de la saison 4 24 heures avant sa diffusion, les fans ont trouvé du réconfort dans le drame exagéré au cours de ses cinq ans. Au début de la série en 2017, Jane Sloan (Katie Stevens) venait d’être promue d’assistante à scénariste à Écarlate, un magazine de mode et de beauté fictif qui cherche à faire évoluer sa marque vers un féminisme inclusif. Kat était la directrice des médias sociaux et Sutton Brady (Meghann Fahy) se sentait coincée dans son propre poste d’assistante où elle venait principalement d’aller chercher du jus vert pour son patron et Écarlate rédactrice en chef, Lauren Park (Emily Chang).

Quand le Le type audacieux finale – qui a également vu des changements de dernière minute dans le script – s’ouvre, la réalisatrice Aprill Winney utilise des images reconnaissables pour rappeler aux téléspectateurs les Jane, Kat et Sutton d’il y a cinq ans, y compris des dynamiques que les fans de la série reconnaîtront immédiatement : Richard (Samuel Page) et Sutton, Adena (Nikohl Boosheri) et Kat, Jane et sa liste d’objectifs, y compris prendre ses seins à un rendez-vous et devenir rédactrice en chef de Écarlate. Les showrunners nous rappellent également à quel point ces femmes ont grandi depuis 2017. Au lieu de crier Kat, « Qu’est-ce que tu vas faire pour aider, Sutton? » au beau milieu de la station de métro comme elle l’a fait dans le tout premier épisode, les personnages se retrouvent dans la rue devant leur appartement sur le chemin du travail et se régalent sereinement des aventures de la nuit. Le dernier épisode comprend un rappel du cri par excellence du premier épisode, mais il contient des émotions complexes alors qu’il tente de conclure cinq ans de voyages de personnages.

Comme on pouvait s’y attendre, le dernier épisode de la série bien-aimée était tout simplement fantastique et, bien sûr, un peu ringard. Richard choisit une relation avec Sutton plutôt que son désir d’avoir des enfants parce qu’il l’aime tellement. Kat, qui a déjà été licenciée de Écarlate et failli virer plusieurs fois au club des femmes, La Belle, est brutalement réintégré à Écarlate comme son nouveau chef. L’histoire de Jane est un peu plus crédible – vouloir voyager et vivre la vie que la mort prématurée de sa mère ne pouvait pas se permettre – mais la mode des trois femmes reste difficile à croire compte tenu du petit budget qu’elles doivent avoir en tant que vingt ans à New York. Malgré une saison 4 raccourcie en raison de la pandémie, Le type audacieux est resté une évasion, renonçant aux masques à l’écran que d’autres émissions optent souvent pour. Au lieu de cela, les personnages de Le type audacieux a continué à assister à des retraites d’entreprise tout compris et à s’habiller avec des vêtements plus adaptés pour une fête chic que pour le travail. Et, comme l’évasion dont nous avions tous besoin, nos trois personnages principaux retournent tous à Écarlate, où Sutton demande : « Ne pouvons-nous plus jamais séparer le groupe ? En fin de compte, l’émission tente de réunir les femmes dont la vie professionnelle s’est développée, au cours de cinq ans, ensemble et séparément.

Mis à part la mode et les intrigues, les démonstrations ouvertes d’émotion sont ce qui fait ce final pour moi. Jane pleure dans le bureau de verre de Jacqueline (Melora Hardin) lorsqu’elle dit à son patron qu’elle ne veut pas reprendre le poste de rédactrice en chef qui sera bientôt libéré. Refusant l’offre d’emploi pour remplacer Jacqueline après sa retraite, Jane lui dit une vérité difficile : elle veut être écrivain. « Me hais-tu? » demande-t-elle, ce qui est pertinent pour le public. Malgré l’embarras de Jane de ne pas vouloir faire un si grand changement de carrière et de se sentir comme si elle avait échoué avec son patron, Jacqueline la rassure qu’elle ne l’a certainement pas fait. Au lieu de cela, Jacqueline choisit Kat comme remplaçante. Kat, qui est enfin prête à s’engager et à assumer le rôle, pleure également sur l’offre phénoménale. C’est pourquoi Jacqueline reste le parfait mentor ; même lorsque son mariage échoue et qu’elle n’arrive pas à prendre soin d’elle-même, elle parvient à prendre soin de nos personnages principaux. Des moments comme ceux-ci donnent à Kat le courage de dire à Adena à quel point elle l’aime et de s’engager enfin dans la relation encore et encore qui a été établie lors de la première de la série.

Sutton a aussi une belle histoire. Pendant toute la durée de Le type audacieux, les téléspectateurs ont vu Sutton se réconcilier avec sa mère alcoolique, ainsi que ses tentatives pour trouver son avenir. Elle a travaillé extrêmement dur pour devenir créatrice de mode et a enfin la chance de coiffer Jacqueline. Après que Richard et Sutton se soient séparés à la fin de la saison 4 lorsqu’elle lui dit qu’elle ne veut pas d’enfants, Sutton doit se relever une fois de plus. Dans le dernier épisode, elle écrit à Richard une lettre de recommandation élogieuse pour une agence d’adoption bien qu’elle soit toujours amoureuse de lui. Richard dit à Sutton qu’il ne voudrait pas passer sa vie avec quelqu’un d’autre, des enfants ou pas d’enfants. Malgré la magie à l’écran de Le type audacieux, la dernière saison n’est pas sans défauts. Un, c’était trop court. Les histoires d’Alex (Matt Ward) et de Scott (Mat Vairo) se sont terminées brusquement avec leur départ de Écarlate, et les deux derniers épisodes se sont sentis extrêmement précipités. Deuxièmement, la décision de ramener l’intérêt amoureux d’origine de chaque protagoniste – comme si la vraie vie était pleine de relations de retrouvailles – était choquante et incroyable. Même Ryan (Dan Jeannotte) apparaît inutilement dans l’épisode final pendant une brève minute ! J’aime une bonne romance d’attente, et je suis heureux que Kat ait finalement compris qu’Adena était sa personne, mais Richard abandonne beaucoup pour être avec Sutton. Pour que cette décision d’intrigue fonctionne, il fallait consacrer plus de temps à reconstruire leur relation.

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Les problèmes de la dernière saison ne sont pas non plus exclusifs à la vie amoureuse des protagonistes. Je veux que Sutton ait aussi la carrière qu’elle veut. Jacqueline dit à Sutton : « Il est temps que vous reconnaissiez à quel point vous êtes formidable. Malheureusement, les sages conseils d’une femme sage font à peine allusion au véritable potentiel de Sutton en tant que créatrice de mode, même si elle ne quitte jamais Écarlate. Et je crois Jacqueline quand elle dit l’avenir de Écarlate est quelqu’un comme Kat, mais la transition de Jane refusant le poste de rédactrice en chef à Jacqueline offrant le travail à Kat s’est produite en une seule scène. Une scène et soudain, Kat prend le contrôle d’une énorme entreprise de médias ! Mis à part la narration précipitée, la beauté du spectacle réside dans son extravagance. Et en 2021, Le type audacieux il ne s’agit pas de voler des tongs en dentelle noire dans le placard de la mode ou des fêtes d’entreprise grandioses ou même des partenaires romantiques. C’est toutes ces choses, bien sûr, mais les aspects plus légers de la série ne l’empêchent pas de couvrir de vrais sujets. Sutton doit faire face à son passé, que ce soit financièrement, avec sa mère ou avec sa dépendance à l’alcool. Cela n’empêche pas Kat d’être licenciée pour ses croyances ou d’avoir des problèmes de rencontres pour la même raison. Cela n’empêche pas Jane de subir une double mastectomie ou d’essayer de se connecter avec sa mère décédée. Le type audacieux est une émission sur le parcours d’une vingtaine d’années et d’une trentaine d’années avec des expériences à la fois derrière vous et devant vous.

Le type audacieux est une évasion ambitieuse avec de vraies émotions, de vrais messages et de vrais personnages. La série nous a montré qu’il n’y a pas d’attente pour que le changement vienne à nous – nous devons nous trouver, et nous devons être notre propre changement. Jane, Kat et Sutton ont tous donné leurs filets de sécurité pour apporter des changements dans leur vie. En partant Écarlate, Jacqueline a déclaré que l’avenir était arrivé pour l’entreprise, mais aussi pour le monde au sens large. Elle a laissé le magazine aux jeunes générations. Le type audacieux est un spectacle de bien-être. Il ne s’agit pas de la vraie vie, mais c’est est réel. Les femmes de Le type audacieux ont changé, bien sûr, mais ils partagent toujours des similitudes fondamentales avec leurs personnages d’il y a cinq ans. Ils doivent prendre des décisions difficiles, et la seule chose qui les différencie du public qui les regarde à la maison est qu’aucun chapitre de leur vie n’est jamais vraiment fermé pour les scénaristes de la série. Malgré le budget vestimentaire scandaleux et leur vie irrationnellement rapide et super réussie, les femmes de Le type audacieux sont de vraies femmes, et suivre Kat, Sutton et Jane depuis 2017 a été le point culminant de la télévision ambitieuse.

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par Addissyn House

6 juillet 2021

L’accessibilité des produits d’époque et l’éco-justice peuvent aller de pair.

Le club des baby-sitters par Ann M. Martin (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Netflix)

L’histoire d’amour de nombreux écrivains avec les livres a commencé pendant l’enfance. Pas moi. Pendant que mes camarades de classe de deuxième année parcouraient les livres de chapitres, j’ai eu du mal à prononcer les mots à une syllabe dans les livres d’images que j’ai empruntés à la bibliothèque. C’était un secret que j’ai caché pendant la première année en mémorisant les histoires que mon professeur lisait à haute voix. Mais à l’âge de 8 ans, mon secret était dévoilé : un neuropsychologue en kaki m’a diagnostiqué une multitude de troubles d’apprentissage, notamment un trouble du traitement du langage. Dans ma petite école rurale, j’ai été rapidement retiré de mes classes régulières et placé sur une voie de rattrapage. Nos classes séparées avaient lieu dans une petite pièce faiblement éclairée près de la cafétéria, et j’ai blâmé les livres pour mon bannissement.

Comme pour la plupart des choses qui me faisaient peur, j’ai feint de mépriser la chose elle-même. « Les livres sont ennuyeux », ai-je dit à tous ceux qui voudraient m’écouter – une décision risquée étant donné que je viens d’une famille de lecteurs. Chaque soir, ma mère feuilletait des thrillers pendant des rediffusions de le Jeunes et agités bourdonnait en arrière-plan. Le rituel de week-end préféré de ma sœur était d’aller et venir de la bibliothèque avec la fenêtre baissée, une pile de livres de poche sur ses genoux. Lors des visites à la bibliothèque, je me suis amusé à espionner les adolescents qui se rassemblaient sur la pelouse pour se promener dans des sacs à main. Leurs potins me ravissaient : des professeurs grossiers à l’haleine de café, des parents harcelants, des premiers baisers. Pour me faire moins remarquer, je me suis assis dans l’herbe avec un livre devant mon visage. Ces accessoires ont souvent été volés dans la réserve de livres du Baby-Sitters Club de ma sœur par Ann M. Martin.

Grâce à l’obsession de ma sœur pour la série BSC, je n’ai pas eu besoin de lire les livres moi-même pour les apprécier. Pendant les après-midi d’été lents, ma sœur me les lisait à haute voix ou résumait leurs intrigues en détail, ajoutant son propre commentaire et éditant les fins pour s’amuser ou me surprendre. Avec le temps, nous avons tous les deux commencé à créer des aventures pour nos personnages bien-aimés. Alors que ma sœur adorait Mary Anne timide et studieuse, j’ai craqué pour Claudia, l’artiste de la malbouffe qui était aussi mauvaise en maths que moi. À la fin de l’été, ma sœur avait terminé la série, mais quand je lui ai posé des questions sur les baby-sitters, elle a dit qu’elles faisaient des « trucs pour enfants ». Si je voulais savoir ce qui était arrivé à Claudia, je devais lire les livres moi-même. Comme je l’ai vite découvert, la lecture était une autre forme d’écoute.

Alors que certains enfants lisent pour trouver des versions fictives d’eux-mêmes, je lis pour me perdre. Je voulais tout savoir sur les autres. J’ai espionné une phrase à la fois. Cet automne-là, j’ai lentement développé mes compétences linguistiques. Mon thérapeute m’a suggéré d’écrire des histoires pour apprendre la grammaire. Ma première tentative : Le nouveau monde de Claudia. Pendant les séances de thérapie, je parlais dans un microphone noir et regardais mes mots apparaître sur l’écran de l’ordinateur. Au fur et à mesure que les phrases s’empilaient, je me sentais changer. Ce que je ne savais pas à l’époque, c’est que ma mauvaise première ébauche n’était qu’un point lumineux dans une constellation d’art en expansion inspirée de la série BSC. Quand j’étais au lit et que j’imaginais de nouvelles scènes pour Le nouveau monde de Claudia, je puisais dans une communauté plus large de personnes qui comprenaient que la partie la plus agréable de la lecture est les histoires que nous nous racontons après avoir fermé le livre.

« Les histoires qui vous intéressent le plus [is] les choses qui se passent dans votre propre tête et dont Ann M. Martin n’écrit jamais », écrit Kristen Arnett dans l’essai d’ouverture de Nous sommes le club des baby-sitters : essais et illustrations de lecteurs adultes, une anthologie de 24 pièces thématiquement liées consacrées à la série emblématique YA des années 1980. Édité par Marisa Crawford et Megan Milks, la collection est un hommage lucide à la fois aux baby-sitters et à une ère de présélection où la lecture de livres façonnait encore activement notre expérience du monde. De nombreux essais décrivent non seulement le plaisir de lire des livres BSC, mais aussi le plaisir de se les procurer. Myriam Gurba détaille comment elle « est entrée dans le canapé à la recherche d’un changement à l’abandon » pour l’emmener à la librairie du centre commercial. Sue Ding décrit également les « présentoirs de dessins animés colorés » et « les marchandises scintillantes et les étagères interminables de livres de poche sur papier glacé » à la Scholastic Book Fair où elle a acheté son premier livre BSC. Bien que Ding ne sache pas ce qui l’a motivée à acheter le livre n°2 à la foire, elle est ravie de rencontrer une nouvelle amie, Claudia Kishi, dans quelques pages seulement.

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Pour Ding, la complexité de Claudia en tant que personnage naviguant dans la banlieue en grande partie blanche de Stoneybrook était « révolutionnaire », car Claudia « était l’un des seuls personnages américains d’origine asiatique dans les médias populaires » à l’époque. À l’âge adulte, Ding a découvert qu’elle faisait déjà partie de « toute une communauté de femmes américaines d’origine asiatique qui avaient grandi avec Claudia ». Cette « génération Claudia » produit désormais ses propres histoires sur papier et sur podcast. L’essai de Ding articule vivement un thème majeur de la collection : la représentation compte. « Les images et les récits que nous voyons dans les médias populaires aident à définir ce que nous pensons être possible pour nous-mêmes », écrit Ding. La représentation nous donne un aperçu de qui nous sommes, mais peut-être plus important encore, qui nous voulons et ne voulons pas être. Dans cette optique, plusieurs morceaux de l’anthologie nous rappellent que l’identité n’est pas figée. La nature glissante de l’identité dans l’univers BSC est probablement la raison pour laquelle de nombreux lecteurs se voient reflétés dans plusieurs personnages à la fois. Crawford décrit ce phénomène dans son essai bien nommé, «Je veux être une Claudia mais je sais que je suis une Stacey.» Alors que Claudia déborde de créativité et de confiance, Stacey est une adepte des règles dans l’âme. Les problèmes vécus par Stacey dans les livres (comme le divorce de ses parents) ont peut-être aidé Crawford à faire face aux changements dans sa propre vie, mais Claudia l’a aidée à rêver.

Nous sommes le club des baby-sitters : essais et illustrations de lecteurs adultes édité par Marisa Crawford et Megan Milk (Crédit photo : Chicago Review Press)

Gurba se voit de la même manière reflétée dans deux personnages BSC particuliers : bien qu’elle s’identifie à la personnalité de prise en charge de Kristy, elle trouve Claudia « magnétique ». Elle voit en Claudia son « auto Chicana réfléchie ». En tant que seule fille de couleur de la série jusqu’à ce que Jessi rejoigne le groupe dans le livre #14, Claudia était le point d’appui de Gurba dans WASP-y Stoneybrook. Jessi, le premier personnage noir du BSC, a marqué une étape importante à la fois pour la série et pour l’édition grand public de YA. Comme l’écrit Gabrielle Moss, « Le fait que BSC ait été la première grande série YA à… examiner le classisme, le racisme et les problèmes de santé chroniques… est devenu un élément clé de [its] héritage. » Dans « Jessi on the Margins: Black Characters Then and Now », Chanté Griffin explique comment l’introduction de Jessi dans la série et ses propres descriptions d’elle-même sont « manifestement centrées sur sa race ». Les expériences de Jessi sont rarement intégrées à sa race et sa culture. Griffin écrit : « Nous aurions pu voir Jessi endurer une séance de tressage marathon avec sa mère en préparation de ses cours de natation synchronisée. Mais nous ne l’avons pas fait.

L’essai de Griffin est emblématique d’un fil conducteur dans la collection : alors que la série était en avance sur son temps compte tenu du manque de diversité dans l’édition YA, elle reflétait aussi douloureusement cette même époque. De nombreuses pièces de Nous sommes le club des baby-sitters tournent autour de ces deux pôles d’amour et de critique, nous montrant que la nostalgie n’a pas besoin d’être rose. Au lieu de cela, le livre d’essais pose les questions essentielles : Pourquoi aimons-nous ce que nous faisons ? Comment notre amour nous a-t-il fait défaut ? Comment pouvons-nous satisfaire notre désir de plus des choses que nous adorons ? L’amour a inspiré beaucoup d’entre nous à lire chaque livre de la série BSC. L’insatisfaction nous a poussés à créer nos propres histoires au-delà des livres. Pour paraphraser Logan Hughes, voici ce que font les fans : nous écrivons les épilogues que nous voulons voir. Pour certains, ce processus de réécriture peut entraîner l’interrogation de certains personnages. Pour les créateurs de la série télévisée Netflix du même nom, cela signifie diversifier la distribution tout en créant des scénarios plus adaptés à la culture qui permettent aux personnages de couleur et aux personnages aux identités marginalisées d’être les protagonistes de leurs propres histoires. Nous sommes le club des baby-sitters nous montre que nos amours, comme nos identités, sont toujours ouverts à la réévaluation, à la révision et au changement radical.

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par Sarah Rosenthal

30 juin 2021

La plupart des médias privilégient encore l’image d’égalité plutôt que de faire le vrai travail qu’exigerait une véritable égalité.

Photo de Lavande Rose Mucciolo

Cet article a été publié dans Plastique
Numéro 91 | Été 2021
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Amina Mucciolo est toujours la partie la plus vibrante de n’importe quelle pièce dans laquelle elle entre pour de nombreuses raisons : son sourire éclatant, son amour de l’éclat et le large éventail de couleurs qu’elle incorpore toujours dans chaque tenue et maquillage. Sur la page d’accueil de son site Web bien intitulé – un arc-en-ciel dans votre nuage – l’artiste visuelle, créatrice de contenu et designer porte un col roulé multicolore, un fard à paupières rose étincelant et des tresses jusqu’à la taille de toutes les nuances imaginables alors qu’elle virevolte en riant , et l’air si insouciant qu’il est impossible de ne pas sourire à ses côtés. La femme de 38 ans s’est fait un nom grâce aux couleurs audacieuses qu’elle utilise dans sa décoration d’intérieur, sa mode et ses nombreux tutoriels de maquillage et de coiffure, des choses qui ont nourri une communauté croissante de fans attirés par son énergie positive et son insistance sur être elle-même sans vergogne.

Au cours de la dernière décennie, la prolifération d’influenceurs sur des plateformes telles qu’Instagram et YouTube, célèbres pour leur « esthétique » et leur palette de couleurs soigneusement sélectionnées, a conduit à un « look » unanime. L’attrait de Mucciolo ne vient pas de la façon dont elle a défendu ces normes, mais de la façon dont elle s’en est détachée : plutôt que d’enfiler les tons pastel et terre typiques sur lesquels s’appuient de nombreux Instagrammers populaires, les plateformes de Mucciolo sont recouvertes de bleus profonds, de verts néon et plus de quelques arcs-en-ciel. Au lieu de suivre les tendances, Mucciolo choisit avec intention chaque teinte et chaque design qu’elle porte. « Tout commence par la couleur et ce que la couleur me fait ressentir », dit Mucciolo. « Il ne s’agit pas vraiment d’une émotion spécifique comme la joie ou la tristesse ; généralement, il s’agit de : « Cela me fait me sentir bien. Cela me donne l’impression de pouvoir me déplacer dans le monde. » Par exemple, Mucciolo arbore des cheveux d’un bleu saisissant dans un look récent, un choix qu’elle a fait en raison de son amour pour l’océan. « Cela m’a fait me sentir bien », se souvient Mucciolo. « Cela m’a fait me sentir moi-même. »

Mucciolo, c’est beaucoup de choses – une YouTubeuse, une Instagrammeuse, une designer, une artiste – mais à travers tout cela, elle est restée fidèle à elle-même. Mucciolo a gagné en popularité en ligne pour la première fois il y a près de dix ans, lorsqu’elle a créé Studio Mucci, un studio de design multimédia créatif qui aide les gens à redécorer et à incorporer de la couleur dans leur espace. Studio Mucci vend également des décorations d’intérieur vibrantes avec des slogans motivants tels que « N’abandonnez pas, faites une pause à la place » et « Pensez à moi quand vous vous sentez seul parce que je me sens probablement seul aussi. » Plus récemment, cependant, elle est devenue célèbre sur Internet, rassemblant plus de 300 000 abonnés sur Instagram grâce à ses tutoriels de coiffure et de maquillage complexes, ses idées de décoration d’intérieur uniques et sa capacité à encourager ses abonnés à trouver les couleurs et les styles qui les rendent les plus heureux. La chaîne YouTube de Mucciolo, Tasselfairy, regorge de vidéos sur la coiffure et le maquillage, mais c’est aussi un espace où elle s’ouvre sur sa vie personnelle : elle parle à la caméra de tout, de la confiance et de la santé mentale à la mode grande taille et au handicap.

Photo de Lavande Rose Mucciolo

Bien qu’une grande partie de cette nouvelle attention ait été positive, une partie a été plus nocive. Ces dernières années, Mucciolo a été impliquée dans des batailles juridiques avec deux sociétés qui auraient utilisé ses créations de décoration et de maquillage sans sa permission : en juin 2020, MGA Entertainment, la société de jouets responsable des poupées Bratz et LOL Surprise !, a commencé à vendre une poupée qui lui ressemble. De même, la société de design Lisa Frank a apparemment arraché l’agencement de l’appartement de Mucciolo après l’avoir vu sur Instagram. Après que Mucciolo a publiquement appelé les deux sociétés, le PDG de MGA a tweeté que Mucciolo est une « honte pour les Noirs » et Lisa Frank l’a qualifiée de « personne opportuniste » en faisant de « fausses accusations selon lesquelles nous lui avons volé des œuvres d’art et des dessins ». (Ni Lisa Frank ni MGA n’ont répondu à une demande de commentaire.) Bien qu’il ait été difficile pour Mucciolo de critiquer ces entreprises, elle dit que ce vol poursuit la tradition malheureuse d’Internet qui vole les idées des créatifs noirs sans les dédommager : en janvier 2021, l’écrivain et la blogueuse de mode Chidera Eggerue a publiquement accusé Florence Given, une auteure blanche, d’avoir plagié une grande partie de son travail dans son récent livre, Women Don’t Owe You Pretty, et a exigé que Given lui paie des réparations. Une grande marque aurait orchestré le lancement d’Etsy par la designer Jasmine Elder en 2020 après avoir volé ses créations. « Honnêtement, il est parfois plus dangereux d’appeler ces choses que de les voir vous arriver, alors je fais toujours très attention à cela », dit Mucciolo. «Je pense que les gens supposent que je ne vais pas me défendre parce que ma plate-forme est entièrement axée sur la positivité. Mais le silence est leur façon de gagner.

Malgré ces expériences, Mucciolo n’a jamais regretté d’avoir utilisé Internet pour partager son art, car cela lui permet de se connecter avec les fans et de développer son style et son sens de soi. «Je me suis découverte en travaillant avec ces plateformes», dit-elle. « Ce sera toujours un net positif pour moi. » En tant que femme noire, queer et autiste, Mucciolo avait auparavant du mal à trouver une communauté en ligne. «Je me suis toujours senti comme un autre à l’intérieur d’un autre à l’intérieur d’un autre», dit Mucciolo. « Je me suis toujours senti bizarre et je n’ai pas compris même quand je sentais que je devrais être juste à cause de la façon dont je m’exprime. » Mais publier des tutoriels sur la coiffure et le maquillage l’a aidée à créer une communauté en ligne qui l’accepte telle qu’elle est. « Je ne me suis jamais vue ou quoi que ce soit auquel je puisse vraiment m’identifier jusqu’à ce que je commence à partager », dit-elle. « Quand j’ai commencé à partager mes différentes coiffures colorées, j’ai trouvé toute cette communauté de personnes qui voulaient s’exprimer de la même manière. »

Mucciolo est non seulement devenu un influenceur, mais a également permis aux gens de s’embrasser. « Si vous essayez d’atteindre un endroit où votre style est plus authentique, commencez par quelque chose qui vous fait vous sentir tellement comme vous ou qui vous enthousiasme », lui a conseillé Mucciolo, vêtue d’un blazer multicolore et de tresses arc-en-ciel. téléspectateurs dans une vidéo YouTube de janvier 2019. « Et je te jure, tu te verras juste épanouir avec le temps. » S’exprimer de manière authentique est d’une importance particulière ces derniers temps, car l’une des résolutions de Mucciolo en 2021 est de « ne pas masquer ». Le « masquage », également connu sous le nom de « camouflage », est un phénomène dans lequel les personnes autistes, en particulier les femmes autistes, imitent les habitudes et le langage corporel des personnes non autistes. Pour beaucoup de personnes du spectre qui ont du mal à lire les indices sociaux ou à établir un contact visuel direct, le masquage leur permet de s’engager dans une activité sociale sans être à la merci du jugement des capacitistes. Bien que ces techniques puissent être efficaces, elles sont également épuisantes pour de nombreuses personnes autistes qui souhaitent simplement s’engager avec les autres d’une manière qui leur semble naturelle.

Le masquage a longtemps été une tactique de survie pour Mucciolo, qui a découvert qu’elle était autiste à l’âge de 35 ans. « Pendant très longtemps, j’étais toujours angoissée dans toute conversation par ce que je ne comprends pas », dit-elle. « Vivre dans ce monde où il y a toutes ces attentes pour que vous établissiez un contact visuel lorsque vous parlez aux gens, ou riez à la blague lorsque la ligne de frappe arrive, ou même sachez ce qu’est la ligne de frappe, il faut vraiment un sonner. Le masquage, c’est comme être un acteur et vous êtes dans le personnage. Imaginez être dans le personnage tout le temps, vous seriez vraiment foiré. De nombreuses routines de coiffure et de maquillage font partie intégrante du refus de Mucciolo de se masquer : elle peut se peindre le visage ou se teindre les cheveux, mais ces couleurs aident à rehausser qui elle est, lui donnant le courage de montrer au monde sa vraie personnalité. « Mon objectif est juste d’essayer d’être dans l’instant et de ne pas m’inquiéter si je ne connais pas les réponses ou si j’ai l’air stupide, parce que franchement, je m’en fous », dit-elle. « J’ai trop survécu pour me soucier de quelque chose comme ça. N’avons-nous pas tous?

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par Kovie Biakolo

14 août 2020

« Black is King » fonctionne parce qu’il est honnête : un film d’espoir et d’appartenance.

Riley Keough comme Stefani et Taylour Paige comme Zola dans le film d’A24 Zola (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de A24)

En 2015, Aziah « Zola » Wells, originaire de Détroit, a secoué Twitter avec une photo de deux femmes et la phrase d’ouverture « Vous voulez tous entendre une histoire sur la raison pour laquelle moi et cette garce nous nous sommes disputés ? C’est un peu long mais plein de suspense. L’histoire s’est terminée, 147 tweets plus tard, avec ce qui semblait être tout Internet sous le choc. La version courte de l’histoire est que Zola rencontre une femme alors qu’elle travaille et accepte de faire un voyage en Floride avec la promesse de gagner de l’argent rapidement dans les clubs de strip-tease de Tampa; la version plus longue que Zola a dévoilée sur Twitter contenait des détails, des dialogues et des rebondissements – y compris la drogue et le meurtre – qui ont pris vie dans des révélations terrifiantes et terrifiantes. En tant que rappeur Missy Elliott a tweeté à l’époque, « J’ai fini par lire l’intégralité [thread] comme si je regardais un film sur Twitter. Et elle n’était pas la seule : parmi les centaines ou milliers d’utilisateurs qui étaient scotchés à leurs écrans se trouvait la cinéaste Janicza Bravo. Et le film résultant que Bravo a réalisé et coécrit (avec le dramaturge Jeremy O. Harris) n’est pas seulement le premier long métrage à sortir sur Twitter, mais un récit édifiant convaincant sur la précarité, la race et les efforts que les gens vont parcourir pour de l’argent rapide .

Dès le moment où nous rencontrons Zola (Taylour Paige), nous savons qu’elle est forte et extrêmement spirituelle. Comme de nombreux milléniaux, Zola a du mal à joindre les deux bouts, et une opportunité de gagner de l’argent le week-end est séduisante. L’intrigue qui se déroule dans laquelle elle apprend que Stefani (Riley Keough), alias « cette garce blanche chez Hooters » est de mèche avec un proxénète / seigneur de la drogue en fait une comédie pointue avec beaucoup de plaisanteries. Bravo et Harris utilisent les tweets originaux de Zola à certains endroits, à la fois comme narration et comme dialogue direct, mais ajoutent de la profondeur et du développement du personnage pour faire avancer l’intrigue. Bravo ne voulait pas simplement reconstituer un fil Twitter avec des visuels; elle voulait ajouter de la saveur à chacun des personnages tout en racontant une histoire stimulante sur la réalité de la lutte des jeunes femmes noires qui veulent posséder leur corps. (« Quand j’ai appris l’histoire pour la première fois, j’étais obsédé par le fait de la raconter parce que l’histoire était si crue », a déclaré Bravo Écuyer après la première du film au Festival du film de Sundance 2020.)

L’extravagance du film est ce qui en fait une telle balade. Bravo et Harris ont noté que Zola elle-même a embelli certains détails dans le fil Twitter; ils apparaissent dans le film parce qu’ils se sentent fidèles à l’histoire globale et à son ton – et aident à faire valoir que les médias sociaux nous permettent de créer nos propres récits personnels en temps réel, pour le meilleur ou pour le pire. Et les personnages de Stefani et de son petit ami triste, Derek (les successions Nicholas Braun), servent également à rappeler que qui raconte une histoire qui compte. Les détails que Stefani ne révèle pas à Zola avant qu’ils ne prennent la route, ainsi que le fait que la jalousie croissante de Derek fait dérailler leurs plans, mettent Zola en danger. Cela parle de ce que la critique de cinéma Valerie Complex avait à dire sur le film et comment, bien qu’en surface, le film soit divertissant, il parle toujours des luttes des femmes noires.

« Les femmes noires vivent dans un monde différent », déclare Complex en parlant de leurs réflexions sur le film. « Les femmes noires doivent toujours se bousculer tandis que les femmes blanches peuvent voir la » cohue « et parfois le danger qui l’accompagne comme amusant. » Complex a poursuivi en disant que le sens le plus profond du film est que nous n’écoutons souvent pas le cœur lorsque notre esprit veut ce qu’il veut. « Zola savait ne pas y aller, mais [she] n’a pas écouté son instinct », dit Complex, notant que Stefani expose sciemment son nouvel ami à des blessures potentiellement mortelles en la culpabilisant de rester alors que les choses tournent horriblement mal, et que Zola est un film qui rappelle aux Noirs que même dans les moments où les Blancs peuvent avoir de bonnes intentions, nous devons toujours nous rappeler de remettre en question leurs intentions. Alors que beaucoup ont remis en question le message global du film, une chose est claire comme le jour : la blancheur est omniprésente, ennuyeuse et extrêmement dangereuse. « Stefani est un personnage qui vient de mon agacement en tant que femme noire », a déclaré Bravo après la première du film à Sundance en expliquant pourquoi elle a travaillé si dur pour obtenir les droits de faire le film. « Si vous avez lu le script, vous verrez qu’il est visuellement puissant… Tout est là. Mais, alors que d’autres le voient simplement comme un fil Twitter viral, je le vois comme un film sur une femme noire traitant son traumatisme », a déclaré Bravo plus tard. Indiewire.

Pour Bravo, Zola intensifie une conversation plus large sur la façon dont les médias mangent les voix et les expériences traumatisantes des femmes noires, mais les laisse invariablement en dehors de leurs propres histoires. Nous avons vu cela se produire maintes et maintes fois, en particulier dans le mouvement #MeToo lorsque Tarana Burke n’a pas été créditée pour ses expériences et son travail qui ont permis d’élever la voix d’autres femmes noires. Encore plus, à quel point les femmes noires sont-elles plus à risque d’être victimes de la traite sexuelle. « Je ne voulais pas que l’histoire se perde », a déclaré Bravo à Sundance 2020 après avoir expliqué pourquoi elle était si passionnée par la réalisation de ce film. « Je ne voulais pas que l’idée de ce fil soit jetée car elle a une valeur profonde pour nous, et j’ai su, dès l’instant où je l’ai lu, j’ai senti que je devais protéger le récit. »

Alors que beaucoup se sont demandé ce que pouvait être ce récit du fil et du film, il est clair qu’il s’agit d’une ode aux véritables combats auxquels les jeunes femmes noires sont confrontées dans notre monde et à la façon dont elles sont souvent imitées par leurs homologues blanches (comme renforcé dans le affiche du film). C’est un exposé sur la façon dont les Blancs performent Blackness et comment les Blancs changent rapidement de code quand la merde devient réel. Dans l’ensemble, ce film est un rappel brutal que vous ne pouvez pas raconter d’histoires sur les femmes noires sans les créatrices de femmes noires au centre de ladite histoire. Alors que beaucoup pourraient voir ce film comme un « film de fil Twitter » viral, Bravo indique clairement que les femmes noires ont quelque chose à dire et qu’il est temps qu’Hollywood leur donne l’espace au-delà de 280 caractères pour le dire.

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par Yasmine Ameli

29 juin 2021

Elissa Washuta démontre le pouvoir inhérent de la narration.

Oeuvre de MacKenzie Schroeder (Crédit photo : Photo 12/Alamy Stock Photo)

Cet article a été publié dans Plastique
Numéro 91 | Été 2021
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« Vous travaillez un an pour elle, et vous pouvez obtenir un emploi dans n’importe quel magazine » est un refrain courant que l’on dit aux journalistes débutants, en particulier ceux des communautés marginalisées. C’est une phrase qu’Emily Charlton (Emily Blunt) dit sarcastiquement à Andy Sachs (Anne Hathaway) dans Le diable s’habille en Prada, un film de 2006 basé sur le roman du même nom de Lauren Weisberger en 2003. Quinze ans après sa sortie, la culture du film sur le lieu de travail continue de résonner, nous rappelant que l’industrie des médias continue de s’attaquer et de maltraiter ses travailleurs. Le diable s’habille en Prada suit Andy, un jeune journaliste qui décroche un poste de deuxième assistant Piste la rédactrice en chef emblématique du magazine, Miranda Priestly (Meryl Streep), un personnage qui aurait été inspiré par Anna Wintour, Voguerédacteur en chef de et directeur du contenu mondial de Condé Nast.

Andy sait que ce travail n’est pas idéal, mais c’est la première étape de sa carrière. En tant que collègue d’Andy, Emily lui rappelle constamment : « Un million de filles tueraient pour ton travail. » Andy se rend compte qu’elle est confrontée à ce que de nombreux travailleurs des médias débutants sont confrontés : une multitude d’autres candidats à l’emploi suffisamment désespérés pour accepter de mauvaises conditions de travail afin de mettre le pied dans la porte. Compte tenu de cette réalité, Andy sait qu’elle a peu de sécurité d’emploi. Lorsque vous pouvez être remplacé en un clin d’œil, comment pouvez-vous vraiment améliorer votre lieu de travail pour les employés vulnérables qui vous succéderont ? Le diable s’habille en PradaLe vernis de la haute couture semble moins impressionnant et ambitieux en 2021 qu’en 2006, mais il est important de se souvenir de l’époque à laquelle il est sorti : à l’époque, des magazines tels que Piste et les gens qui les dirigeaient ont déterminé l’avenir de la haute couture, et ils ont rendu leur monde exclusif et inaccessible. Travailler dans leurs rangs n’était pas un rêve réaliste pour la plupart des gens ordinaires ; c’était un objectif impossible qui a poussé Andy à faire des pas de géant pour prouver qu’elle appartenait à l’orbite de Miranda.

Andy développe un personnage fabriqué pour survivre aux pitreries cruelles de son patron. Les actions dramatiques de Miranda, comme jeter son manteau et son sac à main sur le bureau d’Andy tous les jours, étaient peut-être autrefois charmantes, mais nous voyons maintenant son comportement pour ce qu’il est : une tentative d’écraser les jeunes femmes qui lui rendent compte. Bien que Miranda ait probablement développé cet extérieur d’acier pour avancer dans un monde sexiste, elle l’a également utilisé contre les femmes qui l’admiraient, créant un lieu de travail incroyablement dur – par exemple, humiliant régulièrement Piste rédacteurs en chef lors des réunions éditoriales, ce qui a fait en sorte que personne ne soit jamais assez près pour la chasser de son piédestal. C’est un rappel qu’avoir presque toutes les femmes collègues et patrons n’équivaut pas nécessairement à une utopie féministe. Prenez, par exemple, le soi-disant calcul racial des médias au cours de l’été 2020 : des publications allant de Raffinerie29 et Homme Répulsif à Vogue ont été accusés de laisser prospérer des lieux de travail toxiques et de discriminer les employés de couleur. Bon Appétit, une autre publication de Condé Nast, a perdu la majorité de ses Cuisine d’essai des stars après celles de couleur ont accusé l’entreprise de les exploiter et de refuser de leur verser un salaire équivalent à celui de leurs homologues blancs. le Bon Appétit les retombées ont amené le public à un examen plus approfondi des autres publications de Condé Nast, ce qui a conduit à des rumeurs selon lesquelles Wintour, autrefois une idole intouchable, pourrait être forcée de quitter son rôle. Elle a finalement admis Vogue n’avait pas été le meilleur lieu de travail pour les personnes de couleur et a déclaré son intention de faire mieux.

Alors que le monde de l’édition de magazines s’est engagé à devenir plus inclusif, la façade brillante de l’industrie reste stable. Au lieu d’aider à créer une industrie matériellement meilleure, les éditeurs de magazines ont simplement développé des moyens plus insidieux pour cacher les comportements abusifs. La création de ce nouvel environnement de travail doit inclure le bannissement de l’idée de « payer des cotisations », qui permet aux abus sur le lieu de travail de prospérer sans conséquence. Cette idée conditionne les travailleurs comme Andy, ainsi que les jeunes de couleur, à accepter les mauvais traitements dans leur quête pour gravir les échelons de l’entreprise. Et, comme Andy l’apprendra bientôt, le simple fait de payer vos cotisations ne garantit pas que votre travail est sûr. Andy finit par démissionner Piste, mais cela ne la rend pas courageuse ou le prototype des femmes qui s’efforcent de changer les médias de l’intérieur. Andy ne démissionne pas en signe de protestation, ce qui permet seulement à une autre jeune femme de prendre sa place et de subir les mêmes abus. Ce cycle se poursuit également hors écran : la plupart des médias privilégient toujours l’image de l’égalité plutôt que de faire le vrai travail qu’exigerait une véritable égalité. Mais Le diable s’habille en Prada Il s’agit d’ambition ambitieuse, il s’agit également de la façon dont la valorisation des apparences au-dessus du changement social crée un système où rien ne change, personne ne gagne et tout le monde est remplaçable.

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par Yasmine Ameli

29 juin 2021

Elissa Washuta démontre le pouvoir inhérent de la narration.

Le mannequin Stella Maxwell porte Victoria’s Secret Dream Angels Demi et une culotte, un corset, une dentelle et des ailes assortis avec des cristaux Swarovski sur le podium du défilé Victoria’s Secret 2014 (Crédit photo : Tristan Fewings/Getty Images pour Swarovski)

Victoria’s Secret a décidé d’accrocher ses ailes d’ange pour poursuivre un nouveau look « réveillé » brillant. Mais y a-t-il de réels engagements sous ce visage plein de maquillage? Ce mois-ci, le détaillant de lingerie a annoncé une vaste refonte de la marque, dans le but de se rendre plus attrayante pour la génération Z. Oui, vous avez bien lu. La marque qui représentait les normes de beauté incroyablement toxiques des années 2000 dans lesquelles il était souhaitable d’être si mince que l’on pouvait voir les os de quelqu’un veut maintenant devenir « le principal défenseur des femmes au monde ». Parlez d’un changement de 180 degrés. Dans le cadre de ce relooking, Victoria’s Secret se débarrasse de ses anges et les remplace par le collectif VS, un nouvel ensemble de femmes qui « partagent une passion commune pour conduire un changement positif ».

Certaines de ces femmes incluent la militante et footballeuse Megan Rapinoe, la journaliste Amanda de Cadenet, l’actrice Priyanka Chopra, la skieuse professionnelle Eileen Gu et les mannequins Paloma Elsesser, Adut Akech et Valentina Sampaio. Au lieu de défiler sur le podium, ces femmes « créeront de nouveaux programmes d’associés, des collections de produits révolutionnaires, un contenu convaincant et inspirant, et rallieront le soutien à des causes vitales pour les femmes », dans le but de nous aider toutes à oublier que la marque Victoria’s Secret a été fondée sur l’hypersexualisation du corps des femmes et la glorification des troubles alimentaires.

Bien que ces femmes devraient être célébrées pour le travail qu’elles font pour défendre les droits des femmes, elles ont réussi tout cela sans Victoria’s Secret. La marque de lingerie n’utilise leurs visages que pour nettoyer son nom et sauver ses ventes. Au cours des dernières années, Victoria’s Secret a été entachée par une série de scandales. Le premier d’entre eux a éclaté en 2019, lorsqu’il a été révélé que le fondateur et PDG de la marque, Leslie Wexner, avait des liens étroits avec le trafiquant sexuel condamné Jeffrey Epstein ; Epstein avait géré les finances de Wexner et d’autres aspects de l’entreprise pendant près de 20 ans. Un an plus tard, un New York Times Une enquête qui comprenait des entretiens avec plus de 30 cadres, employés, entrepreneurs et mannequins actuels et anciens a révélé la «culture enracinée de misogynie, d’intimidation et de harcèlement» de Victoria’s Secret. Peu de temps après, les ventes de l’entreprise ont pris un coup. Victoria’s Secret continue d’être l’une des plus grandes marques de lingerie au monde, générant 6,81 milliards de dollars en 2019, mais les bénéfices de l’entreprise diminuent lentement.

Entre 2016 et 2018, la part de marché de Victoria Secret aux États-Unis est passée de 33 à 24 %. Rien qu’en 2019, le stock de la marque a plongé de 40 %, forçant l’entreprise à fermer 53 magasins et à relancer sa ligne de maillots de bain. Le directeur marketing de Victoria’s Secret, Ed Razek, et sa vice-présidente exécutive, April Holy, ont tous deux démissionné la même année, et le célèbre défilé de mode annuel de la marque a été annulé. En fait, Wexner était prêt à vendre la société à la société de capital-investissement Sycamore Partners pour 525 millions de dollars, mais l’accord a été annulé lorsque la pandémie de COVID-19 a frappé. La transformation de Victoria’s Secret devrait être célébrée, mais la marque a complètement rejeté le changement pendant des années avant le recul de ses ventes. En 2018, Razek, alors directeur marketing de la société mère de Victoria’s Secret, L Brands, a été contraint de s’excuser après avoir dit Vogue qu’il ne voulait pas de modèles transgenres dans le défilé de la marque car cela gâcherait le « fantasme ». Dans la même interview, il a avoué n’avoir aucun intérêt à représenter une gamme plus large de tailles dans son image de marque. « Nous commercialisons à qui nous vendons, et nous ne commercialisons pas dans le monde entier », a-t-il déclaré. Victoria’s Secret n’avait aucune intention de changer, jusqu’à ce que le changement devienne le seul moyen de survivre.

Au cours de la dernière année, Victoria’s Secret a pris des mesures positives pour montrer son engagement envers cette nouvelle image en tant que « défenseur des femmes ». Wexner a été remplacé en tant que PDG de la société, et le conseil d’administration de la société a accueilli quatre autres femmes. À la grande déception de Razek, les campagnes de Victoria’s Secret présentent désormais des mannequins grande taille et transgenres. Tout cela fait d’excellentes relations publiques, mais il reste encore beaucoup de travail à faire. Malgré l’accent mis sur l’inclusivité dans son marketing, Victoria’s Secret n’a pas encore élargi sa gamme de tailles incroyablement limitée. En février 2020, l’entreprise a utilisé des modèles grande taille pour promouvoir ses nouvelles tailles plus grandes. Le problème? Ses produits ne vont que jusqu’à une taille 12, malgré le fait que 16 soit la taille moyenne des femmes aux États-Unis. Apparemment, de vraies femmes peuvent figurer dans les publicités de Victoria’s Secret, mais elles ne peuvent pas acheter ses soutiens-gorge. Avant de dépenser des millions pour embaucher des célébrités pour parler d’aider les femmes dans le monde entier, peut-être que Victoria’s Secret aurait dû investir dans la fabrication d’un produit qui corresponde réellement à ces femmes. Même alors, je ne sais pas si la marque sera en mesure de réparer tous les dégâts qu’elle a causés.

De nos commanditaires

Le défilé Victoria’s Secret a été diffusé pour la première fois en 2001. J’avais 3 ans à l’époque, et pendant 20 ans, ma génération a grandi en croyant en un idéal de beauté qui était directement influencé par les Anges de Victoria’s Secret et d’autres femmes dans leur mouler. Grazia, les Independent, Vogue, Elle, les Courrier quotidien, et de nombreux autres magazines ont tous publié des conseils sur la façon de ressembler à un modèle de Victoria’s Secret. Ils ont rempli des pages et des pages de routines d’entraînement et de régimes recommandés par les anges. En fin de compte, le secret pour ressembler à un ange était d’arrêter de manger. «Tous mes amis qui faisaient ce spectacle se mouraient de faim; ils ne mangeaient pas et faisaient de l’exercice quatre à cinq heures par jour », a déclaré la mannequin australienne Robyn Lawley au Australie quotidienne en 2018, la même année où Bridget Malcolm, mannequin de Victoria’s Secret, a parlé des terribles effets du régime alimentaire recommandé par l’entreprise sur sa santé physique et mentale.

Près d’une décennie plus tôt, Adriana Lima, le modèle le plus ancien de la marque, avait déclaré au Télégraphe qu’elle avait l’habitude d’arrêter de manger des aliments solides pendant les neuf jours précédant un spectacle. « Je suis arrivé à un point où une nuit je suis rentré d’une séance d’entraînement et je me souviens avoir regardé ma nourriture et pensé que je devrais peut-être ne pas manger », a déclaré l’ancien ange Erin Heatherton en 2016. « J’ai réalisé que je ne pouvais pas sortir dans le monde – faire défiler mon corps et moi-même devant toutes ces femmes qui m’admirent – et leur dire que c’est facile et simple et que tout le monde peut le faire. Il n’est donc pas surprenant que de nombreuses femmes de moins de 30 ans que je connais aient une relation malsaine avec la nourriture et ne soient pas sûres de leur corps. Nous essayions tous d’imiter un idéal de beauté qui n’était pas réaliste. Même les femmes qu’on nous a dit d’admirer craquaient sous la pression. Bien sûr, Victoria’s Secret n’a pas créé cet idéal de beauté seul, mais il en a sûrement profité.

L’époque de la taille zéro est révolue et la marque change son message, mais ce dont nous avons besoin de Victoria’s Secret est bien plus important : la responsabilité. Pendant deux décennies, l’entreprise a complètement ignoré les effets terribles que les régimes qu’ils ont promus ont eu sur ses modèles et son public. Les dirigeants de Victoria’s Secret savaient qu’ils faisaient du mal aux femmes, et ils s’en fichaient. Sommes-nous juste censés pardonner et oublier ? En 2020, une marque de lingerie ayant une image de marque et des tailles inclusives n’est pas révolutionnaire ni même décemment excitante ; c’est le strict minimum. Et Victoria’s Secret ne l’atteint même pas. En revanche, de nouvelles marques telles que Savage x Fenty de Rihanna et Aerie d’American Eagles créent des produits de lingerie qui ciblent le confort des femmes plutôt que le plaisir des hommes, sans avoir l’habitude d’autoriser les abus. Désolé, Victoria’s Secret, mais à mon avis, peu importe vos efforts, votre temps est révolu.

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par DeAsia Paige

28 juin 2021

Si vous recherchez un booster de confiance, ces nouvelles versions ne vous décevront pas.

Casey McQuiston, auteur de Un dernier arrêt (Crédit photo : Sylvie Rosokoff)

L’histoire queer est de nombreuses fois, de nombreux endroits, de nombreuses personnes.

Je n’ai jamais pris de cours consacré à l’histoire queer. Au lieu de cela, j’ai appris l’histoire queer (ou, plus précisément, les histoires) lentement et au hasard – un processus que j’ai réalisé, après avoir mené une enquête très officieuse sur Twitter, semble assez courant. J’ai appris l’histoire queer à partir de films qui ne représentaient pas très bien l’homosexualité ; des conversations avec mes tantes lesbiennes ; à partir de romans, de critiques et d’essais ; de projets d’histoire orale; et, éventuellement, à partir d’articles et de livres consacrés spécifiquement au sujet.

J’ai appris que les identités queer ont toujours existé partout dans le monde. Dans l’Ouganda précolonial, par exemple, les personnes assignées à la naissance comme étant des hommes qui s’habillaient et se comportaient comme des femmes étaient traitées comme telles et pouvaient épouser des hommes. Abu Nuwas, un poète bagdadien du VIIIe siècle, a écrit sur les désirs homosexuels. La mythologie hindoue et les textes anciens non seulement ne condamnent pas l’homosexualité, mais incluent des personnages clés que nous pourrions considérer comme des lesbiennes, des gays, des bisexuels ou des trans. La Mishna juive, compilée au IIe siècle de notre ère, comprend des références à six genres. Le chevalier d’Éon était un diplomate, un soldat et un espion fluide dans l’Europe du XVIIIe siècle. Pendant ce temps, les activistes et artistes queer d’aujourd’hui aux États-Unis et dans le monde s’appuient sur leur propre histoire et s’efforcent de promouvoir les droits LGBTQ en tant que droits humains.

Un endroit où je ne m’attendais pas à trouver l’histoire queer était dans les pages d’un roman romantique récemment publié, mais j’aurais peut-être dû. Aborder l’histoire sous un angle, la laisser être amusante et inventive ainsi qu’éclairer, quoi de plus étrange ? Pourtant, quand j’ai commencé à lire Un dernier arrêt par Casey McQuiston, j’étais à la fois sceptique et conscient de moi-même. Contrairement à environ 95 pour cent des personnes queer que je connais, je n’avais pas lu Rouge, blanc et bleu royal, Le premier best-seller de McQuiston en 2019. Mais j’ai reconnu Un dernier arrêt‘s le décor – la jeune utopie queer de Brooklyn qui prospère sous un gâchis agité de capitalisme, d’embourgeoisement et de rêves artistiques en pointillés – de mon temps à vivre là-bas. Le livre s’ouvre alors que son protagoniste nouvellement transplanté, August, est interviewé en tant que colocataire potentiel par Niko, tatoué et médium, qui demande à la toucher afin d’avoir une idée de son ambiance. Il approuve rapidement et August fait partie d’une famille typiquement queer de Brooklyn qui comprend, en plus de Niko, sa petite amie Myla, ingénieur électricien et sculpteur en quelque sorte; et Wes, un tatoueur principalement nocturne. August est blanc et bisexuel, Niko est Latinx et trans, Myla est noire et adoptée et queer, et Wes est blanc, gay et juif.

Ils vivent en face d’un vrai comptable qui est aussi une drag queen locale populaire. August obtient un emploi dans l’idéal platonicien d’un restaurant new-yorkais : ouvert 24h/24 et 7j/7, mal nommé (Pancake Billy’s House of Pancakes), géré par un immigré d’Europe de l’Est bourru et abritant un personnel diversifié et des stands de vinyle collant. Tout dans cette configuration est si exactement ce que Brooklyn semble promettre aux jeunes que j’ai lu les 50 premières pages du roman en me sentant tour à tour les yeux humides et amer – pourquoi n’ai-je pas je vivre cette expérience à New York ? Ou l’ai-je fait, et ce n’était pas si cool de l’intérieur ? Je me suis même retrouvé à appeler ma meilleure amie et ancienne colocataire pour me plaindre de la perfection de tout, de la facilité avec laquelle August a réussi à tomber dans un groupe d’amis queer accueillants qui avaient juste une place pour elle dans leur maison et dans leur cœur. . Je reconnais l’ironie ici. Un dernier arrêtLa description de la quatrième de couverture commence ainsi : « Pour August, une cynique de vingt-trois ans, déménager à New York est censé lui donner raison : que des choses comme la magie et les histoires d’amour cinématographiques n’existent pas, et la le seul moyen intelligent de traverser la vie est de rester seul.

Je ne traverse certainement pas la vie seule, mais je suis farouchement indépendante et j’avais clairement abordé ce roman avec autant de cynisme qu’August approchait de New York. Dans mes meilleurs jours, cependant, je sais que la magie Est-ce que existent, tout comme les histoires d’amour cinématographiques – qu’est-ce que la narration, en fin de compte, sinon une sorte de magie? Et quoi de plus cinématographique que de tomber amoureux d’un livre, comme je l’ai fait avec Un dernier arrêt? Un jour, je me plaignais de la facilité avec laquelle August a trouvé sa famille étrange, et le lendemain, j’utilisais chaque minute disponible pour dévorer le roman, restant éveillé trop tard pour terminer une scène de plus, puis une autre jusqu’à ce que finalement, un matin, je Je n’aurais pas dû passer au lit à lire, mais je l’ai fait, je pleurais des larmes douces-amères sur les derniers chapitres du livre.

Un dernier arrêt par Casey McQuiston (Crédit photo : St. Martin’s Griffin)

Mon changement d’attitude a suivi celui d’août. Au début, elle ne reconnaît pas ses colocataires pour la bénédiction qu’ils sont, et reste fermée et incertaine à propos de New York. Mais ensuite, elle rencontre Jane Su, une lesbienne butch punk sino-américaine, tous les angles et veste en cuir et confiance suave et sourires narquois sexy. Après une rencontre mignonne dans le train Q, August et Jane commencent à se voir tous les jours. Les principaux arcs du livre qui se déroulent à partir de là incluent August et Jane tombant amoureux l’un de l’autre (#slowburn), et August et ses colocataires trouvent un moyen d’empêcher le restaurant de perdre son bail et de fermer définitivement. Et bien que la tournure clé de l’histoire ne soit pas une surprise (elle est mentionnée au dos de la couverture), elle n’en est pas moins puissante : August ne voit Jane dans le métro que parce que Jane ne peut pas partir le métro. Jane n’est pas tout à fait un fantôme, mais elle n’existe pas non plus pleinement dans la réalité actuelle d’août : voyageant accidentellement dans le temps, elle s’est retrouvée coincée dans le train Q en 1977, lorsque la ville de New York a subi une panne d’électricité de 25 heures. Jane a peu de souvenirs de sa vie au-dessus du sol, mais avec le temps et l’attention d’August (y compris les séances de maquillage qui aident à rappeler à Jane les amants passés), elle commence à se rappeler de plus en plus : son vrai nom, Biyu ; le restaurant de ses parents à San Francisco et leur appartement au dessus ; les origines du surnom de Jane qu’elle a choisi de passer ; quitter la maison parce qu’elle ne voulait pas reprendre le restaurant ; les villes, de Des Moines à Philadelphie en passant par la Nouvelle-Orléans, où elle faisait de l’auto-stop ; les protestations contre la guerre du Vietnam ; les lesbiennes qu’elle rencontrait dans les bars ; ceux qu’elle aimait « comme l’été : lumineux et chaud et éphémère, jamais trop profond parce qu’elle serait bientôt partie. »

Une fois les vannes de la mémoire ouvertes, Jane devient à la fois une personne singulière et unique et un artefact incarné de l’histoire queer. En tant qu’aînée queer d’August – et, par extension, de nombreux lecteurs – elle est capable d’aborder le nouveau monde avec autant de dignité qu’elle a fait face aux difficultés de son époque. « Il y avait des gens dans la scène punk et dans la foule anti-guerre qui détestaient les gays, et des gens dans la foule lesbienne qui détestaient les Asiatiques », a déclaré Jane à August. « Certaines filles voulaient que je porte une robe comme si cela ferait que les hétéros nous prennent au sérieux. Partout où j’allais, quelqu’un m’aimait. Mais partout où j’allais, quelqu’un me détestait. Ces généralités commencent néanmoins à brosser un tableau de ce qu’était la vie dans les années 1970 pour les queers, et les queers de couleur en particulier ; Les histoires de Jane galvanisent August pour en savoir plus et peuvent inciter les lecteurs à faire de même. Après avoir entendu Jane décrire « des amis tombant malades, emmenant un gars de l’étage supérieur à l’hôpital à l’arrière d’un taxi et s’étant fait dire qu’elle n’était pas autorisée à le voir », August apprend de ses propres recherches que « personne n’appelait il sida jusqu’en 81, mais il était là, rampant silencieusement à travers New York.

Jane fait ce que les produits médiatiques sont rarement capables de faire, démontrant pour août – et, par extension, pour les lecteurs – à quel point nos ancêtres queer étaient incroyablement vivants, humains et réels. Pour beaucoup d’entre nous, le passé est trempé de sépia, comme l’écrit McQuiston, « granuleux et usé sur les bords. Mais Jane le raconte en couleur… » C’est le plus grand cadeau que McQuiston offre aux lecteurs queer, en particulier aux jeunes : un rappel que lorsque nous imaginons le passé, nous devons le faire en couleur. À quel point les homosexuels du passé étaient merveilleux, et à quel point nous avons de la chance d’en avoir encore dans les parages pour nous raconter leur vie, leurs expériences, leurs joies et leurs tragédies, leurs amours et leurs chagrins. Nous n’avons peut-être pas tous une Jane qui tombe amoureuse de nous, mais Un dernier arrêt est un rappel que même si nous nous engageons dans ce qui se passe dans nos propres vies queer contemporaines, nous pouvons et devons être témoins et apprendre des merveilleux queers humains désordonnés qui nous ont précédés.

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par Rebecca Long

24 juin 2021

Le spectacle dépeint les démons intérieurs d’une femme au foyer insatisfaite avec une clarté brutale.

Mykki Blanco en couverture de Cœurs brisés et sommeil de beauté (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Transgressive)

L’été est là ! Et, comme toujours, la musique fournit la bande-son parfaite pour nos sentiments, nos pensées et nos expériences alors que nous passons aux mois d’été plus chauds. La liste de ce mois-ci présente principalement des artistes découvrant et/ou mettant en valeur sans vergogne le pouvoir de leurs propres voix : la dernière offre de Mykki Blanco réitère que ce rappeur ne se contentera pas de l’amour, tandis que le nouveau projet de Marzz embrasse l’art de se choisir. Si vous recherchez un booster de confiance, ces nouvelles versions ne vous décevront pas. Bonne écoute !

De nos commanditaires

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par Ilana Massad

25 juin 2021

L’histoire queer est de nombreuses fois, de nombreux endroits, de nombreuses personnes.

Rose Byrne dans le rôle de Sheila Rubin dans Physique (Crédit photo : avec l’aimable autorisation d’Apple TV+)

Note de l’éditeur : cette revue comprend des descriptions des troubles de l’alimentation.

Quand j’ai appuyé sur play sur le premier épisode d’Apple TV+ Physique, j’avais de faibles espoirs que la comédie dramatique des années 1980 remplirait le LUEUR-en forme de trou dans mon coeur. La série de 10 épisodes est présentée comme une émission sur la femme au foyer étouffée mais entreprenante Sheila Rubin (Rose Bryne) découvrant l’aérobic et prenant le contrôle de sa vie. Dans les bandes-annonces de l’émission, des airs appropriés à l’époque comme « Video Killed The Radio Star » des Buggles jouent alors que Sheila sautille dans des justaucorps échancrés, fait tomber son mari, Danny (Rory Scovel) de quelques chevilles et semble construire amitiés avec d’autres femmes. Mais ces aperçus édifiants sont trompeurs : dans les 10 premières minutes, nous découvrons que Physique concerne davantage le dégoût de soi et les troubles de l’alimentation d’une femme que l’exercice aérobique. Avec des performances stellaires et un scénario vicieux, le spectacle ne tire aucun coup de poing, ce qui est à la fois une force et une faiblesse. Au lieu, Physique dépeint les démons intérieurs d’une femme au foyer insatisfaite avec une clarté brutale, ce qui en fait une montre convaincante mais difficile.

On nous présente Sheila à travers un flash-forward en 1986. La caméra la suit d’une loge à une scène sonore pendant que Heart’s « Straight On » retentit. Elle se pavane à sa marque dans un justaucorps fuchsia étincelant, en contrôle total, prête à enregistrer une routine d’entraînement. Basé sur le marketing d’Apple TV+, c’est la version du protagoniste que nous espérons rencontrer. Mais ensuite, le spectacle passe à 1981, et tout à coup, le plaisir est terminé. Sheila regarde dans un miroir et le public entend ses pensées en voix off : « Ugh. Eh bien, regardez-vous. Dans le présent de l’émission, Sheila est piégée dans un mariage avec le sleazebag Danny, sous-stimulée par sa vie mondaine à San Diego et aux prises avec une grave boulimie. Lorsque son mari perd son emploi de professeur – « J’espère que vous aimez sucer la bite des chômeurs », se moque le monologue intérieur de Sheila – il se présente aux élections, misant sur sa capacité à échouer. Simultanément, Sheila commence à suivre un cours d’aérobic, ce qui suscite une idée d’entreprise pour des vidéos d’entraînement à domicile.

Sur le papier, la série est une histoire d’outsider à propos d’une femme sous-estimée qui lance un empire d’aérobic à la Jane Fonda, et d’après la première scène du pilote, nous savons que les efforts de Sheila finissent par payer. Mais cette saison, tout ce que les téléspectateurs voient, c’est la lutte, et Physique se présente comme sombre et inégale plutôt qu’inspirant. Il faut se demander si cet appât et cet interrupteur sont intentionnels. Dans ses remorques, Physique est présenté comme scintillant et optimiste, mais le spectacle lui-même est sombre. De même, Sheila a deux moi : la belle épouse et mère composée qu’elle représente au monde, et la femme malade et malheureuse qui souffre seule. La dualité ne s’arrête pas là. Physique joue avec les concepts du passé et du présent, du succès et de l’échec, de la perception et de la réalité – et parfois, délibérément ou non, cela fonctionne bien.

S’adressant au New York Times, la créatrice de la série Annie Weisman met en lumière les expériences personnelles qui l’ont amenée à créer une émission explorant ces binaires : « Je suis arrivée à un moment de ma vie où j’ai réalisé que je n’avais pas vraiment écrit sur mes propres secrets honteux », a-t-elle déclaré. « Le plus honteux était ce trouble de l’alimentation qui durait depuis des décennies. Je ne l’avais pas vraiment vu s’exprimer de la façon dont je l’ai vécu – comme une maladie secrète, dangereuse et difficile. Les représentations de la boulimie dans Physique sont en effet viscérales et désagréables. Lorsque Sheila se sent incontrôlable, elle commande trois repas au fast-food local, se rend dans une chambre de motel miteux et, de manière rituelle, se déshabille, mange et vomit. Après chaque frénésie et purge, elle se dit « c’est la dernière fois ». Lorsqu’elle n’exécute pas ces compulsions coûteuses, son cruel monologue intérieur la retient captive. Les voix off mordantes de Byrne disent à Sheila qu’elle est grosse, stupide, sans valeur et peu aimable; parfois, le dialogue sert à élucider les vrais sentiments du personnage envers les autres, en particulier son amie grincheuse mais gentille Greta (Deirdre Friel). Elle dit une chose au visage d’une personne, tout en l’éviscérant dans son esprit. Personne, pas même le public, n’est à l’abri des pensées désordonnées de Sheila.

La cruauté est le but de ces assauts, mais ils sapent l’humour de toute scène que les showrunners ont l’intention d’être drôle. PhysiqueLa classification de comme comédie est déroutante, et en fait, il n’y a pas beaucoup de joie dans le spectacle du tout. La plupart des autres personnages sont soit détestables : le directeur de campagne fainéant de Danny, Jerry (Geoffrey Arend) ; L’ancienne camarade de classe de Sheila, plus sainte que toi, Tanya (Mary Holland) – ou sous-développée : Bunny (Della Saba), instructeur d’aérobic. Physique passe beaucoup trop de temps sur la candidature de Danny pour le bureau et plusieurs scènes à vous gratter la tête avec John Breem (Boardwalk Empire‘s fantastique Paul Sparks), un magnat du centre commercial chrétien conservateur dont l’arc, bien qu’intrigant, semble se produire dans un tout autre spectacle. Les révélations lentes sur les origines et les motivations des personnages ne font qu’infuser la série avec plus de tragédie. Tout le monde est malheureux. Même l’éclairage a une fonte terne, ce qui rend les acteurs maladifs.

Mais Physique taquine un avenir meilleur à venir, ce qui pourrait obliger les téléspectateurs à continuer à regarder. La série bénéficie également de personnages comme Greta, ainsi que du petit ami surfeur de Bunny, Tyler (Lou Taylor Pucci) – le seul vrai soulagement comique – qui sont faciles à aimer et à apprécier. Les performances de la distribution sont exceptionnelles et Byrne est particulièrement impressionnant en tant que Sheila, qui se sent comme une vraie personne dans son désordre compliqué. Je me suis retrouvée dans son coin aussi, même si elle est méchante avec tout le monde sauf Danny, qui mérite en fait sa colère. Et puis il y a des moments d’une douceur surprenante quand Sheila dit quelque chose de gentil et que sa voix intérieure ne la contredit pas. Bien que rares, ces moments de véritable compassion dans une émission sans compassion ramènent les téléspectateurs. PhysiqueLes showrunners utilisent la comédie dramatique d’aérobic comme un cheval de Troie pour une description sérieuse des troubles de l’alimentation. Il est souvent douloureux de rester assis, et les téléspectateurs qui s’attendent à des épisodes remplis de routines de remise en forme sur une star entreprenante en devenir peuvent se sentir embobinés. Mais il y a une lumière au bout du tunnel pour Sheila ; la question est de savoir si le public restera assez longtemps pour la voir y arriver.

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par Bani Amor

22 juin 2021

Son parcours est moins une question de distinctions que de s’assurer qu’elle n’est pas «la seule» dans l’espace notoirement exclusif de la nourriture et des restaurants.