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Lorde ne veut pas être un Messie, ou le veut-elle ?

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Adorateur du soleilLorde ne veut pas être un Messie, ou le veut-elle ?

Lorde en couverture de Énergie solaire (Crédit photo : avec l’aimable autorisation d’Universal)

Quatre ans après sa sortie Mélodrame, Lorde est de retour avec Énergie solaire (sortie le 20 août), un langoureux hymne à prendre du recul, à éteindre son téléphone et à se prélasser au soleil. Énergie solaire est un départ marqué des deux premiers albums de Lorde, Pure héroïne et Mélodrame, et il y a peu de synth-pop anthémique pour laquelle elle a déjà été louée. Mais ce départ est intentionnel : Lorde crée une rupture entre où elle a été et où elle va. Dans « The Path », la pop star de 24 ans déclare : « Maintenant, si vous cherchez un sauveur/Eh bien, ce n’est pas moi. » Elle joue également avec des thèmes messianiques dans les 11 chansons restantes, taquinant l’idée sous tous les angles en insistant sur le fait qu’elle n’est le sauveur de personne dans une chanson, puis en affirmant qu’elle est «comme un plus joli Jésus» dans la suivante. Dans « Leader of a New Regime », elle déplore l’absence de « quelqu’un, n’importe qui », qui puisse montrer la voie. « The Path » présente son énoncé de mission pour l’album : « Espérons que le soleil nous montrera le chemin. »

Alors que la ligne du «plus joli Jésus» est un peu ironique, Lorde est très sérieuse à propos du soleil. « J’ai essentiellement pensé à [Solar Power] comme un album d’adoration du soleil », a déclaré Lorde lors d’une apparition sur Les chauds en juillet 2021. « C’était… un record de dévotion pour moi. » Lorde, qui a une synesthésie, a dit qu’elle voit Énergie solaire comme la couleur or, une aura appropriée pour un album obsédé par le soleil. Et dans le clip de sa chanson titre, elle se prélasse en jaune pendant une journée sans nuages ​​à la plage. Dans les années entre les albums, Lorde a réduit son temps d’écran et a passé ses journées à cuisiner, à jardiner et à se promener. Dans « Solar Power », elle répand l’évangile et jette son « appareil cellulaire dans l’eau ». Le clip la suit alors qu’elle traverse un rassemblement de danseurs hippies, atteint le bord de l’eau et est transportée sur un radeau. Le mélange de sincérité et de satire devient assez boueux ici : il est difficile de ne pas penser que vous regardez une publicité.

Il en va de même pour « Mood Ring », que Lorde appelle une chanson satirique, où elle se moque de la culture du bien-être new-age. Le clip montre Lorde dans une perruque blonde, se prélassant avec cinq autres femmes blanches et brûlant de la sauge dans une tente vaguement semblable à un spa. Les paroles disent : « Mesdames, commencez vos salutations au soleil / Vous pouvez brûler de la sauge et je nettoierai les cristaux. » Mais l’introduction vidéo de Lorde brouille le message de la chanson. Dans une diffusion en direct sur YouTube avant la première de la vidéo, Lorde explique que « Mood Ring » est une chanson sur « essayer de se sentir spirituellement connecté dans notre monde moderne ». Elle montre ensuite aux téléspectateurs certains des éléments qu’elle utilise pour se sentir « enracinés » : une photographie de son aura, un livre d’autocollants soleil et lune et le parfum Mojave Ghost de BYREDO. Lorsqu’un commentateur souligne que BYREDO est cher (c’est 270 $ pour 3,4 onces), Lorde est d’accord et dit que c’est « un article de luxe de pop star totale ». Lorde s’appelle une pop star avec une note d’ironie décidée, une attitude apparemment saine pour quelqu’un qui s’est lancé dans une célébrité stratosphérique à l’âge de 16 ans. Mais dans des moments comme celui-ci, il est difficile de discerner si elle saisit la déconnexion totale entre son objets et ses efforts pour revenir à la « vie simple ».

Alors que « Mood Ring » parle de « pensée magique », ce n’est pas nécessairement sa pensée; la blonde Lorde dans la vidéo est une projection de quelqu’un d’autre, quelqu’un que le vrai Lorde pense être « très cool ». Il est clair que Lorde s’est essayée à sa propre pensée magique, et sa satire n’est pas aussi mordante qu’elle le pense, ce qui rend difficile de détecter s’il s’agit réellement d’une satire. La chanson est une récitation de la façon dont les gens se tournent vers les objets extérieurs pour la paix intérieure, mais elle ne fait que souligner doucement le fait que bon nombre de ces objets et activités – sauge brûlante, travail du cristal, yoga – ont longtemps été appropriés et transformés en marchandises. pour les femmes blanches riches. « Nous volerons quelque part dans l’Est / Ils auront ce dont j’ai besoin », se moque Lorde, mais son refrain, « Je ne sens rien », est dit sérieusement. Les paroles de Lorde se sont toujours prêtées à l’atmosphère et à l’humeur plutôt qu’à la narration. Lorsque « Royals » est sorti il ​​y a huit ans, ce fut un plaisir de l’entendre nommer clairement l’écart entre les récits de musique pop et le public qui les consomme. Ce n’est peut-être pas juste, mais il est impossible de ne pas comparer le nouveau travail de Lorde à ces paroles antérieures.

Jubilé : un retour aux sources des féministes noires

« Ça nous va, nous ne venons pas de l’argent », a-t-elle chanté, renonçant au fantasme des avions privés, du service de bouteilles et des diamants. Elle n’a pas chanté « Je suis d’accord avec ça », a-t-elle chanté, « Nous sommes d’accord avec ça. » Dans le meilleur usage possible de la première personne du pluriel, elle invite ses auditeurs dans l’indolence et l’ennui de l’adolescence bourgeoise et suburbaine. Lorde raconte la majeure partie de son premier album de 2013, Pure héroïne, avec le même « nous ». Son deuxième album, Mélodrame (2017), utilise la différenciation plus traditionnelle entre « je », le chanteur et « vous », l’auditeur, pour explorer les relations interpersonnelles d’un point de vue plus ancien et peut-être moins angoissé. Mais sur Énergie solaire, quand elle chante à nouveau « nous » et « nous », au lieu d’inviter ses auditeurs, ses paroles provoquent un sentiment d’aliénation. Qui, exactement, pense-t-elle que Lorde est « nous » ? Dans plusieurs interviews, Lorde a parlé d’un voyage transformateur en 2019 qu’elle a effectué à la base Scott en Antarctique, qui a aidé à guider l’écriture de Énergie solaire. Le voyage était quelque chose qu’elle a toujours voulu faire, racontant à Seth Meyers que c’était « comme un pèlerinage » où elle a fait l’expérience de la nature sous une « forme très brute ».

Lorde suit le soleil. Le reste d’entre nous devra trouver sa propre voie.

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Dans une interview accordée en décembre 2020 à l’Antarctique en Nouvelle-Zélande, elle a déclaré à propos de son voyage qu’« il est parfois difficile de voir une conséquence tangible pour nous tous en changeant nos habitudes concernant la façon dont nous consommons et ce que nous mettons dans le monde ». Elle n’est pas très précise sur ce que pourraient être ces conséquences tangibles, mais quand, dans le prochain souffle, elle raconte une histoire de vol en hélicoptère au-dessus d’une banquise pour rechercher des baleines, elle indique clairement qu’elle parle d’un raréfié, hyper -position privilégiée. Les critiques du consumérisme et de l’environnementalisme performatif existent depuis des années, mais le respect de Lorde pour le monde naturel semble presque ahistorique – il manque de conscience des causes sociales et économiques du changement climatique. L’Antarctique est une destination idéale pour ceux qui cherchent à découvrir la nature « brute ». Se fixer sur un continent en grande partie inhabité permet à Lorde de déplorer le changement climatique comme une abstraction, quelque chose qui arrivera et arrive à la « nature », au lieu de nous. L’angoisse de l’effondrement climatique est présente dans ses paroles, mais sa relation personnelle avec elle n’est pas aussi énergisante qu’évasive. Sur « Leader of a New Regime », elle chante : « Porter un SPF 3000 pour les rayons ultraviolets / Je suis arrivé sur l’île avec le dernier des avions sortants ». Comme les femmes dont elle se moque dans « Mood Ring », elle se tourne joyeusement vers la nature pour sa propre paix intérieure, sans remettre en question la marchandisation du monde naturel.

Alors que les paroles plus grandioses de Lorde sont aliénantes, l’album est à son meilleur sur les chansons les plus intimes, notamment « Big Star », « The Man with the Axe » et « California ». La dernière chanson en particulier ressemble à bien des égards à la réponse à « Royals ». Ici, le « I » de Lorde est clairement autoréférentiel, car elle chante le moment où elle a reçu le prix de la meilleure chanson aux Grammys en 2014. « Au revoir à toutes les bouteilles, tous les modèles/ Je ne veux pas que la Californie aime. » Ayant fait l’expérience de la culture des célébrités dont elle ne pouvait que s’émerveiller à distance lorsqu’elle était une jeune adolescente, elle confirme qu’elle n’a pas besoin de ce monde. D’autres paroles évoquent la tristesse silencieuse de grandir : « Je pensais que j’étais un génie, mais maintenant j’ai 22 ans », chante-t-elle dans « L’homme à la hache ». Elle termine l’album avec une contemplation obsédante dans « Oceanic Feeling » : « Oh, a-t-on trouvé l’illumination ?/ Non, mais j’essaye/ Je le prends une année à la fois/ Je saurai quand il sera temps/ A prendre enlevez mes robes et entrez dans le choeur. Lorde ne veut pas être un messie ; elle veut être une dévote. Malgré l’hésitation de l’album entre la sagesse et le solipsisme privilégié, il est rafraîchissant de voir l’ancien phénomène adolescent plaider en faveur de choisir – et de créer – son propre bonheur. Le poids émouvant de ses albums précédents joue en sa faveur, et Énergie solaire est juste assez intéressant pour servir de pont à tout ce que Lorde fera ensuite. Et pourtant, de temps en temps, les rideaux se séparent assez longtemps pour que son acuité émotionnelle transparaisse. L’album évoque une sympathie mélancolique pour ce moment omniprésent au début de l’âge adulte où vous vous rendez compte que le seul qui peut marcher sur votre chemin, c’est vous. Lorde suit le soleil. Le reste d’entre nous devra trouver sa propre voie.

Une répétition en cascade du numéro Plastic du magazine BitchLe magazine qui a tout déclenché fête 25 ans d’inspirer les lectrices féministes et les consommatrices de médias du monde entier. Abonnez-vous aujourd’hui et rejoignez la beauté, la guérison et l’inspiration qui sont Chienne magazine.

par Torrey Crim

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Torrey Crim est basée à Brooklyn, New York, où elle travaille sur son premier roman.

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Culture et Feminisme

5 albums féministes qui nous ont permis de passer le mois d’août

CultureMusique

5 albums féministes qui nous ont permis de passer le mois d’août

(Illustration d’Ada Buchholc)

L’été commence enfin à se calmer, signalant un retour à des journées plus longues, des soirées plus sombres, un temps plus froid. Et, comme toujours, la musique peut être un outil utile pour ceux d’entre nous qui souhaitent que la transition entre les saisons se fasse en douceur. De nouvelles sorties d’artistes tels que Cleo Sol, Billie Eilish et Tinashe arriveront, alors que Cleo Sol offre une ode à la maternité et que Billie Eilish et Tinashe embrassent une confiance et une indépendance retrouvées. Ces cinq albums ont des thèmes que les féministes apprécieront, alors bonne écoute !

Billie Eilish, Plus heureux que jamais

Billie Eilish – Plus heureux que jamais (clip officiel)

Vidéo de Billie Eilish – Happier Than Ever (clip officiel)

{Enregistrements chambre noire/interscope}
Date de sortie : 30 juillet 2021

Billie Eilish grandit, ou plutôt, selon le morceau d’ouverture de son album, elle vieillit. Mais le jeune de 19 ans est-il aussi heureux que le titre de l’album le suggère ? Cette question semble lui servir de guide alors qu’elle explore le fardeau de la célébrité à un si jeune âge. Et la voix douce mais émouvante d’Eilish capture sans effort sa vulnérabilité. Alors que des chansons telles que « Getting Older », « Not My Responsibility » et « OverHeated » abordent les manières problématiques dont Eilish a été ciblée par les médias (« Certaines personnes détestent ce que je porte / Certaines personnes en font l’éloge / Certaines personnes l’utilisent pour faire honte aux autres / Certaines personnes l’utilisent pour me faire honte », chante-t-elle sur « Not My Responsibility »), des chansons telles que « I Didn’t Change My Number » et « my future » présentent une jeune femme plus confiante et consciente de ce qu’elle mérite. Même si Plus heureux que jamais n’a pas de crochets accrocheurs ou de chansons inoubliables, le dernier album d’Eilish la trouve debout dans son propre pouvoir.

TORRES, plus assoiffé

TORRES – Don’t Go Puttin Wishes in My Head (Vidéo officielle)

Vidéo de TORRES – Don't Go Puttin Wishes in My Head (vidéo officielle)

{Fusionner les enregistrements}
Date de sortie : 30 juillet 2021

Imaginez-vous aspirer à une sorte d’amour dont vous savez que vous ne vous lasserez jamais. C’est le type de désir et de nostalgie de l’artiste indépendante TORRES dans sa dernière offre, Plus assoiffé. TORRES, alias Mackenzie Scott, ne cache pas à quel point elle est profondément attachée – et veut être – à son partenaire. Ce genre d’attachement peut être intimidant au départ, et c’est exactement ce qu’elle explore dans « Don’t Go Puttin Wishes in My Head ». Le morceau met en lumière la voix de Scott à son meilleur, alors qu’elle pousse la gamme de sa voix. La chanson est la plus difficile vocalement de l’album, ce qui la rend bien adaptée à la complexité émotionnelle qu’elle exprime dans ses paroles. Elle chante comment être trop attaché à son partenaire pourrait finalement les chasser. Ce niveau accru de désir atteint son apogée sur la chanson titre de l’album. Scott chante son désir de montrer à son partenaire les profondeurs de son amour : « Bébé, garde-moi dans tes fantasmes/Bébé, garde tes mains sur moi. » Au Soif, Scott explore les désirs les plus intimes (et souvent lascifs) associés au fait d’être dans une relation amoureuse.

Tinashe, 333

Tinashe – Bouncin [Official Music Video]

Vidéo de Tinashe – Bouncin [Official Music Video]

{Musique Tinashe}
Date de sortie : 6 août 2021

333 est le meilleur corpus de Tinashe. Sur son cinquième album, son deuxième en tant qu’artiste indépendante, la chanteuse originaire du Kentucky sonne plus libre que jamais. Chansons pour toi (2019) a présenté et exploré des sons plus expérimentaux, mais sur 333, Tinashe plonge directement dans les sons de genre qui conviennent à son talent indéniable. Tout au long de l’album, Tinashe emmène les auditeurs dans un voyage d’indépendance créative et de libération sexuelle, en tissant des éléments de R&B, de pop, de rap, de danse et de funk avec des paroles qui proclament sa confiance inébranlable et ses prouesses sexuelles. « Bouncin », une piste de danse entraînante avec un crochet accrocheur, trouve la chanteuse se vanter à quel point elle plaira à un amoureux. Sur « It’s a Wrap », le dernier morceau bien intitulé de l’album, Tinashe met fin à une relation pour laquelle elle sait qu’elle est trop bonne (« Je suis bien trop rapide pour ressentir un chemin »). Le numéro 333 signifie avoir la confiance nécessaire pour se lancer dans un nouveau voyage, et la dernière offre de Tinashe fait exactement cela.

BÉBÉ LION, Enfant arc-en-ciel

LION BABE – Rainbows Feat. Ghostface Killah (Clip Officiel)

https://www.youtube.com/watch?v=w4v3zGRAH3sVidéo de LION BABE – Rainbows Feat. Ghostface Killah (Clip Officiel)

{Musique bébé lion}
Date de sortie : 6 août 2021

Si vous recherchez le confort pendant les périodes incertaines, alors LION BABE est fait pour vous. Rainbow Child, le troisième album du duo funk-soul – la chanteuse Jillian Hervey et le producteur Lucas « Astro Raw » Goodman – offre un remède apaisant à notre blues pandémique. En fait, l’album consiste à être d’accord avec nos sentiments, peu importe à quel point ils peuvent sembler compliqués. Sur « Home », Hervey chante la confusion et la frustration associées au fait que la vie ne se déroule pas comme prévu : la mauvaise direction. » Sur le morceau accrocheur et émouvant «Radiant Child», Hervey chante pour tous les «enfants radieux» de la vie qui sont à la croisée des chemins, les encourageant à être doux avec eux-mêmes. La production optimiste de « It’s Ok », qui met en vedette le duo hip hop OSHUN, correspond parfaitement au message de la chanson sur le fait d’être d’accord avec ne pas être d’accord. En fin de compte, Rainbow Child offre un message clair et convaincant : ne craignez pas vos sentiments, ressentez tout.

Toucher l’éléphant

Cléo Sol, Mère

Ne le laissez pas vous monter à la tête

Vidéo de Don't Let It Go to Your Head

{Originaux éternels}
Date de sortie : 20 août 2021

Le dernier album de Cleo Sol est une expérience spirituelle. C’est aussi profondément personnel. L’album ressemble à quelque chose que vous devriez avoir la permission d’écouter, mais la chanteuse basée dans l’ouest de Londres donne gracieusement aux auditeurs une vue d’ensemble de ses pensées les plus intimes. Comme son titre l’indique, Mère s’inspire de l’expérience de Cleo Sol en matière de maternité : « Je suis devenue mère cette année, et c’est jusqu’à présent l’expérience la plus transformatrice, édifiante, bouleversante et donnant de la force qui m’a amenée à écrire cet album », a-t-elle écrit dans une légende Instagram avant à la sortie de l’album. Et, comme toute nouvelle maman, Cleo Sol aspire à être soutenue. Mais au lieu de crier à l’aide, elle chante comment sa spiritualité l’a sauvée des temps sombres, et elle encourage son nouveau-né à suivre la même pratique. « L’amour d’une mère ne vous protégera que de tant de choses / Les gens changent, alors mettez votre foi en Dieu », chante-t-elle sur « Heart Full of Love », l’un des moments forts de l’album. Sa production gospel-soul rappelle quelque chose que l’on entendrait pendant le service religieux d’une église, et elle résume l’essence de l’album : trouver du réconfort et de la force dans la maternité. Tout au long de Mère, Cleo Sol réfléchit aux moments où elle s’est perdue et se demande si elle transmettra ce traumatisme à son enfant (voir « Construisez-moi », « Ne me laissez pas tomber » ou « Nous avons besoin de vous »). Mais à travers l’amour et la spiritualité, elle est capable de trouver la paix. Après tout, la maternité l’a sauvée.

Une répétition en cascade du numéro Plastic du magazine BitchLe magazine qui a tout déclenché fête 25 ans d’inspirer les lectrices féministes et les consommatrices de médias du monde entier. Abonnez-vous aujourd’hui et rejoignez la beauté, la guérison et l’inspiration qui sont Chienne magazine.

par DeAsia Paige

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DeAsia est un écrivain indépendant couvrant la musique, la culture et l’identité. Son travail a été présenté dans des publications comme VICE, La nation , Bbeauté et Hufington Post Black Voices. Pour en savoir plus sur son travail, suivez-la sur Twitter.

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Anna Qu veut que nous sachions la vérité sur les usines de confection

LivresCultureclassbitch interview

Fils lâchesAnna Qu veut que nous sachions la vérité sur les usines de confection

Fabriqué en Chine par Anna Qu (Crédit photo : Catapult/Alex Pedigo

Dans les premières pages de ses premiers mémoires, Fabriqué en Chine, Anna Qu utilise des détails précis pour planter le décor de l’usine de confection où son narrateur adolescent est contraint de travailler. Il y a le bourdonnement des ventilateurs industriels faisant circuler « de l’air plat et chaud » et des morceaux de peluches, de tissus et de débris qui s’accrochent à sa jambe et à sa lèvre alors qu’elle se dirige vers sa table de travail où elle passe plus de 40 heures par semaine. Voici sa place parmi les autres « filles coupantes », qui coupent les fils des vêtements jusqu’à ce que des ampoules et des plaies endommagent leurs mains.

Ce n’est pas un travail ordinaire après l’école, et Qu n’est pas un membre ordinaire de sa famille. Les propriétaires de cet atelier de misère de New York sont sa mère et son beau-père, et elle est la seule de leurs trois enfants qui doit travailler dur, à la fois à l’usine et dans leur maison où elle est physiquement maltraitée et traitée comme leur bonne. Contrairement à ses demi-frères et sœurs nés aux États-Unis, Qu est née en Chine. Après la mort de son père et sa mère immigrée aux États-Unis, Qu est laissée avec ses grands-parents jusqu’à l’âge de 7 ans lorsque sa mère revient pour l’emmener à New York. À son arrivée désorientante, Qu doit compter sur ses pouvoirs d’observation et de perception pour survivre à un environnement familial punitif et trouver son chemin. Chienne a parlé avec Qu de la façon dont elle a appris à revendiquer son histoire, comment elle rend le traumatisme sur la page et comment elle se soucie d’elle-même et de ses lecteurs.

Comment as-tu su que tu étais écrivain ?

J’ai vraiment poussé contre le fait d’être écrivain. Je n’avais pas l’impression d’avoir le droit d’être écrivain parce que j’appartenais à la classe ouvrière et que j’avais besoin de joindre les deux bouts. J’avais tellement d’insécurité financière après avoir été expulsée de chez moi à l’adolescence. Je voulais me lancer dans l’édition, mais le coût était prohibitif. [Entry-level salaries are so low that] vous ne pouvez pas gagner votre vie si vous n’avez pas de filet de sécurité. J’ai toujours eu l’impression que j’avais besoin de survivre avant de pouvoir écrire, alors j’ai eu un travail de jour et j’ai économisé pour pouvoir terminer mes études supérieures à Sarah Lawrence. J’avais besoin de cette validation, au niveau du diplôme, [to have] confiance d’être écrivain. J’ai toujours été gêné par ma grammaire parce que j’ai appris l’anglais comme langue seconde.

C’est un triomphe que tu sois auteur et que l’anglais soit ta deuxième langue. Comment avez-vous trouvé l’histoire que vous vouliez raconter ?

J’ai commencé le livre à l’école supérieure. C’était l’une des pièces de ma thèse ; il s’appelait à l’époque « Factory Life ». Il y a quelque chose à propos de [graduate school writing] atelier c’est [inherently] très blanc et privilégié. J’en ai pris conscience tout de suite, mais au lieu de remettre en cause le système, je me suis juste senti isolé parce que j’étais un étranger. Je savais que je voulais écrire un mémoire. Pour moi, travaillant dans un atelier de misère [as a teenager] n’a aucune valeur de choc parce que cela a toujours été ma vie. Mais j’ai reconnu que c’était un crochet pour un lecteur. J’avais l’impression que l’élément de l’usine me permettait d’exprimer mes expériences d’une manière qui pouvait vraiment toucher le lecteur, et je pouvais créer une histoire fascinante autour de cela. Tout ce que mon narrateur observe a à voir avec la classe, avec le fait d’être vu et avec la façon dont nous sommes définis par le travail et la classe de ce travail.

Collectif de jouets sexuels

Votre livre est tellement discipliné dans son accent sur le travail et le travail. Comment cette ligne a-t-elle émergé ?

Il n’y a pas beaucoup de livres comme le mien parce que des gens comme moi essaient de survivre, mais plus de ces histoires doivent être publiées. J’ai toujours recherché de la compassion dans la vie, et je l’ai souvent reçue des personnes avec qui j’ai travaillé : les femmes de l’atelier de misère avec qui j’ai travaillé à la table de coupe ou une femme avec qui j’ai travaillé dans un restaurant vietnamien pendant mes études. Toutes les personnes que j’ai rencontrées et qui ont été très importantes pour moi dans ma vie ont toujours été issues de la classe ouvrière. Même s’ils n’ont pas pu m’aider [directly] sur mon chemin [to becoming an author], ils étaient pour moi de beaux lieux de repos. Mégha [Majumdar, my book editor at Catapult,] vraiment taquiné cela dans la seconde moitié de mon livre – comment une partie de notre estime de soi se traduit par [our] travail. Cette connexion est très importante et m’a vraiment frappé pendant que je travaillais. Parfois, les gens me demandent : « Comment saviez-vous que vous méritiez l’amour ? » Avec le recul, je ne sais pas. Tout ce que je sais, c’est que j’attendais avec impatience [in life], c’est ce que je voulais plus que tout.

C’est une question si difficile. Tout le monde ne mérite-t-il pas l’amour ? Cela m’amène en fait à ma question suivante : comment vous êtes-vous protégé lorsque vous avez écrit sur des événements traumatisants ?

Il m’a fallu 10 ans pour écrire ce livre. Les écrivains essaient constamment d’être publiés, d’être validés, d’être reconnus, et bien sûr je voulais que ce livre soit publié beaucoup plus tôt, mais ce n’aurait pas été le livre qu’il est aujourd’hui. En me donnant ce temps, je me permettais d’écrire les expériences comme j’avais besoin de les écrire, puis [I could] commencer à le transformer en ce que je voulais dire au lecteur. À l’école supérieure, parfois je m’asseyais et écrivais pendant cinq heures, et c’était tellement traumatisant sur le plan émotionnel. Lorsque vous écrivez une scène vivante, vous devez la revivre et tous ces sentiments reviennent. J’avais besoin d’autre chose qui soit de l’art pour moi. J’ai suivi un cours de peinture en option, et cela m’a permis d’être plus libre en termes d’expression.

Fabriqué en Chine par Anna Qu (Crédit photo : Catapult)

Y a-t-il des livres ou des écrivains que vous avez consultés comme guides ?

Un livre qui m’a vraiment marqué en tant qu’écrivain est celui de Lucy Grealy Autobiographie d’un visage. Ce livre a été si puissant pour moi parce qu’elle a enduré tant de douleur, mais elle écrit sur la douleur d’une manière qui ne gêne pas le lecteur. Elle parle d’être gentille avec le lecteur. [When writing about physical abuse], je pensais à l’équilibre et à la manière d’être gentil avec mes lecteurs pour que [I wouldn’t] les traumatiser comme j’ai été traumatisé. Elle a également parlé de ne pas inclure les pires choses qui vous soient jamais arrivées, car ce n’est pas ce qu’il faut pour obtenir l’empathie des lecteurs. Je ne voulais pas que les choses les plus horribles qui me soient arrivées soient sensationnalisées. C’est un exploit très difficile.

En tant que lecteur, je pouvais voir le contrôle que vous exerciez en tant qu’écrivain. C’était protecteur et tellement efficace. Vous avez déjà mentionné que lorsque vous écriviez ce livre, vous le gardiez près de vous. Pourquoi était-ce?

Dans les ateliers, on m’a dit trop de fois que mon expérience est irréelle et incroyable. je ne voulais pas de ce genre de retour [as I was writing], et je ne voulais laisser personne entrer dans ce livre jusqu’à ce que je sente que c’était fait, jusqu’à ce qu’il soit assez fort tout seul, jusqu’à ce qu’il ait sa propre forme et puisse résister aux commentaires. Ce livre a longtemps vécu dans un endroit très cloisonné. J’ai passé huit ou neuf ans sur le livre avant de laisser quiconque le lire. Je suis allé aussi loin que j’ai pu avant de trouver un agent [Duvall Osteen] puis Duvall et moi avons travaillé dessus pendant environ huit mois. Puis Megha de Catapult l’a récupéré en moins de deux semaines. C’était donc incroyable. Même si j’ai passé si longtemps [writing] le livre, j’ai été vraiment, vraiment chanceux de la rapidité avec laquelle il [moved] de l’agent à la publication. Ce processus était à peu près transparent.

Anna Qu s’est appuyée sur ses pouvoirs d’observation pour survivre à un environnement familial punitif.

C’est tellement chanceux que vous ayez trouvé les bonnes personnes pour travailler avec vous et voir votre talent. Quel rôle la communauté joue-t-elle pour vous, à la fois en tant qu’écrivain et en tant qu’éducateur ?

J’ai une très bonne communauté d’amis. La communauté est la clé. Je pense que non fiction [writers] n’ont pas une communauté aussi forte que les poètes et les écrivains de fiction [do], et j’ai toujours ressenti cet écart. C’est l’une des raisons pour lesquelles j’aime tant enseigner, en particulier la non-fiction, car cela me permet d’être dans ce genre de communauté.

La non-fiction a été exclue du monde universitaire pendant tant d’années. Il n’y avait pas de cours de non-fiction créative lorsque j’étudiais l’écriture créative à l’université, et même maintenant, certaines organisations non académiques proposent des programmes uniquement en poésie ou en fiction. Le fait de savoir cela est-il un facteur dans votre enseignement ?

J’aime tellement enseigner. Il existe différentes manières de raconter une histoire et différentes manières de se concentrer sur les personnages. J’en suis très conscient quand j’enseigne, donc je fais attention au langage dans lequel nous racontons des histoires et pourquoi. C’est incroyable de voir la diversité que je reçois dans mes cours. Je pensais qu’enseigner au niveau MFA était un objectif que je n’atteindrais pas avant des années, et c’est arrivé tout de suite, alors ça m’a époustouflé. C’est un travail de rêve pour moi.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

Une répétition en cascade du numéro Plastic du magazine BitchLe magazine qui a tout déclenché fête 25 ans d’inspirer les lectrices féministes et les consommatrices de médias du monde entier. Abonnez-vous aujourd’hui et rejoignez la beauté, la guérison et l’inspiration qui sont Chienne magazine.

par Hannah Bae

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Hannah Bae est une journaliste indépendante basée à Brooklyn qui est membre d’Open City dans la non-fiction narrative pour l’Asian American Writers’ Workshop et présidente de la section new-yorkaise de l’Asian American Journalists Association. Elle travaille sur un mémoire. Suivez-la sur Twitter ici.

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Le monde universitaire est encore plus sombre que nous le pensions

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Le monde universitaire est encore plus sombre que nous le pensions

Comment nous nous effondrons par Katie Zhao et Une leçon de vengeance par Victoria Lee (Crédit photo : Bloomsbury et Penguin Random House)

L’académie sombre est partout sur TikTok. Le roman de Donna Tartt de 1992, L’histoire secrète, est souvent crédité du lancement de dark academia en tant que sous-genre littéraire, qui explore avec justesse le côté obscur des études universitaires et les institutions et les environnements qui poussent les étudiants au-delà de leurs limites. Pourquoi le dark academia est-il si attrayant ? Puisqu’ils sont axés sur l’école, la plupart des livres universitaires sombres sont des livres pour jeunes adultes ou adultes se déroulant au lycée ou à l’université. Cela est logique, étant donné qu’environ 58 % des membres de la génération Z se sentent déprimés ou tristes à cause du stress, et que les élèves qui fréquentent des écoles très performantes courent un risque accru de rencontrer des problèmes de comportement et de santé mentale en raison de la pression qu’ils subissent. sous. Même ceux d’entre nous qui ne sont plus de jeunes adultes ressentent encore parfois le besoin de courir après les réalisations, que nous agissions ou non. Cette obsession universelle pour la réussite rend les universités sombres populaires, exacerbée par la pandémie et un sentiment d’incertitude quant au moment où l’éducation formelle en personne reprendra.

Comment nous nous effondrons par Katie Zhao, publié le 17 août, se concentre sur l’impact de l’environnement d’une école privée très performante, l’école préparatoire Richard Sinclair, sur un groupe d’amis américains d’origine asiatique, à savoir la protagoniste Nancy Luo, qui s’est toujours efforcée de surpasser son ennemi Jamie Ruan. réalisations académiques. Lorsque Jamie est retrouvé mort, Nancy et ses amis Krystal, Akil et Alexander sont publiquement accusés de meurtre par une source anonyme connue sous le nom de Proctor et qui semble connaître tous leurs secrets, en particulier les choses illégales et contraires à l’éthique qu’ils ont faites pour obtenir et Reste devant. Nancy, une narratrice quelque peu peu fiable, se demande si le surveillant est au courant de ce qu’elle et ses amis appellent l’incident, qui a eu lieu pendant leur première année. Nancy a un désir irrésistible de maintenir son image, donc même lorsque nous sommes dans ses pensées, elle refuse toujours de penser aux actions qu’elle a prises pour arriver là où elle est et aux conséquences de ces actions.

Felicity Morrow, la protagoniste de Victoria Lee’s Une leçon de vengeance, publié le 3 août, est un narrateur tout aussi peu fiable. Elle est retournée à l’école Dalloway, un pensionnat d’élite dans les montagnes Catskill, après avoir pris un congé pour pleurer la mort tragique de sa petite amie Alex. Contrairement à Nancy, Felicity ne peut plus prétendre s’accrocher au statut étroit de perfection parce que ses anciens amis et cercles sociaux l’ont évitée. À son retour à l’école, Felicity ne veut rien de plus que de mettre le traumatisme de l’année précédente derrière elle et de se concentrer sur sa thèse. Mais la nouvelle étudiante et romancière prodige Ellis Haley, qui vit dans l’ancienne chambre d’Alex, invite Felicity à l’aider à rechercher les Dalloway Five, cinq filles qui seraient des sorcières décédées dans des circonstances mystérieuses sur le terrain de leur dortoir. Bien que Felicity sache que plonger trop profondément dans les Dalloway Five pourrait être la raison pour laquelle Alex est mort, elle ne peut pas résister.

Nancy et Felicity sont toutes deux des protagonistes passionnées et dévouées, bien qu’elles soient motivées par des circonstances de vie différentes. Alors que Felicity vient d’un milieu aisé mais avait des parents absents, Nancy sait à quel point sa mère, une immigrante et une bonne, a dû travailler pour obtenir le peu qu’ils ont. Le monde de Nancy est peuplé de personnes comme Felicity, qui ont de l’argent pour enterrer des secrets et acheter leur chemin vers des réalisations, alors qu’elle ne peut même pas montrer une fissure dans son extérieur de peur qu’elle ne soit exploitée par son soi-disant ami Jamie. Felicity, contrairement à de nombreux autres étudiants de Dalloway, n’est pas motivée par son image extérieure ou par le besoin d’être la meilleure étudiante. Au lieu de cela, elle est attirée par l’obscurité du monde universitaire, l’obsession, à cause de sa propre fixation interne sur la perfection. C’est cette obsession de la perfection qui griffe à la fois Felicity et Nancy vers l’obscurité et menace de ne jamais les laisser partir. « Les personnages sont sans aucun doute passionnés par leur domaine [whether it’s literature for Felicity, writing for Ellis, or sport climbing for Alex], et de diverses manières, ils doivent faire la distinction entre aimer beaucoup quelque chose et aimer trop quelque chose », Lee, l’auteur de Une leçon de vengeance, raconte Chienne. « C’est une ligne encore plus difficile à franchir si vous êtes déjà aux prises avec des problèmes de santé mentale. »

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Les deux livres traitent de l’impact particulier de ces environnements sur les élèves marginalisés. La plupart des personnages de Une leçon de vengeance sont des femmes queer et des personnes non binaires et Felicity a également une maladie mentale, tandis que la plupart des personnages de Comment nous nous effondrons sont américains d’origine asiatique. Les deux romans jettent un regard critique sur l’oppression à laquelle ces personnages sont confrontés en raison de leur sexe, de leur sexualité et de leur race, ainsi que des privilèges qu’ils pourraient avoir, en particulier en matière de classe. Dans Comment nous nous effondrons, Zhao explore les pressions exercées sur les étudiants américains d’origine asiatique très performants par les attentes de leurs parents et de la société. « Il existe un stéréotype nuisible, appelé le mythe de la minorité modèle, qui décrit les Américains d’origine asiatique comme studieux, performants, parfaits à tous points de vue », a déclaré Zhao. Chienne. « Ce mythe est non seulement utilisé pour nuire à d’autres groupes marginalisés, mais il nuit également aux Américains d’origine asiatique, car nous ne sommes pas un monolithe. Quand j’étais jeune, je pensais que je devais avoir des notes parfaites parce que j’étais asiatique, et c’est ce que la société attendait de moi. Je suis allé très loin, sacrifiant ma santé mentale et même mon sens de qui j’étais, afin d’essayer d’être à la hauteur de cette norme impossible. »

Il n’y a que des ténèbres dans les murs de ces institutions académiques.

La santé mentale est un autre ingrédient clé dans les deux livres, car leurs narrateurs peu fiables se disent eux-mêmes et les autres mentent pour garder cette version parfaite d’eux-mêmes en vie. Felicity souffre également de dépression psychotique et, en raison de sa maladie mentale et du traumatisme qu’elle a subi, elle est souvent minée, en particulier par des figures d’autorité qui préfèrent l’encourager à prendre plus de congés médicaux plutôt que d’examiner les défauts de l’école Dalloway qui la rendent plus difficile. pour gérer sa santé mentale. Alors que Nancy se souvient de sa relation compliquée avec Jamie, elle commence à voir non seulement à quel point Jamie a lutté avec sa santé mentale, mais aussi à quel point elle-même se bat. Dans une scène révélatrice vers la fin du livre, la mère de Nancy lui dit de ne pas trop se forcer et elle se rend compte que c’était la permission qu’elle attendait depuis toute sa vie. Ce manque de permission – être moins que le meilleur, ne rien faire de moins que briller parfaitement – est ce qui fait que la plupart des personnages principaux de Une leçon de vengeance et Comment nous nous effondrons de faire des choix terribles, de commettre des erreurs irrévocables et d’adapter leur moralité à leurs besoins du moment.

Il est rare de voir des personnages marginalisés autorisés à être aussi imparfaits et moralement gris. « Les Américains d’origine asiatique ont souvent été stéréotypés comme des nerds, des acolytes, des citoyens ‘modèles’ ou, parfois, des méchants bidimensionnels sans histoire convaincante », explique Zhao. « Il n’y a pas de solution intermédiaire. Je nous vois rarement dans des livres ou des émissions nuancées et autorisés à être moralement ambigus. Nous sommes rarement autorisés à exister en tant qu’humains, grands et terriblement imparfaits. » C’est l’une des raisons pour lesquelles Lee a choisi de ne pas inclure d’hommes dans Une leçon de vengeance. « Il n’y a pas de personnages masculins auxquels nous pouvons comparer les actions de nos personnages féminins queer », expliquent-ils. « Le comportement des femmes doit être autonome, et bien que le livre existe toujours dans un certain contexte social, dans lequel nous jugeons les femmes et les femmes homosexuelles, plus durement, j’espère toujours que c’est un pas dans le sens de la fermeture de ce écart. » En permettant à leurs personnages d’être aussi imparfaits qu’ils le sont – des narrateurs peu fiables et des personnages principaux qui ont fait des choses vraiment sombres pour rester en phase avec leurs objectifs – Zhao et Lee façonnent le canon de la sombre académie, aux côtés de livres tels que As de pique par Faridah Àbíké-Íyímídé et La prise de Jake Livingston par Ryan Douglass. Il n’y a que des ténèbres dans les murs de ces institutions universitaires, et je suis resté éveillé toute la nuit à lire, craignant que les fantômes littéraux et figurés du passé de Nancy et Felicity ne commencent à me hanter aussi.

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Alaina Leary est une personne blanche avec une frange, des cheveux violets et bleus et une robe colorée.  Ils sourient et regardent vers le bas.

par Alaina Leary

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Alaina Leary est responsable des communications pour We Need Diverse Books. Elle donne des cours au département d’études supérieures d’édition, de littérature et d’écriture de l’Emerson College. Son travail a été publié dans le New York Times, Teen Vogue, Cosmopolitan, Refinery29, Allure, Healthline, Glamour, The Oprah Magazine, etc. Elle vit actuellement juste à l’extérieur de Boston avec sa femme et leurs deux chats littéraires. Suivez-la @AlainasKeys sur Instagram et Twitter.

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20 ans plus tard, l’héritage musical d’Aaliyah est toujours intouchable

CultureMusiqueA 20 ans

20 ans plus tard, l’héritage musical d’Aaliyah est toujours intouchable

Aaliyah en couverture de Aaliyah (Crédit photo : Blackground Records)

Je me souviens d’abord avoir vu Aaliyah, la défunte princesse du R&B, dans une publicité sur The Box, faisant la promotion de « If Your Girl Only Knew », le premier single de son album monumental de 1996. Un sur un million. Elle était de près, vêtue d’un monochrome et inoubliable. Dans la vidéo réalisée par Joseph Kahn, Aaliyah arrive sur une moto dans son style androgyne caractéristique – nuances noires, bandana en cuir, haut court, pantalon ample – et entre dans un bar clandestin discret. La cinématographie brumeuse correspond à l’énergie plus sombre et granuleuse qu’Aaliyah et sa clique émanent du film, alors qu’elle utilise son mélange de voix angélique douce et de notes basses à la peau dure pour appeler un homme infidèle avec un œil errant. Cette approche habile du chant, ainsi que le son tordu et menaçant de Timbaland, en sont venus à définir son son.

Les camées de Lil’ Kim, Missy Elliott et du frère d’Aaliyah, Rashad Haughton, incarnaient la bonne compagnie qui a toujours entouré le chanteur. Comme tant d’autres, j’étais en admiration devant le féminin divin minimaliste et mystérieux qu’elle canalisait. Ce moment était la réintroduction d’Aaliyah dans le monde : elle avait 17 ans et était sur le point de devenir une jeune femme. Elle a travaillé avec les nouveaux arrivants Missy Elliott et Timbaland pour établir un son qui incorporait des éléments classiques du R&B tout en se rebellant contre les restrictions créatives – un prélude au futur R&B de centre-gauche. Le maquillage sublime d’Aaliyah, la coupe de cheveux signature, le style, la chorégraphie fluide – grâce principalement à Fatima Robinson – et la personnalité amicale étaient ce qui faisait la célébrité de la pop noire. Elle vivait et respirait la dualité : le swag du hip hop et la sensualité du R&B ; une voix qui délivrait de la douceur mais exerçait toujours de la puissance; une aura confiante mais jamais hautaine. Au fur et à mesure que sa carrière progressait, elle semblait de plus en plus d’un autre monde, mais elle est toujours restée connectée à la culture noire, en particulier à l’enfance noire. Elle est la patronne du R&B-pop, un genre qui a émergé à la fin des années 90 et au début des années 90.

Avant la gloire, Aaliyah Dana Haughton a suivi une formation artistique en prenant des cours de chant et de danse et en jouant dans des pièces de théâtre à Detroit, où elle a grandi. Elle est née à Brooklyn, New York, le 16 janvier 1979, et à l’âge de 10 ans, elle se produisait sur Recherche d’étoiles. Jive Records et Blackground Records, dont ce dernier a été fondé par son oncle Barry Hankerson, l’ont signée quand elle avait 12 ans. R. Kelly, bien dans la vingtaine à ce moment-là, est devenu son mentor et a produit son premier album en 1994. L’âge n’est rien d’autre qu’un nombre, qui avec le recul semble être davantage une question de pédophilie que son investissement dans son art. Alors qu’elle n’avait que 15 ans, elle aurait épousé Kelly, qui est actuellement jugée pour des dizaines d’accusations de viol et de pédophilie. Dans les années qui suivent Âge, elle, sa famille et leur équipe ont gardé secrets les détails du mariage et de l’annulation. Mais les défenseurs des survivants d’agressions sexuelles voient Aaliyah comme un autre exemple malheureux des histoires inédites de filles et de femmes noires survivantes dans l’industrie de la musique. Bien qu’il ait une histoire de fond troublante, l’album a produit des succès tels que « Back & Forth » et « Age Ain’t Nothing But a Number ».

Au moment où elle a commencé à enregistrer Un sur un million, elle avait rencontré son styliste dévoué, Derek Lee, qui a incorporé un mélange de streetwear new-yorkais, de labels haut de gamme et de culture dancehall jamaïcaine pour créer ses looks emblématiques. En grandissant, le designer James Flemons, fondateur et directeur créatif de Phlemuns, qui a travaillé avec SZA, Billie Eilish, Solange et bien d’autres, s’est inspiré du style d’expression de la chanteuse. Il voit toujours l’impact d’Aaliyah sur la mode à la fois à l’intérieur et à l’extérieur de l’industrie de la musique. « Je pense qu’elle surfait sur une vague de genderfuck bien avant que beaucoup ne réalisent que c’était plus qu’une » phase de garçon manqué «  », a déclaré Flemons Chienne. «Elle avait un moyen d’échanger sa masculinité et sa féminité à travers son sens de la mode si facilement, et il était évident que cela était si fidèle à son identité en tant que personne. J’ai toujours été intriguée de savoir ce qu’elle aurait à dire sur elle-même et son style à cette époque où l’identité et l’expression de genre sont si progressistes.

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Dans son deuxième album, la formule d’Aaliyah était plus magnétique et son objectif était de mettre davantage en valeur sa gamme vocale. Après « If Your Girl Only Knew », elle a enchaîné avec « One in a Million », « Hot Like Fire » et « 4 Page Letter » – tous écrits par Missy Elliott et Timbaland – et a contribué à créer un nouveau standard pour le R&B. « Même 20 ans après sa mort, nous la voyons et l’entendons toujours dans tant d’artistes différents qui lui ont succédé », explique Keithan Samuels, le fondateur du site Web. R&B noté. « Son son et son style seront à jamais un point de référence. » Normani, par exemple, a samplé « One in a Million » sur son single « Wild Side », sorti en juillet. Dans une interview avec Zach Sang, Normani a qualifié Aaliyah de l’une de ses « artistes préférées de tous les temps ». La sensation pop a également écrit un hommage à Aaliyah pour Vogue britannique, déclarant: « Ma sélection de sons est profondément inspirée par ce qu’Aaliyah et Timbaland ont pu réaliser. » Brandy lui a aussi dit Deuxième album de 1998, Ne jamais dire jamais, a été faite « en hommage à [Aaliyah’s] album qu’elle a fait avec Timbaland.

Dans les cinq années entre Un sur un million et son troisième et dernier album, Aaliyah (2001), la chanteuse a eu une carrière cinématographique en plein essor, assumant des rôles qui l’aligneraient davantage sur le mystique, le sombre et l’énervé. Elle a joué dans le film d’arts martiaux Romeo doit mourrir (2000) et a marqué son premier non. 1 simple sur le Panneau d’affichage Hot 100 chart, « Try Again », de la bande originale du film, qui a été écrite par le regretté auteur-compositeur-interprète Static Major. Le clip de la chanson lui a valu deux MTV Video Music Awards pour la meilleure vidéo féminine et la meilleure vidéo d’un film et l’a positionnée comme une icône de vidéoclip. Elle a également été jetée dans Matrix Reloaded et Révolutions matricielles et a joué le vampire Akasha dans le film d’horreur-fantastique Reine des damnés qui a été libéré après sa mort. Aaliyah aurait jonglé avec le tournage Reine des damnés en Australie et l’enregistrement de son projet éponyme.

Aaliyah dans la vidéo de « Nous avons besoin d’une résolution » (Crédit photo : Blackground Records)

Major faisait partie du collectif Swing Mob, qui comprenait également Timbaland et Elliott, et il a écrit la plupart des chansons de son dernier opus. Il a travaillé en étroite collaboration avec Aaliyah pour arranger des morceaux qui ont fait ressortir sa voix douce et raconté des histoires sur les hauts et les bas des relations, mettant en valeur sa maturité d’adolescente à adulte. Qu’il s’agisse de trouver un terrain d’entente sur « We Need a Resolution » ou d’offrir un doux plaisir à son amant sur « More Than a Woman », le sujet et les paroles étaient plus directs, intenses et complexes que les versions précédentes. La production de l’album a élevé Aaliyah en tant qu’ancêtre des sons R&B expansifs, mélangeant des genres comme l’électronique, le funk, le rock, le latin et le R&B. Avant sa mort, NME proclamé Aaliyah un « troisième album radical », la positionnant comme « l’artiste la plus expérimentale du R&B américain ». Solange, l’une des artistes les plus avant-gardistes du R&B, a déclaré Entretien cette ère de la musique l’a inspirée. « Aaliyah a également eu une énorme influence et l’a toujours été », a-t-elle déclaré en 2017. « Ses arrangements vocaux avec Static Major sont parmi mes préférés au monde. »

L’imagerie associée à cette musique était plus ludique et révélatrice. Au lieu de ses mystérieux vêtements noirs, elle était une sirène rougeoyante. « Elle avait parcouru un long chemin depuis l’énigmatique fille ‘Back & Forth’ cachée derrière un jean ample et des lunettes de soleil, et elle était sur le point d’entrer dans un nouveau chapitre », a écrit Warren Fu, qui a conçu la pochette de l’album. Poétique de cire. « Je sentais que la pochette de l’album devait être une annonce de son arrivée en tant que femme. » Malheureusement, l’ère de femme adulte d’Aaliyah a été écourtée. Après avoir tourné un clip aux Bahamas pour son single sensuel « Rock the Boat », elle est décédée dans un accident d’avion qui a tué le pilote et les huit passagers à bord. Dans les années qui ont suivi sa mort, l’influence d’Aaliyah a toujours le pouvoir de rester.

Dans les années qui ont suivi sa mort, l’influence d’Aaliyah a toujours le pouvoir de rester.

Les fans ont poussé pour la «collection Aaliyah» de MAC Cosmetics 2018 inspirée par la beauté douce et glam de ses dernières années et attribuée à son maquilleur, Eric Ferrell. Les artistes modernes imitent les tenues emblématiques de la chanteuse et des dizaines de YouTubers ont créé une offre infinie de tutoriels de costumes d’Halloween inspirés par elle. En musique, de nombreuses artistes femmes noires, dont Syd, FKA twigs, Tinashe et bien d’autres, la considèrent comme une référence. « J’ai toujours admiré les chanteuses comme elle et Brandy parce qu’elles ont des voix plus douces comme moi, et ce sont des stars », a déclaré Syd. L’indépendant en 2017. « Nous lui devons notre ambiance décontractée », a déclaré Tinashe Panneau d’affichage en 2014. « Les gens étaient habitués aux artistes qui chantaient. Elle a apporté un nouveau style vocal qui n’était pas représenté dans le R&B. Tout ne doit pas être aussi rapide.

Le catalogue d’Aaliyah enfin disponible sur les services de streaming est essentiel pour rendre son travail accessible à un public plus jeune et assurer la pérennité de son travail innovant. Blackground Records est sorti Un sur un million le 20 août. Elle Romeo doit mourrir et Blessures de sortie les bandes sonores arrivent le 3 septembre, et Aaliyah arrive le 10 septembre. Aujourd’hui, 20 ans après sa mort prématurée, nous admirons toujours la façon dont Aaliyah a collaboré avec un groupe soudé de jeunes artistes et créatifs noirs qui ont contourné les règles pour créer des œuvres significatives. Elle avait le sentiment intuitif que la communauté était essentielle pour imaginer et construire un nouveau monde musical intouchable. « Les gens essaient d’apporter la négativité à ma façon, en particulier avec Brandy et Monica,«  elle a dit dans Elle en 1999. « Si je suis en compétition avec quelqu’un, je suis en compétition avec moi-même pour être original. » Aaliyah a fait les choses à sa manière, et pour cette raison, son héritage reste inextinguible.

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par Natelegé Whaley

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Natelegé Whaley est une journaliste culturelle de Brooklyn, New York.

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Culture et Feminisme

Simone Biles, Kerri Strug et le problème avec « En prendre un pour l’équipe »

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RebondissementsSimone Biles, Kerri Strug et le problème avec « En prendre un pour l’équipe »

Kerri Strug, à gauche, lors de la conférence de presse du World Gold Gymnastics Tour en septembre 1996 et Simone Biles lors de la finale par équipes féminines aux Jeux Olympiques de Tokyo 2020 en juillet 2021 (Crédit photo : Ron Galella/Laurence Griffiths/Getty Images)

La gymnaste Simone Biles s’est retirée de la plupart des compétitions majeures des Jeux olympiques de Tokyo, à commencer par la finale par équipe le 27 juillet, après avoir souffert d’un cas inopportun de « twisties ». Bien que Biles ait réussi à poser un saut sur ses pieds – une tâche herculéenne à part entière – avant de rayer le reste de la finale par équipe, les gens ont commencé à prétendre qu’elle aurait dû en prendre un pour l’équipe et passer au travers. Cependant, en se retirant de la finale par équipe et, quelques jours plus tard, de la finale du concours général, dans laquelle Biles devait devenir la première gymnaste en 53 ans à remporter le titre deux fois de suite, Biles a montré au monde qu’elle était plus qu’une mule pour les médailles olympiques et faisait passer sa santé et son bonheur en premier.

La performance de Biles à Tokyo a immédiatement attiré des comparaisons avec un autre saut olympique emblématique : celui de Kerri Strug aux Jeux de 1996. L’équipe de 1996, entraînée par Béla et Márta Károlyi, s’est battue bec et ongles jusqu’à la rotation finale – le saut de cheval – et Strug, 18 ans, avait l’énorme responsabilité d’obtenir un score de 9,43 ou mieux. Un tel résultat garantirait la toute première médaille américaine par équipe en gymnastique féminine. Nous connaissons tous la suite : Strug s’assoit sur son premier coffre-fort. Au cours de sa longue marche pour remonter la piste, on se rend compte qu’elle est blessée. Elle demande à Béla Károlyi si elle doit à nouveau sauter ; elle ne peut pas sentir sa jambe. Il dit à Strug qu’ils ont besoin qu’elle saute une deuxième fois pour obtenir l’or, alors Strug le fait, atterrissant miraculeusement sur ses pieds – eh bien, pied. Le toit explose pratiquement du Georgia Dome. Les coéquipiers de Strug et les Károlyis explosent, jubilatoires. Ensuite, tout le monde remarque que Strug ne sort pas du tapis. Elle est à genoux, grimaçant de douleur. Márta Károlyi, avec l’aide d’un autre entraîneur, transporte Strug loin du saut et dans les bras tendus du médecin de l’équipe USA Gymnastics Larry Nassar.

Depuis lors, de nombreux sombres secrets de USA Gymnastics ont été mis en lumière, grâce au formidable courage de centaines de gymnastes actuels et anciens, dont Biles elle-même. Nassar purge actuellement jusqu’à 300 ans de prison pour abus sexuels et pédopornographie. Le Károlyi Ranch, autrefois le Pentagone de la gymnastique américaine, est abandonné ; les Károlyi font face à de multiples poursuites pour leur rôle dans le maintien d’une culture d’abus dans la gymnastique féminine. Steve Penny, ancien PDG de USA Gymnastics, a été arrêté pour avoir prétendument falsifié des preuves dans l’affaire Nassar. Nous avons même appris que Strug n’avait jamais eu besoin de faire ce deuxième saut en 1996. Team USA avait déjà la médaille d’or dans le sac. Mais parce que les scores finaux de l’équipe russe n’avaient pas été calculés et que la vitesse de notation de la gymnastique n’avait pas encore rattrapé la vitesse de l’ambition des hommes puissants, il n’y avait aucun moyen pour l’équipe de 1996, surnommée le Magnificent Seven, de savoir qu’à le temps.

Quant à Strug, elle s’est déchirée deux ligaments du pied et s’est foulé la cheville cette nuit-là et n’a plus jamais concouru. Les blessures lui ont valu une médaille du concours multiple, son rêve de toujours. Double olympien et membre de l’équipe des Championnats du monde 1995, Strug a contribué à chaque fois à remporter une médaille pour les États-Unis. Elle méritait de mettre fin à sa carrière de gymnaste à ses conditions, pas à celles de ses entraîneurs, mais ce n’est pas Strug qui a le plus profité de ce moment. C’est USA Gymnastics qui a profité de l’augmentation des inscriptions après ces Jeux olympiques. Ce sont les Károlyi et Nassar, qui ont eu accès à de nouvelles filles qu’elles pouvaient éclairer en leur faisant croire que la douleur et les abus endurants étaient nécessaires si vous vouliez être le meilleur. Jusqu’à Biles. Lorsque Biles s’est retirée de la finale par équipe, elle a dit aux entraîneurs, aux parents et aux aspirants champions du monde entier qu’aucune médaille d’or n’est plus importante que votre santé et votre sécurité. « En prendre un pour l’équipe » ne signifie pas mettre la vie et l’intégrité physique en jeu pour servir un système qui ne parvient toujours pas à vous protéger. Vous pouvez être le meilleur, même le CHÈVRE, sans vous casser dans le processus.

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Le problème avec « en prendre un pour l’équipe » est que c’est intrinsèquement patriarcal. Les femmes et les personnes non binaires, en particulier les femmes noires, ont longtemps été conditionnées à « en prendre une pour l’équipe ». L’année dernière, lors de l’élection présidentielle, des cris de ralliement de la gauche s’attendaient à ce que les femmes noires, qui ont voté pour Joe Biden en nombre record, « nous sauvent tous », bien qu’elles soient l’une des données démographiques les plus couramment flouées par les deux grands partis politiques. Du travail émotionnel et intellectuel non rémunéré à l’exploitation de notre corps, le capitalisme attend systématiquement des femmes, en particulier des femmes noires, latines et autochtones, qu’elles fassent plus que leur part de gros efforts en échange d’une compensation injuste. Ceux au sommet de l’échelle de l’entreprise, qui sont à prédominance blanche et généralement cis et masculins, bénéficient le plus du travail des femmes, tout comme ceux qui ont profité du saut de Strug avec des ligaments déchirés au pied.

Biles a prouvé, sans aucun doute, qu’elle est la plus grande athlète de l’histoire de son sport. Elle a mené l’équipe des États-Unis à la médaille d’or aux Jeux olympiques de 2016, où elle a également remporté des médailles d’or individuelles dans les compétitions du concours général, du saut de cheval et du sol. et les championnats américains de gymnastique 2021 (cette fois avec plusieurs orteils cassés). Elle a reporté sa retraite pendant une pandémie mondiale, s’entraînant pour être le plus grand espoir de son pays dans des Jeux olympiques qui pourraient bien s’avérer avoir été un événement de grande envergure. Pourtant, les Américains ont agi comme si elle nous devait un autre tas de médailles, même si cela signifiait risquer sa vie en rivalisant avec les twisties. Lors d’une conférence de presse après la finale par équipe, Biles a déclaré qu’elle avait décidé de ne pas continuer à concourir pour sa sécurité physique, sa santé mentale et ses coéquipiers : podium du tout.

« En prendre un pour l’équipe » ne signifie pas mettre la vie et l’intégrité physique en jeu pour servir un système qui ne parvient toujours pas à vous protéger.

Elle en a donc « pris un pour l’équipe », mais pas de la manière dont les systèmes oppressifs, cishets, blancs et patriarcaux s’attendent à ce que les femmes, en particulier les femmes noires, le fassent. Et les personnes mêmes qui bénéficient et soutiennent ces systèmes oppressifs ont immédiatement réagi de la même manière, qualifiant Biles de lâche et d’égoïste et essayant de saper sa grandeur pour avoir mis sa santé en premier. Les coéquipiers restants de Biles ont remporté la médaille d’argent, ce qui n’est pas un mince exploit pour un programme de gymnastique qui a presque été démoli par des inculpations fédérales et un scandale il y a à peine trois ans. Son retrait de la finale par équipe n’a pas déçu ses coéquipiers : l’état d’esprit selon lequel rien de moins qu’une médaille d’or est une perte, un état d’esprit perpétué par les entraîneurs de Strug en 1996, l’a fait. Lors de cette même conférence de presse après la finale par équipe des Jeux olympiques de Tokyo, Biles a également déclaré: «Je pense que nous sommes juste un peu trop stressés, mais nous devrions être ici pour nous amuser…. Je dis de mettre la santé mentale en premier, car si vous ne le faites pas, vous n’allez pas profiter de votre sport et vous n’allez pas réussir autant que vous le souhaitez.

Rappeler au public quelque chose de si rudimentaire mais si important – le sport est censé être amusant – était un acte radical. Dans un monde encore dominé par un patriarcat cishet et suprémaciste blanc, Biles protégeait non seulement son corps noir mais aussi sa joie noire. Elle nous a rappelé que sa gymnastique n’est pas quelque chose à laquelle nous avons droit ; c’est un cadeau qu’elle partage avec nous à ses conditions. Biles a redéfini ce que signifie être le meilleur. Avec de multiples compétences qui portent son nom au saut, à la poutre et au sol, elle a laissé une marque indélébile sur la gymnastique. Mais la façon dont elle a repensé à quoi ressemble un champion et a continué à aider courageusement à démanteler la culture d’abus qui empêchait Strug de se défendre elle-même, peut être l’impact le plus important que Biles laisse sur son sport pour les générations à venir.

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par Lorelei Ignas

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Lorelei Ignas est une écrivaine, une dame aux chats et une militante pour la justice reproductive actuellement basée à Los Angeles.

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Culture et Feminisme

Le « faux positif » traite les utérus comme des réceptacles de la terreur

CultureÉcranmaternitéhorreur

Graine de démonLe « faux positif » traite les utérus comme des réceptacles de la terreur

Ilana Glazer comme Lucy dans Faux positif (Crédit photo : Hulu)

La dernière fille, la peur du saut, l’intrus masqué, la ligne téléphonique morte, le clown maléfique : la liste des tropes des films d’horreur est longue, et si vous en avez vu un, vous en avez vu une douzaine. Mais aucun ne semble plus avoir besoin d’une introspection contemporaine que la graine du démon, la cheville ouvrière des films classiques tels que Le présage, le bébé de Rosemary, la couvée, et, littéralement, Graine de démon. Vous connaissez l’histoire : une femme blanche tombe enceinte, complétant ce qui semble être une vie parfaite avec un beau mari adoré. Mais la grossesse est plus dure qu’on ne le pense ; la future mère devient mal à l’aise et même paranoïaque ; et une fois que l’enfant – presque toujours un garçon – est né, il est clair que quelque chose de mal est apparu avec lui. L’intrigue de la graine de démon partage une constante particulièrement insidieuse: la mère du petit fluage est traitée comme rien de plus qu’un navire par ceux qui l’entourent, du mari et de la famille aux professionnels de la santé.

Le plus souvent, elle est consciente que quelque chose ne va pas—les mères savent—mais sa peur est traitée comme irrationnelle, sa connaissance corporelle comme indigne de confiance. Au milieu d’un pressentiment dramatique, ces films reflètent une vision très réelle des femmes enceintes et des nouvelles mères comme confuses, instables et perdant contact avec la réalité d’une manière qui nécessite le soutien d’un père fort. Peu de films d’horreur ont tenté de subvertir le récit de la graine de démon, mais une exception notable est celle de 2016 Ça previent, qui, contrairement à beaucoup de ses prédécesseurs, a été écrit et réalisé par la star du film, Alice Lowe (Ruth). Cela commence par une prémisse familière : le fœtus de Ruth lui ordonne de l’intérieur de se lancer dans un carnage meurtrier, sa sage-femme lui disant même que l’enfant à naître sait ce qui est le mieux pour elle et qu’il doit suivre ses ordres. Mais dans la seconde moitié, elle se bat avec les effets physiques et mentaux réels de la grossesse (comment elle a envahi son corps, ses humeurs, ses désirs, ses besoins) et avec les perceptions stéréotypées réservées aux femmes enceintes (« elle est hystérique »). Ruth ne ressent du soulagement qu’après avoir accouché et réalisé que son enfant est une fille normale, mais il est trop tard, car son désir de tuer est devenu permanent.

Enfin, exposer le trope pour le désordre qu’il est, sans aucun grief épargné, est A24 Faux positif, sorti en juin, réalisé par John Lee et coécrit par Lee et Grande ville‘s Ilana Glazer, qui incarne également Lucy, une femme qui se tourne vers les traitements de fertilité lorsqu’elle et son mari, Adrian (Justin Theroux), ont du mal à concevoir. À un moment donné, si consciente de ce à quoi le rêve de la clôture blanche est censé ressembler, Lucy déplore que, « En tant que femme, c’est la seule chose que je suis censée être capable de faire et que je ne peux pas faire ce. » Arrive son héros, le Dr Hindle (un Pierce Brosnan parfaitement effrayant et moustachu), le meilleur docteur en fertilité de la ville. Hindle se présente comme l’homme qui peut donner aux femmes « leurs fins de conte de fées », et en effet, avec son aide, Lucy tombe rapidement enceinte. Mais Lucy et Adrian sont obligés de faire une réduction sélective lorsqu’elle apprend qu’elle porte des triplés (des garçons jumeaux et une fille), qui ne survivront probablement pas si elle les mène à terme. Le Dr Hindle et Adrian insistent pour garder les garçons, mais Lucy choisit la fille.

Alors que la grossesse se poursuit, Lucy remarque la relation de plus en plus étroite d’Adrian avec le médecin et commence à avoir l’impression qu’ils lui cachent quelque chose. Et ils sont. Mais plus les hommes insistent sur le fait que le « cerveau de maman » de Lucy est responsable de sa paranoïa, plus elle remet en question sa propre position dans la réalité. Et lorsqu’elle accouche enfin, ses craintes sont validées : elle est désormais maman de jumeaux. Au moment de la révélation, la représentation du contrôle des deux hommes sur Lucy est devenue lourde. Mais peut-être faut-il que ce soit le cas : après tout, l’idée que les mères d’enfants « méchants » sont faibles et sans défense n’est pas nouvelle, et si pour certains d’entre nous avec des utérus, cela a toujours été clair, pour d’autres, cela nécessite une orthographe. dehors. Cela signifie que nous voyons le Dr Hindle annuler le choix de Lucy tout en se présentant comme un sauveur pour les futures mères du monde entier, mais le propre mari de Lucy insiste pour qu’elle quitte un emploi dont elle est fière, devienne une mère au foyer et nomme les jumeaux. après lui. Même au travail, où tous ses collègues sont des hommes, les efforts de Lucy pour diriger un projet et gagner une promotion sont contrecarrés, et elle est réduite à prendre les commandes du déjeuner.

Il devient encore plus facile de réduire sélectivement sa une fois qu’elle tombe enceinte, et ses collègues lui parlent tous comme si elle était peut-être l’être le plus délicat du bâtiment. Le vrai mal dans Faux positif, comme dans tant d’autres récits de graines de démons, est un patriarcat qui transforme le corps des femmes en de simples réceptacles pour un certain nombre de terreurs et les laisse douter de tout, y compris de leur propre santé mentale. Considérez le moment où Le présageRobert Thorn (Gregory Peck) supplie sa femme, Katherine (Lee Remick), de lui dire ce qui pourrait l’affecter, pourquoi elle est si anxieuse ces derniers temps, et elle lui dit : « J’ai besoin de voir un psychiatre. Je… j’ai… des peurs. J’ai de telles peurs. Mais, ajoute-t-elle, « Si je te le disais, tu me mettrais à l’abri. » Il l’écarte, si confiant que quels que soient ses soucis, ils sont injustifiés et dans sa tête. Et, bien sûr, croire que votre enfant est le diable est certainement tiré par les cheveux. Mais l’éclairage au gaz de femmes telles que Lucy, Katherine, Rosemary (Mia Farrow) et les autres n’est pas si différent de ce que vivent les femmes dans la vie réelle en tant que nouvelles mères. En fait, selon une étude de 2020, le cerveau de maman est plus une « perception » détenue par la société qui s’imprime sur les mères elles-mêmes, bien que les mères soient en fait aussi attentives ou plus attentives que les non-mères.

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Faux positif prend une autre tournure dévastatrice lorsque Lucy découvre que son mari n’est même pas le père de ses jumeaux : dans un autre choix qui lui a été volé, le Dr Hindle l’a inséminée avec son propre sperme. Comme avec Guy (John Cassavetes) dans Le bébé de romarin, qui viole sa femme afin de vendre l’âme de leur enfant à naître pour assurer sa propre carrière réussie, la mère n’est qu’un moyen d’atteindre une fin. Il s’avère qu’Adrian a troqué l’autonomie de sa propre femme pour une pratique médicale conjointe avec le Dr Hindle. Lorsque ces hommes croient que leur masculinité est en jeu, ce sont les femmes qui paient le plus lourd tribut. Lorsque Lucy accuse le Dr Hindle de l’avoir violée, il se contente de rire en lui disant : « Dieu ne fait pas de bébés, moi si. Et pourtant Faux positif est une histoire fictive, le processus d’insémination de Hindle n’est malheureusement pas du tout fantastique. D’innombrables médecins de fertilité sont connus pour imprégner des femmes inconscientes avec leur sperme, y compris Donald Cline (qui a engendré au moins 50 enfants à l’insu de ses patients) ; Cecil Jacobson (qui est présumé avoir engendré au moins 75 enfants); et Quincy Fortier, qui est connu pour avoir engendré au moins 24 enfants mais est présumé en avoir des centaines d’autres, et dont l’histoire est détaillée dans le documentaire de HBO Bébé Dieu (2020).

Au milieu d’un pressentiment dramatique, ces films reflètent une vision très réelle des femmes enceintes et des nouvelles mères comme confuses, instables et perdant contact avec la réalité d’une manière qui nécessite le soutien d’un père fort.

Le réalisateur d’horreur oscarisé Jordan Peele (Sortez, Nous) a résumé la relatabilité du genre de la graine démoniaque dans un 2017 Critère entretien. Décrivant son amour pour Le bébé de romarin, il a dit: « Ma mère m’a dit que ce qui rend ce film si génial, c’est que c’est peut-être le seul film qui capture le sentiment d’être enceinte – l’insécurité, la peur, la paranoïa, le sentiment quand quelqu’un vous dit, ‘ Oh, ce ne sont que les produits chimiques et les hormones. Ce sentiment d’être apaisé. C’est un film sur le genre ; il s’agit des hommes qui prennent des décisions concernant le corps des femmes dans leur dos. Faux positif va encore plus loin en explorant le rôle du système de santé dans cette dynamique terrifiante. Un rapport du Conseil des droits de l’homme de 2016 a déclaré que «[W]Les femmes sont confrontées à un risque disproportionné d’être soumises à des traitements humiliants et dégradants dans les établissements de santé, notamment pendant la grossesse, l’accouchement et la période post-partum…. Le corps des femmes est instrumentalisé à des fins culturelles, politiques et économiques ancrées dans les traditions patriarcales. L’instrumentalisation se produit à l’intérieur et au-delà du secteur de la santé et est profondément ancrée dans de multiples formes de contrôle social et politique sur les femmes.

Dans chacun de ces films, c’est l’ego masculin qui guide les médecins et les pères. L’intuition des femmes guide nos héroïnes, mais elle permet également à leurs propres systèmes de soutien de remettre en question leur raison et de saisir la réalité. En tant que nouvelles mamans, Lucy et Rosemary ressentent une pulsion instinctive pour protéger leurs enfants, même si tout le monde et tout ce qui les entoure leur dit qu’ils sont hystériques. C’est ce qui pousse Rosemary à endormir son fils sans âme, et ce qui amène Lucy à détruire les échantillons de sperme de Hindle et lui et, dans une scène incroyablement frappante, à presser les lèvres du fœtus mort de sa fille contre son sein nu dans un spectacle d’allaitement symbolique. . C’est leur pouvoir rare mais suprême face à l’arrogance et à l’envie désespérée des démons de répandre leur semence. Et le plus effrayant, c’est à quel point c’est vrai.

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par Sadaf Ahsan

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Sadaf Ahsan est un écrivain et éditeur indépendant sur les arts et la culture basé à Toronto. Vous pouvez retrouver son travail dans MEL Magazine, Refinery29 et Flare. Elle a 50% de cheveux.

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Quelqu’un peut-il arrêter les camps de conversion religieuse ?

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Faux espoirQuelqu’un peut-il arrêter les camps de conversion religieuse ?

Julie Rodgers, survivante de la thérapie de conversion, à l’église de Prier loin (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Multitude Films)

Si une bonne ethnographie cherche à rendre l’étrange familier, alors le film documentaire réussit lorsque le public quitte le théâtre avec plus de questions que de réponses. Tel est l’accomplissement du premier long métrage de Kristine Stolakis, Priez, une rétrospective sur Exodus International, une organisation chrétienne interconfessionnelle ex-LGBTQ qui cherchait à aider les personnes qui souhaitaient réduire leurs désirs homosexuels. Retraçant l’arc parabolique de leurs psychologies queer – de la honte d’eux-mêmes à la honte de leurs actions –Prier loin des fissures ouvrent la dualité de « l’appartenance », illustrant qu’il s’agit autant d’une vulnérabilité armée par les puissants que d’une force transcendante de libération personnelle et collective.

Prier loin offre un riche sujet de discussion sur les problèmes sociaux contemporains tels que la politique de la sexualité, du mariage et de la représentation ; parler avec Stolakis souligne la profondeur de l’engagement de ce documentaire avec les questions de communauté, d’acceptation et de réalisation de soi. Prier loin est saillant car non seulement il centre la subjectivité queer, mais démontre que ces problèmes sont, avant tout, profondément humains.

C’est votre premier long métrage, alors je me demandais si vous pouviez me parler de votre processus et de votre inspiration pour le film. Que ferez-vous différemment à l’avenir?

J’ai abordé ce sujet par expérience personnelle : mon oncle a suivi une thérapie de conversion après avoir fait son coming out en tant qu’enfant trans. C’était dans les années 1960 – chaque thérapeute était essentiellement un thérapeute de conversion à l’époque. [My uncle] souffrait d’une série dévastatrice de problèmes de santé mentale – dépression, anxiété, idées suicidaires, toxicomanie – résultant directement de son expérience. Bien que j’aie appris à le connaître pendant une longue période de bonne santé mentale et de sobriété, il est finalement décédé en pensant que ses installations mentales lui avaient fait défaut à cause de sa transité, plutôt que [because of] les efforts de conversion. J’ai décidé d’honorer sa vie en engageant mon premier film dans le mouvement de la thérapie de conversion, et quand j’ai commencé à faire des recherches, j’ai été frappé par le fait que la majorité des personnes qui dirigent des organisations de thérapie de conversion sont en fait des personnes LGBTQ elles-mêmes, qui prétendent avoir passé de gay à hétéro ou trans à cis. Cela m’a permis de comprendre en profondeur pourquoi mon oncle a été amené là-dedans ; J’ai pu voir la profondeur de son espoir, son traumatisme et son auto-accusation. Faire un film documentaire sur le mouvement des ex-LGBTQ m’a aidé à aligner mon intérêt pour le pouvoir et la politique avec les conversations sur l’oppression et la souffrance qui dominent notre monde en ce moment. Pour mon prochain projet, je me pencherai sur la vie des collégiennes ; Je veux interroger comment la santé mentale interagit plus explicitement avec la politique et les systèmes d’oppression.

J’aime la façon dont vous situez le sexe et la sexualité dans les questions de communauté et d’appartenance. Il est particulièrement ironique que ces personnes queer trouvent pour la première fois ce sens de la communauté grâce à la religiosité anti-queer. Au-delà d’être un témoignage de la sexualité en tant que construction sociale, qu’espérez-vous Prier loin nous enseigne le sexe et la sexualité?

L’appartenance est l’un des sentiments les plus transcendants que nous puissions avoir en tant qu’êtres humains ; son manque peut être tout à fait dévastateur. J’en ai été témoin direct avec mon oncle : il a choisi d’être célibataire toute sa vie. Donc, à votre avis, la solitude est profondément puissante ; lorsque ces individus trouvent ce microcosme au sein de leur communauté religieuse, ils s’enivrent. Cela fonctionne comme une dépendance – cette euphorie initiale est remplacée par des dommages et des traumatismes alors qu’ils sont balayés par des tentatives de changer qui ils sont et l’intériorisation de ces messages pathologisants sur l’homosexualité. La recherche d’appartenance peut en fait manifester de l’automutilation et de la haine de soi.

Toucher l’éléphant

Je dirai une chose que j’ai ressenti le film fait traiter comme un palliatif était le mariage. Votre film se termine par des discussions sur Proposition 8 et se termine par un mariage queer, ce qui suggère que ces mouvements étaient au cœur de ses sujets et de leurs processus ultimes de devenir. Penses-tu Prier loin essentialise le mariage comme paradigme libérateur ?

Je tiens à souligner que le mariage est au cœur du film sans que le film soit À propos mariage. Oui, le film se termine avec une survivante, Julie, épousant une autre femme ; Cependant, pour moi, cette scène parlait de Julie qui allait enfin célébrer qui elle est avec une communauté de personnes qui l’aiment et l’acceptent, sans avertissement. Le mariage était accessoire ; pour Julie, il s’est juste avéré que c’était – en raison de son éducation religieuse et de ses désirs personnels – où elle a trouvé ce sentiment d’appartenance dont nous parlions plus tôt. Dans l’ensemble, cependant, mon équipe et moi-même sommes d’accord et avons discuté explicitement de l’importance excessive accordée au mariage dans l’activisme LGBTQ.

À un moment donné du film, John Polk, un leader du mouvement Exodus, déclare : « Je n’avais pas l’impression de pouvoir être honnête [about who I was and my self-doubt] parce que je ne suis pas juste assis ici pour me représenter, je représente l’ensemble du mouvement. Les limites de la représentation sont un sujet de plus en plus tendancieux en ce moment. Comment pensez-vous que le film documentaire, et ce film en particulier, créent des opportunités pour surmonter la malhonnêteté inhérente à la représentation ?

Cela vient vraiment à un point critique dans mon film car les histoires personnelles des gens sont utilisées pour représenter un message incroyablement dommageable. Cette confusion entre l’histoire personnelle et le mouvement est une raison – pas une excuse – pour laquelle il a fallu si longtemps à beaucoup de dirigeants pour quitter le mouvement. Ils se sentent comme des échecs personnels parce qu’ils savent qu’ils ne vont pas changer mais qu’ils représentent un espoir pour les autres. Le problème, c’est que l’espoir est un faux espoir et qu’il est facile de se laisser piéger, financièrement, psychologiquement ou autrement. Elle exige que les individus représentant le mouvement soient statiques ; ils ne peuvent pas changer. Cela puise dans notre culture plus large et persistante de l’homophobie et de la transphobie. La détransition, par exemple, est devenue un point de référence croissant dans les conversations culturelles, y compris celles qui promeuvent l’avalanche de législations anti-trans qui déferlent sur notre pays. Il y a des conséquences politiques au changement personnel ; dans le cas de notre film, pour la droite religieuse, mais aussi d’autres types d’espaces, y compris progressistes.

L’appartenance est l’un des sentiments les plus transcendants que nous puissions avoir en tant qu’êtres humains ; son manque peut être tout à fait dévastateur.

Vous parlez de piège financier. Où est l’argent là-dedans ? Qui a tout à gagner ?

Lorsque l’homosexualité a été déclassifiée du DSM en 1973, un petit nombre de thérapeutes agréés ont continué à pousser la pseudoscience maintenant réfutée de la conversion. Bien qu’il s’agisse d’un mouvement largement religieux, le mouvement ex-LGBTQ s’appuie sur des thérapeutes agréés qui ont l’autorité de la blouse blanche et lui confèrent une légitimité. Cette suggestion que [a gay person] est à la fois spirituellement et psychologiquement malade est extrêmement toxique. C’est incroyablement traumatisant. J’ai vu ça avec mon oncle. C’était un homme incroyablement intelligent. Je me souviens avoir fouillé chez lui après son décès et trouvé d’innombrables brochures psychologiques et livres blancs cliniques sur la «science» de la conversion. Il a effectué ce type de recherche, et je ne sais pas si je pourrai un jour mettre des mots sur ce que c’était que de trouver ces lectures chez lui.

C’est là que va l’argent—aux thérapeutes de conversion. Les dirigeants du mouvement ex-LGBTQ ont en fait tant sacrifié pour faire du mouvement une réalité. Ils ont pris un deuxième emploi, refinancé leur maison, ils y croyaient vraiment. Ce sont les thérapeutes, qui reçoivent les primes des anciens clients du ministère LGBTQ, qui doivent se regarder dans le miroir.

Y a-t-il autre chose que vous aimeriez partager sur le film ?

Je tiens à dire que si les États peuvent interdire la thérapie de conversion, ils ne peuvent le faire que pour les praticiens agréés ; ils ne peuvent pas arrêter les institutions religieuses. La loi ne peut nous mener que jusqu’à présent ; un véritable changement nécessitera un dialogue permanent et de véritables changements d’esprit. C’est le but derrière Prier loin.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

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par Reece Sisto

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Reece Sisto est un journaliste indépendant basé à New York. Il passe la plupart de son temps libre à lire et à se plaindre ; pour plus de ces derniers, consultez son Twitter. Il co-anime également Attention à l’écart, un podcast sur le sexe et l’intimité queer, disponible sur Spotify et Apple Podcasts.

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« Rutherford Falls » avait-il besoin de centrer un homme blanc ?

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Mine terrestre« Rutherford Falls » avait-il besoin de centrer un homme blanc ?

Jana Schmieding comme Reagan Wells, à gauche, et Ed Helms comme Nathan Rutherford dans Chutes Rutherford (Crédit photo : Colleen Hayes/Peacock)

Nathan Rutherford (Ed Helms) n’est pas difficile à reconnaître. En tant que protagoniste fictif de la nouvelle émission de Peacock Chutes Rutherford, il sert en quelque sorte de remplaçant aux hommes blancs en colère d’Amérique qui, ces dernières années, ont déploré le démantèlement de leurs statues, la « réécriture » de leur histoire, le retrait des noms et mascottes racistes de leurs équipes sportives – qui ont, en d’autres termes, assisté au glissement lent mais sûr de leur mainmise blanche sur le pouvoir culturel. Sauf, insiste la série, Nathan est vraiment un bon gars, ou comme le créateur de la série Michael Schur l’a dit au Nine Network en Australie, « un gars avec un bon cœur ». Il a juste une faiblesse, explique Schur, « à propos des récits qui lui ont été nourris sur lui-même, sa famille, l’histoire américaine et tout ça ». Il est sympa. Il est bien intentionné. Son meilleur ami de toujours est une grosse femme autochtone, Reagan Wells (Jana Schmieding). Il a même un stagiaire non rémunéré et non conforme au genre nommé Bobbie Yang (Jesse Leigh), et il utilise systématiquement leurs pronoms corrects.

C’est comme si le spectacle disait, Allez Amérique, à quel point cet homme pourrait-il être mauvais ? L’amour de Nathan et Reagan pour l’histoire les a toujours unis, jusqu’à ce que le rêve de Reagan d’ouvrir un centre culturel dédié à la tribu fictive Minishonka commence à gêner le musée existant de Nathan, dédié à l’héritage de sa famille. Soudain, ces deux nerds de l’histoire doivent confronter leurs récits concurrents sur la ville et s’affronter dans le processus. En apparence, le thème central de l’émission est une enquête sur la façon dont des Blancs bien intentionnés échouent – de manière répétée et spectaculaire – à reconnaître leur histoire et sur ce qu’il faut pour surmonter leurs préjugés non reconnus. De cette façon, cela peut parfois ressembler à un projet visant à humaniser les réactions instinctives de l’Amérique blanche dominante à regarder des récits chers s’effondrer face à des faits plus laids. Mais la série promet également quelque chose de nouveau : lorsque la productrice Navajo, Sierra Teller Ornelas, est arrivée en tant que showrunner, elle a dit à Schur et Helms qu’ils avaient besoin de plus d’acteurs autochtones. Il y avait déjà un ou deux personnages autochtones dans le script, mais, a proposé Ornelas, « Et s’il y en avait 10 ? »

Cinq des 10 scénaristes de la série sont autochtones, dont Schmieding, un ancien instituteur et membre de la tribu Cheyenne River Lakota Sioux. Ce nombre compte non seulement en raison du manque historique de créateurs de films et de télévisions autochtones (Ornelas est le premier Amérindien à diriger une comédie télévisée), mais aussi en raison du traitement toujours terrible et stéréotypé des personnages autochtones à l’écran. « Hollywood est brutal envers les peuples autochtones depuis essentiellement l’invention du cinéma », écrit Simon Moya-Smith, citoyen de la nation Oglala Lakota et professeur de nouveaux médias, dans un essai de NBC News. En effet, ce sont en grande partie des hommes blancs qui se sont inspirés de caractérisations rudimentaires déconnectées de la vie autochtone contemporaine. En ce qui concerne le casting de ces rôles, il est courant de choisir des acteurs non autochtones dans les quelques rôles autochtones qui sont écrits. Le Ranger solitaire.

Il n’est donc pas surprenant que Chutes Rutherford a été reçu avec enthousiasme, soulagement et anticipation par de nombreux Autochtones et non-Autochtones. « La première comédie télévisée avec un showrunner amérindien », le New York Times proclamé. Pays indien aujourd’hui a salué la salle des écrivains comme « l’une des plus grandes salles d’écrivains autochtones à la télévision ». Écrire dans le Nouvelle République, Nick Martin a souligné que « la moitié de la distribution est constituée d’acteurs autochtones jouant des citoyens Minishonka, et les meilleurs épisodes de la saison sont réalisés par des réalisateurs autochtones ». Et Moya-Smith a qualifié le spectacle de lueur d’espoir: « J’espère que l’ancienne façon blanche de raconter nos histoires touche à sa fin. » Les progrès réalisés par le spectacle pour amener les perspectives et les récits autochtones dans le présent sont indéniables, tout comme son humour et sa joie. La ville (parfaitement diversifiée) de Rutherford jouxte la réserve Minishonka, dont le casino est dirigé par le fier capitaliste Terry Thomas (Michael Greyeyes). Lorsque Terry et Reagan assistent à une conférence sur les jeux, il est impossible de ne pas rire de la valise que Reagan a apportée exclusivement pour le « swag ». Le spectacle réussit à être drôle d’un bout à l’autre, malgré des moments de gravité. Certains des points de l’intrigue les plus sérieux – comme la lutte de Reagan pour retrouver les bonnes grâces de la tribu après avoir abandonné son fiancé et quitté la ville pour poursuivre une maîtrise – donnent certaines des scènes les plus drôles, de la manière que les choses qui sont les plus difficile peut aussi devenir un véhicule pour la comédie.

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Pour un spectateur autochtone, la partie frustrante est de reconnaître Chutes Rutherford comme une émission centrée sur la blancheur masculine, comme si ce n’était que par procuration de Nathan Rutherford qu’un spectateur non autochtone pourrait éventuellement comprendre et se soucier de son intrigue autochtone plus large. La série passe beaucoup de temps à construire l’héritage de la famille Rutherford, de ses membres et de l’enfance de Nathan, alors que je voulais en savoir plus sur l’histoire de la famille de Reagan. Nous obtenons notre caractère de femme autochtone fort et complexe, mais seulement en accompagnement du plat principal d’un homme blanc fade. Cela dit, l’écriture de l’émission indique clairement que les téléspectateurs sont censés remettre en question la dynamique entre Reagan et Nathan. « J’ai rencontré le gars deux fois et les deux fois vous poussiez votre truc de côté pour vous concentrer sur lui », dit l’intérêt amoureux de Reagan, le journaliste de NPR Josh (Dustin Milligan), alors qu’il l’encourage à tenir tête à Nathan et à se donner la priorité. Pourtant, à la fin de la première saison, c’est Nathan que Josh choisit comme sujet de son podcast : « Un malheureux rube représentant une famille Mayflower autrefois vénérée ne parvient pas à empêcher sa propre disparition. »

Nous obtenons notre caractère de femme autochtone fort et complexe, mais seulement en accompagnement du plat principal d’un homme blanc fade.

Chutes Rutherford est conciliant, nous incitant à croire et à enraciner une éventuelle résolution entre Nathan et Reagan. Comme dans les autres sitcoms de Schur (Le bon endroit, Parcs et loisirs), l’émission s’attaque aux clivages moraux et éthiques, rassurant le spectateur que les gens veulent vraiment faire la bonne chose, même si leur chemin est plein de faux pas. Nathan et Reagan peuvent chacun obtenir ce qu’ils veulent : leurs deux versions de l’histoire peuvent coexister. Il n’y a qu’une seule réalité gênante – la terre – que le spectacle met en place de manière spectaculaire. Pourtant, l’histoire s’appuie sur un récit agréable qui a gagné du terrain dans le calcul de la race et de l’histoire au cours de l’année écoulée : l’Amérique peut toujours être le grand pays qu’elle promet, après avoir fait le travail de compréhension des atrocités passées qui se sont produites ici. Mais les autochtones ne sont pas responsables de trouver comment réparer l’Amérique. Le processus de création du spectacle fait allusion à ce résultat.

L’idée a commencé avec Schur et Helms, et ils ont ensuite amené Ornelas parce que, selon ses propres mots, « ils voulaient que quelqu’un de non-blanc collabore avec eux ». Mais comme le note Martin dans son Nouvelle République pièce, plus d’institutions et d’individus blancs devraient se retirer, au lieu de s’attendre à ce que les créateurs autochtones greffent leurs idées sur les récits déjà formés et sûrs que les écrivains blancs racontent : Chutes Rutherford, écrit-il, « allait toujours être limité par une lentille blanche ». Il est facile de voir des reflets de cette dynamique dans le dialogue de la série, comme lorsque Reagan convainc finalement Terry, son patron, de faire payer au casino la facture de son centre culturel, puis repense rapidement sa stratégie. «                                                                                                                                                                                                                                                                                                         . elle demande à Terry. « Est-ce que j’en aurais eu plus ? » « Oui, » dit Terry. De même, les téléspectateurs n’ont pas besoin que Nathan se soucie de Reagan. Le public est prêt ; le talent est là. Et la vue d’autres productions dirigées par des autochtones à l’horizon prouve non seulement que nous pouvez demander plus, mais que nous devrions.

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Amanda Gokee, une femme blanche aux cheveux bruns, regarde directement la caméra en posant dehors

par Amanda Gokee

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Amanda gokee est un écrivain vivant dans le Vermont. Ses travaux récents ont été publiés par le Revue de livres de Los Angeles, Atlas Obscur, et VTDigger, entre autres.

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La trilogie « Fear Street » refuse d’enterrer ses gays

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Peur homosexuelleLa trilogie « Fear Street » refuse d’enterrer ses gays

Maya Hawke dans le rôle de Heather La rue de la peur, première partie : 1994 (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Netflix)

Pendant des décennies (voire des siècles), l’horreur et tout ce qui l’accompagne : Halloween, les sorcières et, récemment, le Babadook – ont souvent été associés à l’homosexualité. Cela ne veut pas dire que les éléments du genre sont intrinsèquement «gays», ou que la sorcellerie moderne ou les racines païennes d’Halloween sont spécifiquement queer. Mais dans les cercles queer, l’horreur et son esthétique sont souvent revendiquées et plaisantées comme existant «pour les gays». Que ce soit parce que d’autres jours fériés, comme Thanksgiving et Noël, peuvent être difficiles pour les membres de la communauté LGBTQ, ou que ce soit l’occasion d’exprimer et de célébrer l’altérité qui enthousiasme les homosexuels pour Halloween, cela ne fait que suivre encore et encore. Mais en dépit d’être aimés par le public LGBTQ, les personnes queer sont rarement représentées dans le genre de l’horreur. Et quand ils le sont, ils ne s’en sortent certainement pas très bien. Pour être juste, l’horreur est rarement agréable et peu de personnages gagnent vraiment en matière de genre. Et la souffrance des homosexuels n’est pas exclusivement reléguée aux histoires d’horreur. Par exemple, le trope Bury Your Gays – un dispositif d’intrigue galvaudé dans lequel l’un des rares personnages queer ou le seulement le personnage queer est tué tandis que la distribution principalement hétérosexuelle continue de vivre – est vu dans tous les genres médiatiques. Mais l’horreur tue souvent des personnages marginalisés qui sont « autres » dans la société. Plus particulièrement, les personnages noirs étaient souvent connus pour être les premiers à mourir dans les films d’horreur. Si un personnage lesbien apparaissait un jour à l’écran, elle ne deviendrait certainement jamais la fille qui survit à la fin, alias la Final Girl. Cette fille, comme Nancy (Heather Langenkamp) dans la version 1984 de Le cauchemar sur Elm Street ou Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) dans Halloween, est souvent une fille vierge, hétéro et blanche qui survit à tous ses amis. Heureusement, le nouveau Netflix Rue de la peur la trilogie tue (jeu de mots) ces deux tropes spécifiques et les fait fonctionner, tout en rendant hommage à l’horreur classique.

je ne savais pas au départ Rue de la peur tournait autour d’une histoire d’amour queer, mais j’étais attiré par une trilogie vaguement basée sur la série de livres éponyme de RL Stein. Bien sûr, l’adaptation cinématographique de Netflix diffère grandement des livres. Alors que les livres se concentraient sur la malédiction de la famille Fier causant une série de meurtres sur Fear Street à Shadyside, les films ajoutaient l’histoire de Sarah Fier, les raisons pour lesquelles elle a « maudit » Shadyside et la relation queer au centre de tout. Sarah Fier est la plus ancienne légende urbaine de Shadyside. Accusée d’être une sorcière qui a maudit la ville, elle est apparemment responsable d’une série de meurtres inexpliqués. Bien qu’elle soit considérée comme la méchante dans les deux premiers films, elle est en fait victime d’homophobie et de misogynie. La révélation de l’innocence de Sarah a donné au public une horreur qui a renversé les attentes. Parce que, soyons réalistes : combien de films slasher lourds de trope pouvons-nous voir avant qu’il ne commence à sembler répétitif ? Pourquoi refaire le même film encore et encore ?

Rue de la peur répond parfaitement à cette question : cette trilogie existe parce qu’elle refuse de donner la priorité aux pistes blanches et droites comme les films slasher du passé. Il centre les personnages queer au cœur de son histoire, subvertit le récit de Final Girl et, à la fin, défie le trope Bury Your Gays.

Vibromasseur Renarde

Carol J. Clover, qui a inventé le terme Final Girl dans son livre de 1992 Hommes, femmes et tronçonneuses : le genre dans le film d’horreur moderne, l’a définie comme la seule femme qui arrive à la fin d’un film slasher. C’est souvent une brune au nom unisexe qui s’abstient de relations sexuelles et ne boit généralement pas d’alcool ni ne consomme de drogues récréatives. Les films d’horreur tentent de subvertir le trope depuis des décennies : Crier‘s Sidney Prescott (Neve Campbell) a des relations sexuelles et survit encore, tandis que Joyeux jour de la mort‘s Tree Gelbman (Jessica Rothe) doit littéralement mourir plusieurs fois pour se sauver. Même Buffy Summers (Sarah Michelle Gellar), qui a des relations sexuelles avec plusieurs partenaires et meurt deux fois, revient à la vie pour tuer les monstres de Sunnydale et sauver la situation dans la série Buffy contre les vampires.

Partie unLes deux protagonistes de Deena (Kiana Madeira) et sa petite amie Sam (Olivia Scott Welch) ne correspondent pas aux critères de Final Girl. Bien que Sam ait un nom unisexe, elle a les cheveux blonds et prend intentionnellement de la drogue pour faire une overdose et, espérons-le, arrêter la malédiction qui la possède. Deena, qui sauve la situation dans Partie trois, n’est pas non plus la piste d’horreur traditionnelle : elle n’est pas blanche, a des relations sexuelles et est homosexuelle. En fait, Deena et Sam ont pas mal de relations sexuelles tout au long du film : même lorsque Deena est temporairement transportée en 1666 dans l’esprit de Sarah Fier dans La rue de la peur, troisième partie : 1666, elle et Sam, qui s’est réincarné en Hannah Miller, l’amante interdite de Sarah, partagent un moment intime.

Pourtant, ces anti-Final Girls survivent aux trois films et mettent fin à la malédiction de leur ville une fois pour toutes.

Rue de la peur centre les personnages queer au cœur de son histoire, subvertit le récit de Final Girl et, à la fin, défie le trope Bury Your Gays.

Historiquement, le sexe et l’horreur vont de pair, et comme le film de 2015 Finale Filles fait remarquer en plaisantant que les personnages sont souvent tués alors qu’ils sont intimes ou immédiatement après. La rue de la peur, deuxième partie : 1978 suit Ziggy Berman (Sadie Sink), un Shadysider rebelle et angoissé au Camp Nightwing dont la sœur coincée, Cindy (Emily Rudd), correspond aux critères d’une Final Girl classique. Ce n’est qu’à la fin du film que nous apprenons que Ziggy, dont le nom complet est Christine, survit au petit ami possédé de Cindy en train de se livrer à une tuerie. Cindy et son ancienne amie, Alice (Ryan Simpkins), se réconcilient assez longtemps pour combattre le slasher, nous offrant de superbes séquences d’action en cours de route. C’est une Final Girl parfaite, jusqu’à ce qu’elle meure. C’est une tournure choquante qui offre un 180 complet de ce que le public d’horreur est prêt à soupçonner.

Bien qu’il soit intéressant de noter que Sarah Fier meurt en 1666 et qu’elle ne revient pas à la vie, sa mort ne provoque pas nécessairement le désespoir. Au moment où nous apprenons l’histoire d’amour tragique de Sarah et Hannah et la vérité sur la trahison de Solomon Goode (Ashley Zukerman), nous pouvons être rassurés par le fait que Deena témoigne de son histoire. Deena vit, nous donnant l’espoir que la mort de Sarah n’a pas été vaine. Hors contexte, ou entre les mains d’un film d’horreur moins intentionnel, la mort de Sarah Fier pourrait constituer un moment Bury Your Gays. La scène est difficile à regarder, et une femme homosexuelle est toujours brutalisée et blessée à cause de la misogynie, de l’homophobie et de la bonne vieille hystérie chrétienne. Mais dans le contexte de la trilogie, sa mort est cyclique. Bien que la mort de Sarah soit une tragédie, Sarah n’ayant jamais pu embrasser Hannah au soleil, cela a finalement attiré Sam et Deena dans ce voyage et de nouveau l’un vers l’autre.

Rue de la peur ce n’est peut-être qu’un film d’horreur, mais cela pourrait aussi représenter une nouvelle aube dans le genre. Bien que j’aimais l’horreur quand j’étais enfant, je me suis habitué à accepter des miettes quand il s’agissait de représentation queer. Pourtant, de nombreux fans d’horreur queer, moi y compris, se sont accrochés à des sous-textes queer et à des moments gays clairsemés, tels que Buffyle couple bien-aimé de Tara et Willow (Amber Benson et Alyson Hannigan), et la relation homosexuelle entre Xena et Gabrielle (Lucy Lawless et Renee O’Connor) dans Xena : princesse guerrière. Mais alors, bien sûr, ces émissions nous ont également déçus, avec Buffy contre les vampires mal géré son seul scénario homosexuel. Heureusement, les médias ont désormais plus d’opportunités d’éviter de tomber dans le piège consistant à utiliser des tropes datés et homophobes. Oui, l’horreur est l’horreur ; les tueurs vont tuer, et une grande partie d’entre nous le veut. Mais Rue de la peurLa fin de était encore assez importante : Deena et Sam s’en sont sortis vivants, devenant deux filles queer qui peuvent se prélasser et s’embrasser au soleil.

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par Alani Vargas

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Alani Vargas est une journaliste de divertissement avec des crédits d’écriture chez Bitch Media, Vogue, Bustle, The AV Club, Remezcla, et plus encore. Elle rit pendant les films d’horreur, mais Halloween est sa fête préférée. Ses personnages préférés de tous les temps sont Poison Ivy, Buffy Summers, Villanelle et Wanda Maximoff. Et oui, « Night Shift » de Lucy Dacus la frappe toujours là où ça fait mal. Vous pouvez suivre Alani sur Twitter et Instagram.

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