Laura Donnelly comme Amalia True et Ann Skelly comme Penance Adair dans Les Nevers (Crédit photo: Keith Bernstein / HBO)

Les Nevers, facturé par le Los Angeles Times en tant que «prochaine grande série fantastique» de HBO, était la plus récente des œuvres très attendues de Joss Whedon, c’est-à-dire jusqu’à ce que la réputation du réalisateur commence à s’effondrer publiquement et qu’il quitte la série en novembre 2020, invoquant l’épuisement. Depuis lors, plusieurs collègues ont accusé Whedon d’abus. En juin 2020, Ligue de justice L’acteur Ray Fisher, qui a joué Victor Stone dans le film, a déclaré à un panel en direct que le traitement par Whedon de la distribution et de l’équipe du film était «grossier, abusif, non professionnel et totalement inacceptable». De même, Charisma Carpenter, qui, jusqu’à son départ soudain, jouait Cordelia Chase dans Buffy contre les vampires et puis à nouveau dans le spin-off de la série ange, tweeté en février 2021: «Joss Whedon a abusé de son pouvoir à de nombreuses reprises alors qu’il travaillait ensemble sur les plateaux de Buffy contre les vampires et ange…. Les incidents inquiétants ont déclenché une condition physique chronique dont je souffre toujours.

La tendance de Whedon à abuser émotionnellement des femmes et des personnes de couleur opère en contraste frappant avec la réputation de «féministe masculine» qu’il s’était créée: alors qu’il était autrefois largement respecté pour la création de «personnages féminins forts» (bien qu’il ait été constamment accusé de perpétuer le faux féminisme ), en 2021, son féminisme a été largement démystifié en tant que «misogynie tranquille» – une conséquence de la priorité accordée aux «génies créatifs» masculins blancs cis par rapport aux allégations d’abus. Les Nevers était censé être le prochain succès de Whedon, mais depuis qu’il a démissionné de ses fonctions d’écrivain, de réalisateur, de producteur exécutif et de showrunner, le marketing de l’émission a évité de mentionner son implication. Cependant, son apport créatif – et tout son bagage problématique – alourdit incontestablement le potentiel de l’émission.

Les Nevers raconte l’histoire des Touched, les femmes victoriennes qui ont des super pouvoirs extraordinaires. Parmi les Touchés figurent Amalia True (Laura Donnelly), une veuve avec un penchant pour les combats au poing, et Penance Adair (Ann Skelly), une inventrice qui peut voir et contrôler les flux d’électricité. Pour des raisons qui ne sont pas claires dans les quatre premiers épisodes disponibles pour les critiques, le duo a décidé de fournir un logement à d’autres personnes touchées. Un synopsis de HBO décrit Amalia et Penance comme «les champions de cette nouvelle classe inférieure», qui se battent contre «à peu près toutes les forces – pour faire de la place à ceux que l’histoire telle que nous la connaissons n’a pas sa place». En effet, Les Nevers est constamment animé par les ennemis des Touchés, ce qui rend difficile pour le spectateur de comprendre ce qui se passe réellement. C’est un problème sur plusieurs fronts: il y a trop de personnages, trop d’intrigues à enjeux élevés et pas assez d’explications sur la façon dont tout cela se connecte.

Tout au long de l’émission, il y a un sentiment que nous devrions comprendre les Touchés comme une sorte de population marginalisée. Les pouvoirs qui les rendent uniques sont également ce qui pousse les gens à les haïr et à commettre des violences à leur encontre. Malheureusement, la métaphore ne se pose pas tout à fait et expose à la place l’incompréhension vide de Whedon des histoires de femmes. La série investit si fortement dans ce trope de marginalisation par la magie que la plupart des personnages sont définis par leurs pouvoirs obscurs plutôt que par une caractérisation étoffée. Par exemple, Mary Brighton (Eleanor Tomlinson) a le pouvoir de chanter une chanson que seules les autres personnes touchées peuvent entendre. Le point de ce pouvoir n’est pas clair, et le spectateur ne découvre pas pourquoi cela compte avant que Mary ne soit brutalement abattue, encore une fois, pour des raisons qui ne sont pas expliquées. Avant son meurtre, Mary ne parle que de son pouvoir et de la façon dont être touchée est un type de marginalisation – mais au-delà de son emménagement dans le logement d’Amalia et de Penance pour les Touchés et de sa mort brutale, il n’y a aucune preuve réelle de la façon dont une belle femme blanche avec une voix angélique est marginalisée.

Le grand nombre de personnages rend probablement la tâche de caractérisation difficile – dans l’état actuel des choses, «fille géante» et «fille qui parle des langues différentes» sont le seul moyen pour les téléspectateurs de distinguer les personnages. Par conséquent, ces «personnages féminins forts» sont en fait un groupe unidimensionnel de marginaux essayant désespérément et échouant à se plier à un public féministe. Au-delà du manque de caractérisation, il est difficile de croire que les Touchés sont vraiment marginalisés (au-delà des éclats de violence aléatoires de démons inexpliqués qui semblent les persécuter sans relâche) lorsque les personnages principaux sont des femmes valides, minces, blanches et hétéros qui se frottent souvent les coudes avec des membres de la haute société victorienne et ont suffisamment de ressources pour en loger plusieurs. L’émission tente de déplacer la marginalisation sur des corps non marginalisés afin que le spectateur soit plus susceptible de faire preuve d’empathie – mais elle révèle simplement que Whedon (et vraisemblablement la salle des écrivains) n’a pas une compréhension suffisante de la marginalisation pour être en mesure de subvertir il narrativement.

Par exemple, Amalia et Penance mentionnent souvent la marginalisation qu’ils subissent en raison de leurs pouvoirs – et pourtant, on montre qu’ils ont des liens distingués. Outre les attaques de démons inexpliquées, une grande partie des expériences de «marginalisation» de Pénitence peut être liée à Augustus Bidlow (Tom Riley) qui la rejette lors d’une fête en raison de son statut de Touché. C’est comme si les scénaristes de l’émission pensaient que la marginalisation était «de mauvaises choses qui arrivaient aux minorités» plutôt que l’effet d’une société d’exclusion et d’oppression par conception. Cette logique explique certainement pourquoi les Touchés semblent vivre la plupart du temps en harmonie jusqu’à ce qu’ils soient violemment attaqués pour avoir du pouvoir, plutôt que de démontrer leur «marginalisation» à travers une narration plus texturée. Cela devient extrêmement évident lorsque certains tropes historiquement offensifs sont introduits dans l’histoire, et qu’il n’y a aucune tentative de les présenter sous un nouveau jour. Prenons, par exemple, le personnage du Dr Horatio Cousens (Zackary Momoh), un homme noir touché par le pouvoir de guérison.

Le spectateur est d’abord présenté à Horatio lorsqu’il guérit Amalia après qu’elle a été dans un combat particulièrement brutal. Pendant qu’il la guérit, Amalia lui dit qu’il mérite mieux que de réparer «les gangsters et les monstres», ce à quoi Horatio répond qu’il n’a pas le choix car il est considéré par la société comme un sorcier vaudou en raison de sa race et de ses capacités extraordinaires. Ce dialogue serait intelligent si le personnage d’Horatio était ensuite développé au-delà du fait qu’il est l’assistant et le conseiller d’Amalia. Mais la série refuse de voir Horatio comme autre chose qu’un nègre magique, un trope qui représente généralement un homme noir doté de pouvoirs mystiques qui n’existe dans l’histoire que pour soutenir le personnage principal blanc à travers sa magie et en leur apportant un soutien émotionnel. C’est exactement ainsi qu’Horatio se présente: les seules fois où il passe beaucoup de temps à l’écran, c’est lorsqu’il est appelé pour soigner Amalia et lui donner son soutien et ses conseils sur la façon d’éviter les ennuis. Et au-delà du rôle d’aide d’Horatio – une tentative de représentation déjà imparfaite – aucun des personnages mineurs de couleur n’a de rôle significatif dans la série.

De même, le personnage unique de femme ouvertement queer est décrit comme un méchant violent et répugnant dont la brutalité n’est jamais tout à fait abordée. Maladie (Amy Manson) est une ennemie instable et instable d’Amalia qui habite dans les égouts et dont les seuls traits de caractère sont une femme hystérique et étrange avec des plaies inexpliquées sur tout le visage. Les critiques ont écrit que le personnage de Maladie est un travail de copier-coller de angeDrusilla (Juliet Landau), et vu que les précédentes représentations de Whedon de femmes queer se sont terminées dans la misère, il n’est pas surprenant de voir ce trope de méchant queer non examiné dans Les Nevers. Bien que la série ait un autre personnage queer, le pansexuel Hugo Swan (James Norton), il est difficile de regarder au-delà de l’association de la bizarrerie féminine avec la méchanceté. Lavinia Bidlow (Olivia Williams), le seul personnage visiblement handicapé de la série, est un autre exemple de la façon dont la série comprend mal la marginalisation. Lavinia est un méchant qui lobotomise les Touchés et les asservit à creuser des tunnels souterrains.

Le trope du méchant physiquement handicapé est, comme le manque de caractérisation d’Horatio, simplement introduit avec désinvolture sans tentative de subversion. Ce trope a été historiquement critiqué parce qu’il associe le handicap physique à l’immoralité et à la perversité. Les méchants handicapés sont généralement surreprésentés car leur handicap est utilisé pour rendre leur immoralité plus sinistre. Tel quel, Les Nevers semble simplement introduire le personnage de Lavinia sans tenter de renverser le trope que les corps brisés signifient des personnes brisées. En fin de compte, Les Nevers est une tentative désordonnée de reproduire le succès des précédents projets Whedon. Mais cette fois, les effets persistants du comportement en coulisse de Whedon laissent le spectateur incapable de nier les tentatives flagrantes de la série de s’adresser à un public progressiste à travers une représentation vide et de faibles métaphores de marginalisation. Si Whedon avait appris des innombrables critiques féministes de son travail au fil des ans, peut-être Les Nevers serait en fait à la hauteur du battage médiatique.

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par Marina Watanabe

19 février 2021

Pour comprendre le reconditionnement ringard de Joss Whedon sur les droits envers les femmes et leur corps, il ne faut pas chercher plus loin que le sous-texte de «Buffy contre les vampires».

Crédit photo: Victoria Heath / Unsplash

Jenna Mahale est la boursière en rédaction 2021 de Bitch Media en technologie

En février 2020, l’écrivain Lyz Lenz était sur le point de lire le dernier chapitre du dernier livre de la série Harry Potter avec ses enfants. Sa fille a saisi ce moment comme une occasion de célébrer la fin d’un voyage qu’ils avaient fait ensemble pendant si longtemps, en tendant le bras pour une poignée de main et en déclarant solennellement: «Ce fut un honneur. Plus tard, après que Lenz ait publié un tweet sur le moment comique, la conversation s’est transformée, comme beaucoup le font sur le site, en une discussion hyperpolitique, et finalement une critique des choix de Lenz en tant que parent, ainsi que de savoir si elle avait fait ou non. le tout en place. «Je ne suis pas à moitié aussi créative que mes enfants», dit-elle. «J’aimerais pouvoir proposer un dialogue aussi bon que ce que dit ma fille.»

Ancien New York Times L’écrivain Charlie Warzel a qualifié ce genre de situation d’exemple de «l’effondrement du contexte», quelque chose qui se produit lorsqu’un message sur les réseaux sociaux s’éloigne de son public cible pour être reçu par un autre, «qui lit ensuite ces informations avec la pire foi possible. . » Dans une dépêche du 13 avril de sa sous-pile, intitulée «Ce n’est pas la culture d’annulation – C’est un échec de plate-forme», Warzel parle à la journaliste Elle Hunt de sa propre expérience récente avec un tweet follement décontextualisé – une question de savoir si les films d’horreur peuvent être placés dans l’espace. Hunt pense que le classique culte de 1979 est ludique et désinvolte Extraterrestre se renonce au genre de l’horreur parce qu’il se déroule dans l’espace, a été catapulté dans la super-viralité par le widget Trending Topics de Twitter, ce qui lui a valu plus de 6000 tweets de citations en colère du jour au lendemain.

«Cela me semble mal d’appeler ce qui m’est arrivé de harcèlement», a déclaré Hunt à Warzel. « Et pourtant, quand on regarde le volume et la fréquence de son entrée, il est difficile d’en parler autrement que comme du harcèlement. » Mais il existe une différence marquée entre le harcèlement en tant qu’effet secondaire de la viralité et le harcèlement alimenté par un sectarisme déterminé et au vitriol: d’une part, le premier a tendance à être du ressort d’utilisateurs plus privilégiés disposant de grandes plates-formes, bien qu’il y ait bien sûr des chevauchements. Cependant, les deux sont endémiques aux plates-formes sociales à grande échelle comme Twitter et, malheureusement, une fonctionnalité plutôt qu’un bogue. La facilitation du harcèlement sous ses nombreuses formes est peut-être la stratégie de contenu la plus fiable des médias sociaux.

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Dans «Angry by design: communication toxique et architectures techniques», un article de 2020 publié dans la revue Communications en sciences humaines et sociales, le chercheur Luke Munn postule que les espaces numériques sont construits à dessein de la même manière que les espaces urbains sont planifiés: «Ce design n’est pas un environnement neutre qui apparaît simplement, mais est plutôt planifié, prototypé et développé avec des intentions particulières à l’esprit. Les modifications de la conception du site qui sont ostensiblement effectuées sous prétexte d’améliorer l’expérience utilisateur ne sont, en réalité, vraiment bénéfiques que pour les plates-formes elles-mêmes. Un exemple convaincant de ceci est, bien sûr, la réorganisation non chronologique de nos flux de médias sociaux il y a quelques années.

«La décision quant au contenu à nous montrer est plutôt basée sur la probabilité que nous nous y engagions», écrit Tobias Rose-Stockwell dans Quartz. «Les réactions émotionnelles comme l’indignation sont de puissants indicateurs d’engagement. Avec l’algorithme le plus basique qui trie nos flux, ce type de contenu qui divise sera affiché en premier, car il capte plus d’attention que les autres types de contenu.  » La colère engendre la colère engendre la colère. Les tweets de citation, en particulier, sont particulièrement enclins à produire ce que Rose-Stockwell appelle des «cascades d’indignation»; il les décrit comme exponentiellement infectieux, une explosion virale de «jugement moral et de dégoût».

« C’est bien d’être un connard », m’assure Lenz, « mais c’est pourquoi Jésus-Christ a inventé le texte de groupe. » La journaliste et auteure de 38 ans a reçu plus que sa juste part d’abus en ligne, mais elle pense que ses effets sur sa vie ont, dans l’ensemble, fait d’elle une personne plus généreuse et empathique. «Quand cela a commencé à arriver, je me suis dit: ‘Oh, bien, merde tout le monde’, mais maintenant, cela m’a rendu plus gentil avec les gens», dit-elle. «J’essaye de leur donner le bénéfice du doute. Quand je vois un tweet sur lequel tout le monde chie, cela me fait penser: «  D’accord, quel est le contexte ici?  » Et « Est-ce nécessaire? » Je ne suis plus aussi rapide à plonger sur quelque chose, parce que je pense à ce que je ressentirais si j’étais cette personne.

Malgré une longue liste d’autres «incidents» en ligne, journalistiques ou autres – le truc de Harry Potter, le truc de Tucker Carlson, le truc de Joe Biden, le truc de Richard Spencer – une blague stupide que Lenz a une fois faite sur les rencontres sur Internet est ce qu’elle obtient harcelé le plus. «Je ne me sens pas réduit au silence, je ne me sens pas opprimé!» crie-t-elle. Mais faire examiner chaque tweet stupide que vous écrivez doit être difficile, n’est-ce pas? «Je dois toujours faire une petite introspection. Alors tout d’abord, [I ask myself] pourquoi veux-tu le dire? Tu ne peux pas juste aimer, envoyer un texto à ton frère? Pourquoi est-ce important pour vous de jouer? » La réponse, bien sûr, est que nous sommes incités à le faire.

Pour les écrivains de la sphère numérique, la question du maintien d’une présence en ligne active et personnalisée – de la même manière que les influenceurs des médias sociaux fonctionnent – est aggravée. Dans un récent numéro de la newsletter Embedded, l’écrivain Kate Lindsay explique comment cette directive s’est manifestée dans le tissu même des médias numériques, soulignant le phénomène de génération de contenu des sites d’information construisant des articles entiers autour d’un ou deux tweets. «L’une des plus grandes libertés offertes par ce bulletin est de ne pas avoir à prétendre que quoi que ce soit est plus important qu’en réalité», écrit Lindsay, qui illustre son argument avec un récent New York Times article qui a essentiellement inventé une polémique autour de l’artiste Billie Eilish et de son Vogue couvrir en exploitant un seul tweet d’un compte qui à l’époque comptait trois abonnés.

De cette façon, les réflexions lancées et à moitié cuites d’un individu sont exagérées comme étant une indication de toute une réaction culturelle, lorsque ces pièces ne sont en réalité que le produit du besoin d’une entreprise de médias de créer un conflit (et par la suite un engagement) lorsque il n’y en a pratiquement pas. « Vous pouvez simplement continuer à pointer vers le haut, vers le haut, jusqu’à ce que vous arriviez à la réponse beaucoup plus compliquée: il n’y a pas de grand méchant qui cause quoi que ce soit », écrit Lindsay. «Ce n’est que le résultat d’une décennie de productivité toxique acquise, qui se transforme en un seul tweet stupide et intégré.» L’idée que, parce qu’Internet n’est pas la «vraie vie», les utilisateurs ne devraient pas être affectés par le harcèlement en ligne, persiste depuis plus d’une décennie, malgré de nombreuses preuves du contraire. Et, étant donné que les personnes de sexe marginalisé – les femmes de couleur en particulier – sont la cible de manière disproportionnée des campagnes de harcèlement organisées, la logique utilisée pour en diminuer les impacts psychologiques très réels a toujours ressenti d’une pièce avec une culture du viol plus large.

Si vous vous trouvez affecté par les abus et le harcèlement que vous avez subis en ligne, vous aurez fait quelque chose pour le mériter, selon le raisonnement; L’attention que vous recevez, aussi négative soit-elle, est toujours de l’attention, et quelque chose que vous avez attiré vers vous-même – quelque chose que vous avez demandé – simplement en existant en ligne. Ayant reçu des menaces de mort, des alertes à la bombe et des images de sa maison précédente à l’intérieur d’une lunette de visée, Lenz a quand même été informée que le blâme en incombait pour avoir cherché. «Il y avait tellement de gens dans mes réponses qui me disaient:« Eh bien, si vous ne lisiez pas ces menaces, tout irait bien », dit-elle. «Je pourrais éteindre mon ordinateur, supprimer les applications, faire tout ça. Mais cela n’a pas d’importance, car la peur est déjà là. Comme j’ai déjà vu qu’ils savent où je vis, que ce sont les gens qui vivent près de moi qui font ça.

Un truisme qui a tendance à surgir dans ces discussions est l’idée que personne ne pense qu’une foule viendra pour eux jusqu’à ce que, bien sûr, ce soit le cas. Dans l’excellente interview de Lenz avec Culture Warlords Auteure et collègue doxxee Talia Lavin, la paire délimite la différence entre les utilisations légitimes et non légitimes de la pression des médias sociaux. Lavin compare les allégations de harcèlement d’Andrew Cuomo – qui découlent du fait que les femmes portent des accusations légitimes sur son comportement – avec les menaces et insultes dont les journalistes sont fréquemment inondés. «Je pense qu’il est important de conserver cette nuance», dit Lavin, «de peur que nous ne définissions toujours la question du harcèlement comme une condamnation générale du public et des commentaires du public. Je ne veux donc pas nier l’idée que les grandes campagnes passionnées sur les réseaux sociaux peuvent avoir leur place. Mais il y a une distinction.

La question au cœur de nombreuses conversations sur la soi-disant culture d’annulation, écrivain Rachel Connolly explique – à juste titre, dans un fil Twitter récent – que les arguments opposés sont extrêmes au point de fausser la vérité: les empilements sur les réseaux sociaux ne sont pas toujours la ligne de conduite la plus juste pour un acte répréhensible perçu, ni « Impact véritablement apocalyptique sur la liberté d’expression. » Le contexte compte, l’histoire compte et les relations de pouvoir comptent. Internet n’est pas un arbitre de justice irréprochable, et il devrait être correct d’admettre cela sans invalider ce qu’il a offert en termes de plate-forme pour les marginalisés. Les prises de mauvaise foi ne sont que trop possibles et, après une année au cours de laquelle des circonstances extraordinaires ont fait ressortir les pires impulsions absolues en nous, peut-être plus courantes que vous ne le pensez.

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par Heven Haile

10 mai 2021

Que signifie vivre dans une société où la violence contre les femmes et les filles est traitée comme un fourrage comique?

Aly & AJ (Crédit photo: Amanda Charchian)

Le titre du premier album d’Aly & AJ en 17 ans, une touche de rythme vous met debout, vous sort puis vous met au soleil, laisse la convention derrière elle. Au lieu de l’un de leurs titres de disques traditionnellement courts et vagues –Dans la ruée vers, Insomniaque—Ce titre ressemble à celui que l’on verrait sur la couverture d’un livre de poésie, donnant le ton à un album qui consiste à se trouver, à explorer le monde et à rechercher l’amour et la connexion dans un monde où nous sommes isolés à cause de la pandémie.

Une grande partie de la musique se concentre sur le soleil du sud de la Californie, la liberté du désert et les paysages vastes et ouverts qui ont dominé leur enfance, donnant à l’album une touche moderne à l’atmosphère des années 70. Dès le premier morceau, il y a un désir ardent de laisser les vieilles habitudes derrière: « Tous les jolis endroits / Nous éloigner de là où est la douleur / Ces ciels ouverts / Laisser le passé derrière / Je le ferais pour tous les jolis endroits. » C’est un départ immédiat de la musique que le duo a sorti il ​​y a près de deux décennies, avec des paroles qui parlaient en grande partie d’un autre intérêt inconnu et romantique. Et tandis que de nombreuses chansons du nouvel album parlent à quelqu’un, la présence du «nous» et du «nous» est également forte. Envoyer un message sur ce dont ils ont besoin à mesure qu’ils grandissent et changent est devenu plus important que de trouver comment attirer l’attention ou l’affection d’un partenaire romantique.

Sur leur album de 2007, Insomniaque, le couple a chanté sur l’amour chaotique – troubles, chagrin et nouvelle romance – les gardant éveillés toute la nuit. Dans la chanson «Flatter», les sœurs chantent: «Je vais l’admettre, si vous l’admettez / C’est plus difficile que nous ne le pensions tous les deux / C’est plus facile de s’effondrer.» Bien que cet album considère des thèmes similaires, il y a une maturité évidente dans leur nouvelle musique, qui s’éloigne de la pop et du rock plus emporte-pièce qui est venue après leurs jours à Disney. Maintenant, ils ne chantent pas simplement sur les flux et les reflux des relations; ils chantent sur la santé mentale, se redécouvrent et s’acceptent, et abandonnent les gens et les choses qui ne vous servent plus. Ils tracent un voyage de dix ans dans un seul album, de l’adolescence sous les projecteurs à la transformation de deux adultes, en faisant leur marque à Hollywood. AJ, 30 ans, et Aly, 32 ans, se sont plongés dans le secteur du divertissement, mais maintenant ils entrent dans la lumière – à la fois le monde et le leur – sur leur termes.

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Des chansons comme « Symptom of Your Touch » explorent le retour à de vieilles habitudes et relations que nous savons être mauvaises pour nous, mais « Écoutez !!! » «Personal Cathedrals» et «Don’t Need Nothing» (la chanson dont le titre de l’album a été tiré) sont des hymnes valorisants, offrant des rappels subtils mais fermes que nous pouvons nous sortir du chaos. « Je me sens comme un otage ici / Il est clair que quelque chose a disparu / Je suis peut-être perdu mais je sais comment m’en sortir », chantent-ils sur « Ecoute !!! » De même, dans «Personal Cathedrals», les sœurs affirment qu’elles ont appris qu’elles n’ont pas besoin d’être là où elles ne veulent pas être, ce sur quoi elles n’avaient pas forcément de contrôle au début de leur carrière: « Quittons cette fête tout de suite / Nous n’avons jamais aimé ces gens / Cowboys et couronnes sans espoir / Nous tournons tout autour / Nous regardons de haut en bas. « 

À travers ces chansons, cette certitude d’identité porte les femmes vers un savoir intuitif: les ténèbres peuvent exister et perturber leur vie, mais elles sont capables de la dissiper. «Don’t Need Nothing» souligne parfaitement cette attitude: «Vous savez que le diable n’est jamais loin derrière / Mais il n’est pas le bienvenu ici alors ne vous embêtez pas, ne vous embêtez pas / Un peu de rythme / Vous élève sur votre pieds / Vous fait sortir et ensuite vous exposer au soleil.  » Aly & AJ chantent également sur la connaissance de leur place dans le monde et la création d’espaces sacrés qui leur permettent de se ressourcer. «Je pense qu’AJ et moi devions nous éloigner de la musique pour vraiment devenir les artistes que nous sommes aujourd’hui», a expliqué Aly dans une récente interview avec Auteur-compositeur américain. «Ce que j’aime dans ce disque, c’est que nous ne touchons pas seulement aux situations typiques de maquillage / rupture», a poursuivi AJ. «Pour Aly et moi, tout est question de vie quotidienne et de plongée dans la sensibilisation à la santé mentale, aux abus et à ce que cela fait de vouloir fuir ou sortir d’une relation que vous ne pouvez pas quitter ou simplement faire vos valises et vous diriger vers une ville différente.

Aly et AJ font un excellent travail pour créer un son et une sensation estivale, même lorsque les histoires racontées sont douloureuses. Sur «Paradise», les sœurs chantent: «J’ai traversé les champs et marché dans l’eau / Pour trouver un endroit différent du nôtre / Couper à travers les arbres et pousser encore plus loin / Si nous sommes arrivés, comment le saurions-nous? / Le sauriez-vous? disons que nous sommes arrivés à notre paradis, paradis? / Saurons-nous que c’est le paradis? » Le son alternatif-pop peut être tourné dans la chaleur estivale alors que nous nous posons également des questions existentielles sur la construction de la vie que nous voulons. Lorsque vous avez déterminé votre chemin, comment savoir quand vous avez atteint votre destination? Bien sûr, comme un projet de pandémie a largement travaillé au cours de la dernière année, l’album aborde également les épreuves et les tribulations auxquelles beaucoup d’entre nous peuvent s’identifier alors que les choses se sont ralenties et sont devenues une «nouvelle normalité». «Slow Dancing» explore une découverte douce-amère de ce qui compte vraiment: les choses simples. « Je n’ai jamais eu autant de temps libre / Déplacez la table de la cuisine sur la pelouse / Enroulez le tapis sur la chaîne stéréo. »

Il s’agit de changer les choses pour ressentir quelque chose: « C’était comme si nous étions censés faire cette musique quel que soit le monde tombant dans l’abîme parce que c’était l’album pour lequel nous étions toujours nés », a déclaré le duo dans un communiqué de presse pour l’album. «C’est ce que veut dire la musique à la fin de la journée… La façon dont elle vous fait ressentir, les souvenirs que vous y associez, la guérison qu’elle apporte, la célébration qu’un chœur vous offre lorsque vos fenêtres sont baissées et que la vie est parfaite. pour ce moment éphémère. La sensation de se retrouver au soleil. » En fin de compte, une touche de rythme vous met debout, vous sort puis vous met au soleil nous pose des questions importantes tout en nous rappelant que les destinations changent constamment. Lorsqu’il est écouté dans son ensemble, l’album donne l’impression d’être dans un espace liminal, juste avant d’arriver quelque part où vous rêviez d’être. C’est le sentiment d’être baigné dans la possibilité au lieu de l’incertitude, pendant au moins une minute, et d’attendre de voir ce qui se passe ensuite.

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par Sadaf Ahsan

11 mai 2021

Nous aimons garder nos stars féminines sous une lentille serrée.

Demi Lovato en elle Danser avec le diable docuseries (Crédit photo: YouTube / Demi Lovato)

La plupart des mégastars de documentaires musicaux font sur eux-mêmes suivent un modèle similaire: il y a des têtes parlantes qui contextualisent la vie et la carrière de l’artiste; des vidéos à domicile prouvant que le sujet était destiné à la célébrité dès l’enfance; des moments sporadiques dans l’atelier où l’artiste est habillé avec désinvolture et concentré; les nerfs avant un spectacle et le high incomparable après; et, si nous avons de la chance, des larmes au sujet de leur horaire exténuant et sans escale. Alors que l’on nous promet toujours un accès sans précédent dans les coulisses, le produit final – d’Ariana Grande, Beyoncé, Taylor Swift et bien d’autres – renforce souvent la distance de la taille de l’arène entre les stars et leurs fans. Bien qu’ils impliquent qu’ils nous laissent entrer dans leur vie, leur esprit et leurs processus de création, c’est rarement le cas. Même les documentaires «personnels» fonctionnent comme une forme de promotion guidée par une plasticité indéniable et imperceptible.

C’est la raison pour laquelle les docuséries YouTube en quatre parties de Demi Lovato, Danser avec le diable, qui a diffusé son dernier épisode en avril, se sent si rare. Danser avec le diable va si loin, en fait, qu’il éclipse apparemment son propre objectif de révéler les événements qui ont conduit à sa rechute et à une surdose de drogue presque fatale en 2018 et d’explorer tous les aspects de son rétablissement. La série documentaire a été conçue pour l’humaniser auprès des fans qui la suivent depuis qu’elle est entrée sous les projecteurs en tant qu’enfant star de Disney et qui pourraient avoir plus de mal à se rapporter à elle après sa rechute en public. Dans la perspective de la sortie de son nouvel album, qui partage un titre avec les docu-séries, Lovato aurait également voulu rappeler à l’industrie de la musique et au reste du monde qu’elle était engagée dans sa carrière. Bien que la série documentaire atteigne ces objectifs à plusieurs niveaux, elle offre également l’accès sans précédent que d’autres documentaires promettent et ne livrent pas.

Lovato ne se retient pas: «En fait, je ne pense pas que les gens comprennent à quel point c’était vraiment mauvais», dit-elle lors du deuxième épisode. «J’ai eu trois coups. J’ai eu une crise cardiaque. J’ai subi des lésions cérébrales à cause des AVC. Je ne peux plus conduire. Et j’ai des angles morts dans ma vision, alors parfois, quand je vais, comme, verser un verre d’eau, je vais totalement manquer la tasse parce que je ne peux plus la voir. J’ai aussi eu une pneumonie – parce que j’étais asphyxiée – et une défaillance de plusieurs organes. Tout au long de la série, elle raconte des moments encore plus traumatisants, y compris son trafiquant de drogue qui l’a violée la nuit où elle a fait une overdose et rompu en larmes ses fiançailles avec l’acteur Max Ehrich parce qu’elle «ne le connaissait pas vraiment» après une relation de seulement quelques mois. Son ouverture et son honnêteté sont incroyablement émouvantes et il est presque impossible de passer à travers les épisodes sans se sentir ému par les révélations candides de Lovato.

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Entre ces moments de vérité, il y a aussi des morceaux de documentaire de musique traditionnelle, y compris des extraits de concerts de son 2018 Ne me dis pas que tu m’aimes tournée mondiale qui était à l’origine censée faire partie d’un film de concert plus générique. Un certain nombre de personnes proches de Lovato, y compris ses parents, ses sœurs, ses meilleurs amis, son directeur, son équipe de sécurité, son neurologue et son ancienne assistante, offrent également un aperçu de son parcours. Tout le monde semble honnête à quel point ils étaient préoccupés par elle et certains expriment même de la colère à propos de sa rechute et de sa mort imminente – et Lovato encourage leur honnêteté et leur vulnérabilité. Par exemple, elle a assisté à la fête d’anniversaire de son chorégraphe et ami proche Dani Vitale la veille de son overdose, tant de fans ont blâmé Vitale pour la consommation de drogue de Lovato et l’ont harcelée en ligne, envoyant quotidiennement des messages haineux, y compris des menaces de mort. Bien que Lovato précise que Vitale n’a jamais utilisé de drogue avec elle, elle regrette également de ne jamais avoir élucidé publiquement les idées fausses. Dans le doc, elle dit à Vitale: «Comme je l’ai dit, effacez votre nom. N’ayez pas peur de dire quoi que ce soit. Et je veux juste que la vérité soit dite, parce que tu le mérites.

Cette scène en particulier montre le contrôle de Lovato sur les docu-séries: elle décide de ce qui est inclus et de ce qui reste sur le sol de la salle de montage. Dans le premier épisode, Lovato dit ceci à un producteur hors caméra: «J’ai eu tellement de choses à dire ces dernières années… voulant remettre les pendules à l’heure. FYI: Je vais juste tout dire, et ensuite si nous ne voulons pas en utiliser, nous pouvons le supprimer. Il y a sûrement des questions sur ce qu’elle a choisi de ne pas partager, étant donné qu’elle a ensuite publié un clip vidéo dans lequel elle reconstitue son overdose et a été retrouvée inconsciente le lendemain matin par son assistant d’alors. Bien que divulguer ce niveau de détail puisse sembler difficile pour Lovato, c’est typique pour les documentaires musicaux qui tentent d’établir une résonance émotionnelle: nous avons vu Katy Perry fondre en larmes lorsque son désormais ex-mari, Russell Brand, lui envoie un SMS qu’il demande le divorce avant. elle monte sur scène; Lady Gaga reçoit des fleurs de son ex-petit ami, Taylor Kinney, avant de se produire au Super Bowl; et Taylor Swift se disputant passionnément avec son père au sujet de prendre publiquement une position politique.

Lovato puise dans cette tradition lorsqu’elle révèle qu’elle opte pour la modération au lieu de la sobriété totale, ce qui signifie qu’elle continuera à boire et à fumer de l’herbe dans les limites qu’elle s’est fixées. Sur « California Sober », une chanson de son nouvel album, elle chante, « Habituée à vivre dans la peur de toujours glisser / Mais vivre pour la perfection n’est pas vivre. » C’est une confession déchirante, rendue encore plus difficile par la caméra puis se tournant vers chacun de ses proches alors qu’ils réagissent à sa décision. Presque tout le monde dit soutenir son choix, à l’exception de l’un de ses mentors, Elton John, qui dit: «La modération ne fonctionne pas. Pardon! Si vous buvez, vous en boirez plus. Si vous, vous savez, prenez une pilule, vous en prendrez une autre. Soit vous le faites, soit vous ne le faites pas. À ce moment, un sentiment de terreur s’installe au creux de mon estomac. Le documentaire lui-même est-il en quelque sorte un présage?

Danser avec le diable est le troisième documentaire de Lovato: En 2012, elle a produit Reste fort, une émission spéciale de MTV qui traitait du temps qu’elle a passé en cure de désintoxication à 18 ans pour traiter l’automutilation et un trouble de l’alimentation. Simplement compliqué (2017) a révélé qu’elle avait consommé de la cocaïne lors du tournage du premier doc et a exploré son parcours vers la semi-sobriété. Les producteurs ont déclaré que l’engagement de Lovato avec Ehrich était censé être la «fin heureuse» du doc ​​de 2021, mais lorsque cela s’est effondré, il est devenu clair que la superstar – et tout ce qui va avec – a probablement contribué à ses dépendances et à ses rechutes ultérieures. Elle note que le contrôle serré de son ancienne équipe de direction sur son emploi du temps, son régime alimentaire et sa réputation de défenseur de la santé mentale sobre a conduit à un besoin de «se rebeller» et de renvoyer son manager des semaines avant une overdose. Comme le dit son amie Sirah, «Si votre vie est conçue pour être concentrée sur le fait que vous ne vous sentez pas bien, vous ne vous sentirez pas bien.»

Mais les corrélations entre les rênes serrées de sa carrière et l’impact sur sa santé ne s’arrêtent pas là. Lovato partage également qu’être placée dans des concours de beauté a endommagé son estime de soi, être éloignée de son père alcoolique et toxicomane l’a changée et être violée par un acteur anonyme alors qu’elle était à Disney n’a fait qu’aggraver son traumatisme. La liste de ses traumatismes est longue et douloureuse, mais aucun des êtres chers dans les docu-séries ne suggère qu’elle s’éloigne des feux de la rampe ou que la caméra même qui lui tire dessus pourrait faire partie du problème. Danser avec le diable insiste sur le fait que Lovato n’est pas Britney Spears; elle a tout le contrôle créatif et aucun conservateur ne lui dicte chacun de ses mouvements. C’est bien beau, mais ce n’est pas là que l’histoire se termine et ce n’est pas suffisant pour protéger son bien-être.

Lorsque le mouvement #FreeBritney a pris de l’ampleur, les fans ont exigé que Spears soit libérée de la tutelle controversée qu’elle subit depuis plus d’une décennie. Il y avait un autre élément dans les appels également: ils pensaient que Spears devrait arrêter de jouer et de faire de la musique si elle ne le voulait plus, et plutôt passer du temps avec ses enfants et son petit ami, danser, peindre et vivre une vie privée. Cela semble certainement être ce que Spears veut et, au moins pendant un petit moment, ce que les autres stars devraient avoir. Nous aimons garder nos stars féminines sous une lentille serrée: nous voulons les consommer jusqu’à ce qu’il ne reste plus rien, et la machine est heureuse de continuer à les produire. À la fin de la docu-série, Lovato s’abandonne à une petite dose de cliché: elle coupe ses longues tresses brunes en une coupe de lutin au peroxyde pour symboliser qu’elle abandonne son passé, son traumatisme et la «vieille» personne qu’elle avait l’habitude de être. Bien que ce soit un sentiment merveilleux, il est difficile de le voir comme autre chose qu’un changement de marque promotionnel, ce que nous avons beaucoup vu au cours des semaines qui ont suivi la sortie de la série documentaire. S’aide-t-elle en révélant ses traumatismes ou est-ce juste une partie de la machine qui la rebaptise?

Dans une récente interview avec Variété, Shannon Albrink, rédactrice en chef de la série documentaire, a déclaré: «Nous ne voulions pas dire« tout va bien »et l’attacher dans un arc soigné avec une fin heureuse. Parce que ce n’est pas le cas. Ce n’est pas une fin heureuse – nous montrons juste le prochain chapitre de sa vie.  » Dans ce sens, Danser avec le diable fait quelque chose que peu de musiciens ont réussi à réaliser avec leurs documentaires, ce qui rappelle un documentaire particulièrement bon: celui des années 1991 Madonna: Action ou Vérité. Comme Vautour dit: «Le film entier semble conçu – par Madonna elle-même – pour forcer le public à se demander qui est« Madonna ». La frontière entre l’art de la performance et la création de marque n’a jamais été aussi mince. » Peut-être que cela a à voir avec le fait de vivre dans une bulle tout à fait unique. Peut-être pour des artistes tels que Madonna et Lovato, la ligne est floue, et c’est là que réside l’engin. Ou peut-être être une mégastar nécessite de vendre suffisamment de votre âme pour que vous ayez besoin d’Hollywood pour vous maintenir.

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par Heven Haile

10 mai 2021

Que signifie vivre dans une société où la violence contre les femmes et les filles est traitée comme un fourrage comique?

Illustration par Marylu E. Herrera

Le 30 mars, TMZ a publié des images d’ascenseur du membre de Migos Quavo agressant physiquement sa petite amie de l’époque, Saweetie. Malgré les images viscéralement bouleversantes enregistrées, y compris une Saweetie échevelée et traumatisée se blottissant dans un coin alors que Quavo regardait froidement la caméra sans lui proposer de l’aider, les créateurs de contenu populaires de TikTok et YouTube, dont Tpindell et Woahvicky, n’ont pas perdu de temps à créer des parodies vidéo Quavo réalisant que les caméras de l’ascenseur capturaient l’incident. Les téléspectateurs ont trouvé de l’humour dans la façon dont Quavo a traîné Saweetie dans l’ascenseur et ont soudainement réalisé qu’il avait été capturé par les caméras de l’ascenseur. Bien que les vidéos parodiques soient dérangeantes pour de nombreuses raisons, y compris le fait qu’elles ont recueilli des milliers de vues, de goûts et de commentaires, la volonté des femmes, en particulier des femmes noires, de participer à la moquerie de la douleur d’une autre femme noire frappe le plus fort.

Cela soulève également une question importante: que signifie vivre dans une société où la violence contre les femmes et les filles, en particulier celles des communautés marginalisées, est traitée comme un fourrage comique? Le film de viol-vengeance d’Emerald Fennell, lauréat d’un oscar, Jeune femme prometteuse (2020), explore comment la comédie contribue à perpétuer et à faire progresser la culture du viol. Elle raconte cette histoire à travers Cassie Thomas (Carey Mulligan), une ancienne étudiante en médecine de 30 ans qui demande justice pour le viol et la mort de sa meilleure amie Nina Fisher. Quand une ancienne amie de l’école de médecine, Madison (Alison Brie), donne à Cassie une cassette vidéo d’Al Monroe (Chris Lowell) agressant sexuellement Nina, Madison dit: «Je ne sais pas comment j’aurais pu la regarder et… j’ai pensé que c’était drôle . » Au cours de son témoignage devant le Comité judiciaire du Sénat en 2018, Christine Blasey Ford a déclaré qu’elle se souvenait le plus maintenant – le juge de la Cour suprême Brett Kavanaugh et son ami, Mark Judge, riant alors que Kavanaugh l’agressait. «Indélébile dans l’hippocampe est le rire», dit-elle. «Le rire tumultueux entre les deux et leur amusement à mes dépens.

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De même, les gens trouvent de l’humour dans les vidéos de femmes noires brutalisées parce que les filles et les femmes noires n’ont pas été historiquement considérées et traitées comme des victimes, même lorsqu’elles le sont. Une étude de 2001 publiée dans le Journal européen de psychologie sociale a constaté que «l’humour désobligeant… rabaisse et« fait taire »les groupes sociaux cibles (les femmes), normalisant et désensibilisant la société à la violence à l’égard des femmes.» Si l’on considère que les femmes noires sont déjà 2,5 fois plus susceptibles d’être victimes de violence domestique que les femmes blanches (et que ces taux ont augmenté pendant la pandémie de COVID-19), la normalisation de la violence domestique – par l’humour, pas moins – ne fait que piéger davantage les victimes dans des cycles d’abus . Il n’y a rien de nouveau à propos de ce phénomène: après que Chris Brown ait agressé sa petite amie d’alors Rihanna en 2009, YouTuber Ryan Higa (également connu sous le nom de «nigahiga») ainsi que Keegan-Michael Key et Jordan Peele de Clé et Peele parodié les incidents.

La vidéo de Higa, qui a finalement recueilli plus de 27 millions de vues, a été sous-titrée «C’est une vidéo très précise montrant la raison pour laquelle Chris Brown a battu Rihanna», et insinue que Rihanna a provoqué verbalement Brown. L’argument se termine avec Rihanna (joué par Higa) frissonnant alors que Brown (également joué par Higa) frappe la caméra comme s’il frappait Rihanna. Dans le croquis de Key et Peele pour leur Comédie centrale montrent, pendant ce temps, les comédiens jouent respectivement Rihanna et Brown et reconstituent l’incident en utilisant une voiture qui ressemblait à celle dans laquelle Brown a piégé Rihanna. les lignes « Ce soir, je vais frapper qui a frappé ça … n’essayez pas de riposter » (Contrairement à la vidéo de Higa, ce sketch se termine par Rihanna s’échappant après avoir neutralisé Brown avec un Taser.)

Aussi troublantes qu’elles soient, ces vidéos reflétaient un sentiment commun à l’époque: de nombreuses personnes, hommes et femmes, ont blâmé Rihanna pour le comportement de Brown. À leur avis, Rihanna était une femme grossière et agressive – une incarnation de la figure de saphir que l’historienne Deborah Grey White a décrite dans son livre de 1985 Ne suis-je pas une femme? comme une femme noire qui «consomme les hommes et usurpe leur rôle les émasule» – a provoqué son agresseur, rendant sa réaction violente acceptable. Quand le chanteur s’est assis pour un 20/20 interview plus tard cette année-là, Diane Sawyer a présenté une vidéo YouTube d’un homme noir disant: «Je ne crois pas que Chris Brown ait attaqué Rihanna pour rien. Je croyais qu’elle l’avait provoqué et c’est ce qui s’est passé. Pour cet homme et beaucoup d’autres, Rihanna avait défié la virilité de Brown et avait donc besoin d’être remise à sa place.

Les vidéos réalisées par Higa, Key et Peele restent sur YouTube et leurs créateurs ne leur ont pas encore présenté d’excuses. Dans une interview en 2013 avec Se balancer le matin, Key et Peele ont insisté sur leur croquis n’a pas faire la lumière sur la violence domestique parce que, expliquent-ils, «le problème est qu’il ne pas la frappant et elle sursaute. La blague est que sa chorégraphie est très physique et à chaque fois que son bras se rapproche d’elle, elle est comme «  oh putain  » [mimics a person flinching]. » Mais expliquer la blague comme une tentative de se moquer de Brown, plutôt que de Rihanna, n’a pas changé le fait que Rihanna – dans ce cas, le SSPT qui sévit fréquemment chez les survivants de violence physique – était la cible de la blague.

Les parodies vidéo et comiques comme celles-ci n’existent pas dans le vide: les jurys, après tout, sont composés de gens ordinaires – dont beaucoup connaissent les représentations des femmes noires en tant qu’agresseurs qui provoquent la violence et sont donc incapables d’être de «vraies» victimes . Les filles et les femmes noires qui ripostent contre leurs agresseurs, par exemple, sont régulièrement traitées comme des antagonistes par les forces de l’ordre et le système judiciaire: Cyntoia Brown a été incarcérée pendant 15 ans pour avoir tué par balle un homme qui tentait de la solliciter à des fins sexuelles à 16 ans; Marissa Alexander a été incarcérée pendant trois ans pour avoir tiré un coup de semonce sur son mari après l’avoir agressée et menacé de la tuer. un mari abattu. Lorsque Megan Thee Stallion est arrivée à l’hôpital avec une balle dans le pied, elle n’a pas immédiatement dit à ses médecins que son collègue artiste Tory Lanez lui avait tiré dessus parce qu’elle «ne voulait pas mourir» et qu’elle ne voulait pas que Lanez soit abattu par les forces de l’ordre. Le tournage de Megan est également devenu un fourrage Internet, ce qui l’a amenée à dire dans une vidéo Instagram Live du 27 juillet: «C’était la pire expérience de ma vie. Ce n’était pas drôle, il n’y avait pas de quoi plaisanter. Je ne méritais pas de me faire tirer dessus, je n’ai pas fait de merde.

Si les célébrités de la liste A avec des millions de dollars et des abonnés ne peuvent pas échapper à leur traumatisme transformé en blague, quel espoir y a-t-il pour les femmes noires qui ne sont pas aussi riches ou influentes? Heureusement, des groupes dirigés par des survivants tels que Survived and Punished et des célébrités, y compris des brindilles FKA – qui ont récemment poursuivi en justice l’ex-petit ami Shia Labeouf pour abus – utilisent leurs plateformes pour contester la déshumanisation des survivantes noires. En 2018, le boycott informel de Snapchat par Rihanna, après que la société a publié une publicité se moquant de la violence domestique, a coûté 800 millions de dollars à l’entreprise. Mais ce combat n’est pas le leur: bien que Saweetie n’ait pas officiellement parlé des images de l’ascenseur, nous devons toujours nous assurer que sa douleur ne se transforme pas en moments viraux plus déshumanisants. Après tout, notre douleur n’est pas une blague et ne doit jamais être traitée comme telle.

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par Gabriela Ramos Tavárez

20 avril 2021

Accepter ce récit ne rend pas service aux homosexuels qui sont ou ont été enfermés et qui n’ont jamais abusé de leur partenaire dans le processus de se retrouver.

Aidy Bryant comme Annie dans Aigu (Crédit photo: Allyson Riggs / Hulu)

Depuis sa création en 2019, Aigu a redéfini la relation de la comédie à la graisse. Aidy Bryant joue Annie Easton comme une femme classique dont les moments les plus hilarants proviennent de son auto-sabotage compulsif, et une partie de l’attrait de la série est que son corps n’est jamais la cible de la blague. La troisième saison de Aigu s’ouvre sur une note comique – Annie est à un terrible rendez-vous avec un gars terriblement maladroit. Il essaie d’initier le sexe avec de la sauce barbecue sur ses mains. (Les côtes ne sont pas vraiment un bon repas pour les dattes, d’ailleurs.) Il éjacule trop tôt. Et puis il a une dépression émotionnelle qui oblige Annie à rester encore plus longtemps. Ce désastre fait suite à un énorme changement dans la vie d’Annie: elle a finalement mis son petit ami Ryan (Luka Jones) au bord du trottoir. Maintenant, elle doit faire face aux mésaventures hilarantes de la datation.

Mais sous toutes les blagues, cette saison se heurte à un sérieux problème: en tant que grosse femme, Annie est constamment traitée comme si elle était exposée – et même lorsqu’elle ne l’est pas, le sentiment d’être jugé reste au premier plan de son esprit. À la fin du premier épisode de la saison, après la date du désastre, elle rencontre un nouveau gynécologue qui recommande immédiatement une chirurgie de perte de poids. Cette expérience est bien trop réelle pour la communauté des plus grandes tailles. L’association de la graisse avec la paresse et une mauvaise santé existe bien avant que les antécédents médicaux ne soient discutés. Les médecins ont l’habitude de supposer que la prise de poids est la cause fondamentale de tous les problèmes de santé dans la vie d’une personne grasse; ils ont aussi tendance à parler avec désinvolture de la chirurgie bariatrique, comme s’il s’agissait d’une décision arbitraire et non d’une chirurgie majeure avec des risques importants. Annie répond à l’expérience médicale fatphobe en écrivant un article à ce sujet et en s’adressant au médecin par son nom. Mais malgré la juste confiance de son écriture, il est clair qu’elle est toujours pleine de doutes sur son image de soi.

Au cours des deux saisons précédentes de la série, nous avons vu Annie affronter le monde dans ses écrits, mais il est maintenant temps pour elle de se faire face. Cette lutte est plus évidente dans le deuxième épisode de la saison, «Will». Dans ce document, le collègue d’Annie Amadi (Ian Owens) la met en place sur un rendez-vous à l’aveugle avec son ami Will (Cameron Britton), suggérant qu’ils seraient «parfaits» ensemble. Une fois qu’ils se rencontrent, cependant, Annie réagit avec panique. La raison? Will est gros. Il est clair que c’est aussi un gars charmant et solide, mais tout ce qu’Annie peut voir, c’est son poids et la façon dont ils se ressemblent en un gros couple. Elle s’arrête immédiatement, permettant à peine à la date de décoller avant de l’écrire comme un buste. Dans un sens général, sa réaction est compréhensible: les médias assimilent souvent la graisse à l’échec et dépeignent les couples gras comme des personnes misérables qui se permettent mutuellement de rester en surpoids. Les premières saisons de Roseanne aux prises avec cela dans ses rappels constants des passés plus maigres de Dan et Roseanne; pendant ce temps, les intrigues de comédies romantiques dans lesquelles une grosse femme marque un homme maigre ou vice versa sont dépeintes comme des triomphes: quelle meilleure façon de prouver votre valeur qu’en vous associant à quelqu’un dont l’apparence est plus socialement acceptable que la vôtre?

Les insécurités d’Annie dans les fréquentations sont encore exacerbées par sa distance croissante avec sa meilleure amie et colocataire, Fran (Lolly Adefope). Fran a trouvé l’amour avec Emily (ER Fightmaster) et leur romance devient rapidement le cœur de la série. Fran et Emily ont une excellente chimie, une communication saine et sont vraiment formidables ensemble. Plus particulièrement, ils sont tous les deux à l’aise dans leur corps (même après avoir filmé une sex tape induisant des grincements de dents). Leur histoire d’amour est parallèle aux problèmes de rencontres d’Annie. Tout au long de la saison, le seul vrai problème de Fran est sa peur de l’engagement. Emily est le package complet et tout ce qu’elle a à faire est de dire oui. Pendant ce temps, tout ce qu’Annie veut, c’est ce que Fran a: alors que sa meilleure amie fait une sex tape, Annie découvre que le gars qu’elle poursuit toute la saison ne veut pas sortir avec elle. Alors que Fran fait face à une relation adulte pour la première fois, Annie craint que cela ne se produise jamais pour elle. C’est une déception émotionnelle qui est bientôt suivie d’une déception professionnelle.

Dans l’épisode suivant, «Non», Annie obtient ce que l’Internet appelle souvent «annulé». Dans l’épisode précédent, «Ranchers», elle a refusé d’écrire sur un club de randonnée de grosses filles pour visiter une communauté de séparatistes suprémacistes blancs et interviewer ses membres. Pour Annie, la décision est à la fois personnelle et professionnelle: plus son inconfort avec son corps grandit, plus elle a envie de rompre avec la communauté grasse qui l’a si chaleureusement accueillie. Et du côté professionnel, elle essaie d’éviter d’être classée au Épine hebdomadaire comme l’écrivain qui ne couvre que les femmes, les corps et la graisse. Bien que l’article fournisse beaucoup de trafic pour le journal, il conduit également Internet à qualifier Annie de raciste. Elle reçoit des courriers de haine virtuels et physiques et est même réprimandée par Fran pour avoir joué la victime. Annie passe tout l’épisode à expliquer les raisons de sa décision et à déplorer son incapacité à penser aux conséquences. Mais c’est exactement le problème: en tant que femme blanche, elle n’a pas pensé à ce que cela signifierait pour elle de former une communauté de racistes.

Au crédit de l’émission, tout le monde autour d’elle semble en être pleinement conscient. Et dans l’épisode suivant, «Désolé», elle fait une tournée d’excuses qui se termine par sa rencontre avec Will à nouveau. Sa présence et sa récente humilité lui permettent enfin d’admettre ses craintes d’être un gros couple. Ceci est encore un autre exemple de la façon dont les actions d’Annie sont motivées par son corps et la peur qui vient d’être visible à la fois dans son travail et dans sa vie personnelle. Elle continue d’essayer de supprimer des parties de son identité pour devenir une présence plus neutre, mais la vérité est qu’il est impossible de vivre de cette façon. Une fois qu’elle a lâché prise, sa romance avec Will est facile; Britton apporte tellement de chaleur et de charisme au personnage. Il joue un con, mais c’est le genre de con avec lequel tu pourrais te voir passer ta vie. Il est maladroit et auto-dépréciant, tout en étant l’un des personnages les plus adorables de la série. Au milieu de toute la comédie grinçante, Will est une présence apaisante dont la douceur déteint sur Annie. Une fois leur relation cimentée, Aigu devient un spectacle très différent, un sur deux couples – un établi, un tout nouveau – essayant de construire leur avenir ensemble.

C’est une configuration de sitcom classique, et à la fin de la saison, il devient clair que ce changement dans la narration crée une dynamique cohérente que les deux saisons précédentes, qui partageaient leur temps entre les drames relationnels et les manigances sur le lieu de travail, n’ont jamais été tout à fait réalisées. La saison 3 est la preuve que AiguLes histoires d’amour et d’amitié sont au cœur de la série, le lieu de travail servant principalement de prolongement d’Annie. Étant donné que c’est AiguLa dernière saison, cela ressemble à une torsion cruelle: il était si près de prendre pied. En effet, l’épisode de fin de série (que je ne gâcherai pas ici) semble être la configuration parfaite pour une quatrième saison dramatiquement riche qui ne le sera jamais. Ce n’est pas seulement qu’Annie et Will forment un excellent couple romantique, mais que leur scénario offre une opportunité convaincante pour Annie d’arrêter de confronter sa graisse et de commencer à l’embrasser. Il y a des graines de cela dans l’avant-dernier épisode, «Beach», quand c’est au tour d’Annie d’aider Will à devenir plus à l’aise avec son corps. C’est dommage que nous ne les voyions pas grandir ensemble. Cela semble être une saison passionnante de télévision.

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par Evette Dionne

18 décembre 2020

Les corps se désintoxiquent, et aucune quantité de suppléments, de smoothies ou de vinaigre de cidre de pomme ne fait plus que notre propre corps ne le fait naturellement pour nous réguler.

Sebastian Stan comme Bucky Barnes, à gauche, et Florence Kasumba comme Ayo dans Le faucon et le soldat de l’hiver (Crédit photo: Disney + / Marvel)

Alors qu’Internet rumine sur la dernière émission à succès de Marvel Le faucon et le soldat de l’hiver, une scène en particulier a déclenché un débat sur Twitter: dans le quatrième épisode, intitulé à juste titre «Le monde entier regarde», deux des guerriers wakandais connus sous le nom de Dora Milaje entrent dans la cachette où James «Bucky» Barnes (Sebastian Stan) et Sam Wilson (Anthony Mackie) héberge un condamné évadé, le baron Zemo (Daniel Brühl). Malgré ses crimes de guerre passés – y compris le meurtre de l’ancien roi T’Chaka (John Kani) de Wakanda – et les appréhensions raisonnables de Sam, Bucky choisit de travailler avec Zemo pour vaincre le grand méchant de la série, les Flag-Smashers. Les Dora Milaje s’opposent à juste titre au partenariat et se présentent pour prendre Zemo sous leur garde. Lorsque John Walker alias le nouveau Captain America (Wyatt Russell) nommé par le gouvernement tente de se battre avec les guerriers Wakandan, Sam l’avertit que lorsqu’il s’agit de la Dora, il vaut mieux croire que la viande grasse est grasse; la mise en marche entraînera la mise en place. Mais Walker ignore les bons conseils.

En réponse à la folie de Bucky, notre bonne sœur Dora Ayo (Florence Kasumba) fait un mouvement rapide qui fait tomber le bras cybernétique de Buck et touche le sol. Falcon demande à Bucky s’il savait que les Wakandans pourraient désactiver le bras de cette façon, et Bucky, qui est stupéfait, dit non. Que représente ce moment pour les Blancs déconcertés par la vue d’une personne noire – une femme noire en particulier – désactivant si habilement et rapidement le mécanisme de pouvoir d’un homme blanc et sa capacité à nuire aux autres à sa discrétion? Eh bien, selon un tweet de acteur et réalisateur Stephen Ford, ainsi que des hordes de commentateurs qui sont initialement arrivés sur son fil du 11 avril, c’est un moment «triste» et «foiré» d’injustice wakandaise et de méchanceté de grandes proportions. « [Bucky] a passé des années à essayer de récupérer enfin son autonomie, pour être miné en un instant par ceux qui l’ont aidé », a tweeté Ford. (Ford a depuis posté qu’il laissera son fil comme un «monument aux mauvaises prises».)

De nombreux commentaires ultérieurs d’autres utilisateurs de médias sociaux blancs empestent le droit des Blancs – une demande de posséder tout le pouvoir, qu’il soit fictif ou réel, et de l’exercer sans que la responsabilité des Noirs, la brillance des Noirs ou l’auto-préservation des Noirs ne les gênent. Découlant de ce droit, il y a la conviction qu’il est intrinsèquement injuste et injustifié pour les Noirs de tempérer leur confiance à l’égard des Blancs. Nous voyons fréquemment ce type de droit dans une vidéo virale après l’autre où une personne blanche fait quelque chose contre les Noirs et les Noirs répondant à cet acte anti-Noir perturbe le pouvoir, le confort ou la capacité des blancs. De même, les fans de Marvel divorcent cette scène de son contexte, versant des lamentations blanches pour le bon bras de Bucky parce que ces méchants noirs font ce qui est sage, nécessaire et compréhensible. De Nat Turner aux vidéos de la bouche des blancs écrivant un chèque «ni ** er», leur derrière ne pouvait pas encaisser, nous assistons à un chant de lamentations blanches aussi vieux que le temps.

Un tel gémissement nécessite un aperçu des faits: HYDRA, un suprémaciste blanc international, un syndicat vilain, a foiré l’esprit de Bucky, le transformant en l’un des assassins les plus dangereux du monde, ainsi qu’un esclave de quiconque possède son code. Le capitaine américain original a persuadé la nation africaine cachée de Wakanda de partager sa technologie de pointe et ses connaissances supérieures avec Bucky pour le libérer de son lavage de cerveau. Les Wakandans laissent Bucky vivre dans leur abondance protectrice sans loyer, recevant le traitement le plus avancé au monde sans HMO, PPO ou Medicaid. Dès que Bucky a obtenu son diplôme de déprogrammation de Wakanda, il a aidé Zemo à s’échapper de la prison. Et quand le Dora est venu capturer Zemo pour les crimes qu’il avait commis contre Wakanda, Bucky a choisi de combattre les femmes noires qui l’ont libéré afin de protéger le criminel blanc qui l’avait asservi.

Depuis la naissance de notre nation, les récits occidentaux conditionnent le public à s’attendre, à se délecter, d’images de domination blanche et de sauveurs blancs. La relation de fond de Bucky avec Wakanda peut être un renversement de rôle troublant pour ceux qui sont conditionnés à s’attendre à une domination masculine blanche bienveillante. Même l’univers cinématographique de Marvel n’est pas totalement dépourvu de sauveurs blancs et de suprématie blanche. Mais Bucky n’est ni sauveur ni suprême, et son histoire reflète la réalité de la relation historique de l’Amérique avec les Noirs: de la même manière que les Noirs ont façonné et continuent de façonner l’Amérique plus près des vérités qu’elle croit être évidentes – pour libérer ce meurtrier. nation de sa soif de sang – une incroyable nation de Noirs a sauvé un homme blanc de ses propres impulsions meurtrières.

Les hypothèses du public blanc révèlent dans certaines de leur insistance que Bucky ne sachant pas que le bras a une fonction de désactivation est un acte de trahison Wakandan. Bien que les téléspectateurs sachent que la technologie appartient à Wakanda, il est totalement insondable pour eux qu’une femme noire en sache plus qu’un homme blanc sur le travail effectué par son propre peuple. Les femmes noires hautement compétentes sont confrontées à ce type d’examen et de doute depuis des siècles. Chaque fois que nous affichons une excellence, une expertise ou une éducation qui dépasse les connaissances et les capacités des Blancs qui nous entourent, cela suscite la suspicion des Blancs.

En outre, quelque les spectateurs ont même annulé la désactivation du bras de Bucky par Ayo comme un affichage capacitiste. Ce n’est pas. Dans un contexte différent, une action similaire serait très probablement capacitiste, mais le capacitisme n’a guère d’importance lorsque l’on considère la séquence des événements MCU qui ont conduit à ce moment singulier. En fait, on pourrait soutenir que la prétention injustifiée de capacitisme dans ce contexte ne fait que contribuer davantage à la déformation misogyne des femmes noires dans cette scène comme étant cruelles ou sans compassion. Bucky est sans doute le plus grand assassin du monde, et donc objectivement dangereux. Bucky a fait la trahison dans ce cas en mordant la main qui le nourrissait. Pour être clair, les Noirs ne doivent pas la confiance aux Blancs simplement parce qu’ils exigent qu’elle leur soit donnée. La confiance implique la foi, la foi sans les œuvres est morte et les Blancs en tant que groupe racial et culturel n’ont pas commencé à travailler pour instaurer la confiance ou la foi. À partir des bandes dessinées originales et de 2018 Panthère noire à ce moment sur Disney +, l’existence de Noirs non liés par et non redevables au monde patriarcal blanc qui autrefois asservissait et continue d’opprimer les Africains et les descendants d’Afrique est une révélation. Ayo l’a mieux dit quand elle a dit à Walker: «Les Dora Milaje ont juridiction partout où les Dora Milaje se trouvent. C’est révolutionnaire pour le public de voir des femmes noires avoir – sans permission blanche – la capacité de donner et de retirer. Et c’est exactement ce qui a fait perdre à certains téléspectateurs blancs tous leurs esprits misogynes et misogynes ayant le droit, préfèrent-leurs-Noirs-subjugués. Comment osent les Noirscettelibre?

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par Amelia Merrill

18 mars 2021

«WandaVision» n’est pas sûr de sa position en ce qui concerne SWORD et le FBI.

Larissa Pham, auteur de Chanson pop: aventures dans l’art et l’intimité (Crédit photo: Adalena Kavanagh)

Je suis tombé sur tant de vélos au nom du désir. En tant qu’adolescent et jeune adulte, je me retrouvais à atteindre le guidon dans les moments où mes émotions étaient vives, pompant les pédales jusqu’à ce que les seules sensations soient le vent qui me soufflait au visage et rugissait dans mes oreilles, la brûlure dans mes cuisses. Au moment où j’ai fini de pomper, j’étais à des kilomètres de l’endroit où j’ai commencé. Mais j’ai appris alors: allez assez vite et sentez-vous assez dur, et vous finirez par vous retrouver étalé dans les feuilles sur le bord du sentier à minuit, ou recouvert de neige sur un pont ferroviaire abandonné en novembre. C’est un moment de transition que vous apprenez à aimer: le désir, la conduite vers qui vous envoie sur le bord et hors de contrôle. Mieux encore, l’instant d’après: le silence après l’effondrement, la tête qui siffle, votre corps témoigne d’une émotion que vous ne pouviez pas mettre en mots même si vous essayiez.

D’où vient le besoin de bouger plus vite, de respirer plus fort, de bouger physiquement à travers ce que nous ressentons et d’atteindre la catharsis? «Peut-être qu’il s’agit de passer de ne rien ressentir pour ressentir quelque chose – peut-être tellement quelque chose que ça ne ressemble plus à rien», répond Larissa Pham dans le premier essai de son nouveau livre, Chanson pop: aventures dans l’art et l’intimité. «Maintenant, cela semble juste: combien de fois dans ma vie ai-je voulu me frayer un chemin au bord de la sensation pure, à la recherche de la forme de quelque chose d’aussi grand qu’il pourrait m’effacer? Bien qu’elle parle de courir ici, c’est le même principe: un corps en mouvement reste en mouvement jusqu’à ce qu’il se heurte à quelque chose, jusqu’à ce que les sentiments bouillonnent sur le vaisseau de votre corps et se répandent sur le trottoir. À la recherche de la beauté dans ces moments d’oblitération, vous décollez trop vite et frappez fort le sol lorsque vous mettez tout votre corps dans votre désir.

L’instinct de mythifier votre désir de cette manière se sent inhérent à la jeunesse, en particulier aux personnes, moi y compris, qui ont atteint leur majorité et qui ont écrit à l’apogée du complexe industriel à la première personne et de Tumblr. Donc ce n’est pas étonnant Chanson pop me semble presque douloureusement familier – moins comme regarder dans un miroir et plus comme regarder une vieille vidéo de moi-même, ou peut-être relire un vieux journal. Pham connaît cette époque parce qu’elle était là aussi, en tant que membre du culte de la belle souffrance, prenant des photos de ses genoux meurtris. «Je voulais l’esthétique de l’ecchymose mais pas ce que l’ecchymose dénote», écrit-elle. Quand vous êtes jeune et fille – ou pensez toujours que vous êtes une fille, dans mon cas – vous voulez faire de l’art de votre blessure. Peut-être que vous rationalisez, c’est la seule façon de le métaboliser. Nous nous mythologisons car attribuer un récit à la douleur, tracer une frontière entre le soi et l’émotion, rend l’être supportable.

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Chanson pop prend cette relation et l’encadre, comme les écrivains ont l’habitude de le faire, à travers le métier d’autres artistes, toutes les personnes dont le travail est imprégné de sentiment profond et de sang, à la fois littéral et métaphorique. Pham médite sur les obsessions de Yayoi Kusama, la tendresse et la grâce des photographies de Roy DeCarava, les bleus austères de Nan Goldin, la peinture sanguinaire de Jenny Saville. Elle fait également appel à d’autres écrivains, examinant ses propres désirs et traumatismes à travers l’essai indélébile de Leslie Jamison en 2014, «Grand Unified Theory of Female Pain»; Bessel van der Kolk’s Le corps garde le score: le cerveau, l’esprit et le corps dans la guérison des traumatismes (2015); Maggie Nelson Les Argonautes (2016); et Anne Carson (bien sûr). Le support n’est pas pertinent; il s’agit de la qualité de certaines œuvres pour montrer la profondeur du sentiment dans lequel se trouvaient leurs créateurs à ce moment précis de la création – le tremblement de la voix de l’artiste sur l’enregistrement en direct, l’information contenue dans le grain ténébreux d’une photographie d’un amoureux. En raison de cette tendance à partager, Chanson pop parfois ressemble plus à une lettre qu’à un mémoire: celle d’un amant avec une copie de son poème préféré, un cadeau qui dit: Ici, mes mots ne suffisent pas, mais c’est ce que j’essaie de vous décrire.

Le livre lui-même est un document de sentiment intense, et Pham documente méticuleusement cette catharsis, à la fois dans l’instant et rétroactivement. Elle prend des photos de ses ecchymoses et de ses nez ensanglantés; son université prend des selfies sur son ordinateur portable de ses joues tachées de larmes, qu’elle envoie à son petit ami d’alors. «Les pleurs n’étaient pas le point. C’était ma grande tristesse et, plus encore, ma frustration que je voulais montrer », écrit-elle. «Prendre la photo était ma preuve, mais prendre la photo m’a fait autre chose. Ce n’était pas seulement une preuve; c’est devenu une performance. J’ai choisi de faire ça. J’ai essuyé mon visage. J’ai ouvert la caméra. J’ai fait une photo de ma douleur. C’est peut-être cette envie de documentation qui la conduit vers les documents d’émotion abjecte d’autres artistes, ou peut-être est-ce l’inverse. C’est peut-être l’instinct humain de vouloir capturer nos émotions comme ça, de les mettre en bouteille et de les préserver pour que les autres les voient.

Chanson pop: aventures dans l’art et l’intimité par Larissa Pham (Crédit photo: Catapult)

Avec un regard indirect, un poème d’amour glissé dans une lettre ou entre les pages d’un livre emprunté, Pham nous demande – nous en supplie parfois – de témoigner. Une grande partie du livre vit dans le paradoxe du jeune âge adulte, en particulier en tant que jeune femme de couleur, voulant tellement être témoin mais incapable de supporter le poids ou la signification d’un regard. Nous voyons cela reflété dans le motif de Pham de se couvrir le visage, un geste auquel elle revient encore et encore dans des moments de vulnérabilité émotionnelle ou d’honnêteté inconfortable – lors de la discussion d’un événement traumatisant avec un ami, ou allongée dans son lit en parlant au «vous» du livre, une amante dont elle trace la relation au fil des chapitres et des œuvres d’art. L’impulsion de détourner le regard est forte: ne voulons-nous pas tous pouvoir parler sans parler, pour que nos amants connaissent toutes nos blessures, nos désirs et nos besoins d’un simple coup d’œil? Les mots prononcés semblent être des barrières à briser: Pham préfère les appels téléphoniques, les lettres, les photos sans texte attaché sur un compte Instagram partagé – tous des moyens de communication qui obscurcissent le visage, apparemment pour que le sentiment soit plus clair. Peut-être que c’est aussi le rôle d’un mémoire, un moyen d’éviter le regard tout en se révélant. Dans «Haunted», elle dit à son amant (et à nous aussi): «Je veux juste te faire Ressentir. »

En recréant un moment de sentiment absolu, Pham prend votre tête entre ses mains, vous regarde dans les yeux et fait connaître son désir. C’est le but du voyage: apprendre que vous êtes autorisé à vouloir, puis apprendre à traduire les désirs catapultants de votre corps en vos propres mots. «Je savais que je faisais ce que je fais toujours, en cherchant dans mon environnement une signification», se rend-elle compte. «Je cherchais quelque chose dans le monde qui parlait pour moi. Quelque chose qui m’a tendu la main et m’a dit: Ici. Tu n’es pas seul. » Pham conclut Chanson pop avec la prise de conscience que même le seul peut survivre. Seule dans une ville étrangère, elle se retrouve sans témoin mais toujours debout, vivant le sentiment. Et n’est-ce pas ce que nous apprenons tous de l’autre côté du crash? Que, avec ou sans témoin, vous êtes le premier à vous tenir la main, à panser vos blessures après avoir pris leurs photos. Pour se lever et franchir la porte dans votre propre vie.

Mj Rodriguez comme Blanca dans Pose (Crédit photo: FX)

Depuis le début, Pose s’est avérée être une force, non seulement en raison de sa représentation historique des personnes trans à l’écran et dans les coulisses, mais aussi en raison des personnages trans – Blanca (Mj Rodriguez), Angel (Indya Moore), Lulu (Hailie Sahar), et le un et unique Elektra (Dominique Jackson) – dont nous sommes tombés amoureux au cours de ses trois saisons primées. Ils sont le cœur et l’âme de la série, et nous les avons vus expérimenter tout, du diagnostic du VIH / sida et de la lutte contre la toxicomanie à la navigation dans leur dysphorie et à la dissimulation de leurs secrets les plus sombres (dont l’un est dans une malle dans le placard! ). Ils ont été incarcérés dans des établissements pour hommes, ont perdu l’un des leurs – Candy (Angelica Ross) – par meurtre, et ont essayé de survivre dans les années 80 et 90 à New York. Nous avons pleuré avec eux et pleuré pour eux, mais la troisième et dernière saison de Pose nous donne des raisons de sourire pour eux.

Selon la Human Rights Campaign (HRC), au moins 17 personnes transgenres et non conformes au genre ont été mortellement abattues ou tuées d’une autre manière en 2021. Et, comme toujours, la majorité des victimes sont des femmes trans noires et Latinx. Compte tenu de la violence et des meurtres qui hantent cette communauté, combinés au fait que les femmes trans et leur corps sont traités comme des statistiques, il est d’autant plus nécessaire de souligner la promesse, l’espoir et la vie. Après qu’Angel et Papi (Angel Bismark Curiel) aient fixé une date de mariage, Elektra, un fier membre de la fête de mariage, veut couvrir les coûts de leur mariage et le rendre grandiose. Bien qu’Angel et Papi aient initialement prévu de se marier à l’hôtel de ville, Elektra décide de payer la facture d’un mariage de rêve afin qu’Angel puisse se sentir comme «une mariée dans un film».

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Pour Elektra, la journée spéciale d’Angel et Papi est un substitut à tout ce qu’elle désire pour les femmes trans, principalement le droit de se sentir spéciale. «Vous les filles méritez tout», dit-elle lors de l’essayage d’Angel dans un magasin de mariage haut de gamme. Bien que Papi ne soit pas ravi du généreux cadeau d’Elektra, disant à Angel qu’il le considère comme un «document», Elektra lui rappelle la signification de ce moment: «Votre épouse ne ressemble à aucune autre», dit-elle. «Elle sera la première, la première d’une communauté qui a été exclue du bonheur pour toujours.» Elektra rappelle que ce qui était autrefois un fantasme pour les filles – marcher dans un réel allée dans un réel robe de mariée comme réel mariée – est maintenant quelque chose dont ils peuvent être témoins. Pose a déjà donné à ces femmes des opportunités et des expériences illimitées – des looks de salle de bal emblématiques, passant de la lecture à la saleté leur première fois dans la traînée à gagner des 10 à tous les niveaux, formant de nouvelles maisons et devenant mère de l’année.

Angel n’est pas le seul personnage à avoir une fin heureuse bien méritée lors de la dernière saison: après avoir passé deux saisons à mettre les enfants chez elle en premier, Blanca a enfin un petit ami. Christopher (Jeremy Pope) n’est pas un chasseur ou un métier brutal comme les autres hommes, qui l’ont seulement déçue, l’étaient. Christopher est médecin, accepte sa séropositivité, soutient sa carrière d’infirmière et confronte même sa mère parce qu’elle est transphobe. Bien que Blanca se réfère en plaisantant à Christopher comme un type «Huxtable», elle se demande parfois s’il est trop beau pour être vrai. Mais il n’y a rien de sinistre qui se cache en dessous: c’est juste un homme noir prospère qui aime ouvertement une femme trans. Une femme trans vivant dans une relation saine est un scénario réaliste, bien que les statistiques démentent cette réalité: une étude de 2020 publiée dans le Journal américain de la santé publique ont constaté que les personnes trans sont plus susceptibles de subir de la violence entre partenaires intimes que leurs homologues cis.

Christopher peut alors devenir un modèle de possibilité, encourageant les hommes à aimer sans crainte leur partenaire trans sans une once d’abus ou de violence. Comme le dit Angel lors de son propre toast de célibataire, «Je réalise à quel point il est incroyablement rare pour des filles comme nous de devenir l’héroïne romantique dans n’importe quelle histoire, d’obtenir le prince et le conte de fées.» Bien que notre valeur ne soit pas définie par le fait que nous ayons un partenaire romantique ou un mari, nous, les femmes trans, devons savoir que nous sommes sans limites, que nous sommes dignes d’amour et qu’il y a plus que la peine ou la mort qui nous attendent. Pas toutes les femmes Pose trouvent l’amour et le mariage dans la dernière saison, mais ils réalisent toujours à quel point ils sont spéciaux et exigent leur valeur. Elektra, avec l’aide de Mlle Orlando (Cecilia Gentili) – un chirurgien plasticien de porte dérobée – et de nouveaux associés louches, crée une entreprise lucrative de sexe par téléphone. Elle devient le soi-disant «McDonalds de l’industrie du téléphone-sexe». En tant que nouveau magnat des affaires, Elektra veut dépenser autant que possible pour ses filles. Elle achète même à Lulu un tout nouveau condo. En raison de son incroyable générosité, nous voyons nos quatre protagonistes se régaler de tout, du caviar et du filet mignon au champagne dans des restaurants haut de gamme et arborant les robes de créateurs les plus élégantes tout en étant choyés avec des pédicures et des manucures luxueuses.

Ils sont également vus publiquement sur la ville, respirant la classe, le professionnalisme et s’amusant simplement à la Sexe et ville. Bien que ces extravagances puissent être matérialistes, il est rafraîchissant de voir des femmes trans jouir le luxe de la vie au lieu de simplement survivre. Leur succès, en grande partie, est dû aux liens incassables qu’ils entretiennent les uns avec les autres. Ils étaient là l’un pour l’autre quand ils ont perdu Candy, quand ils consommaient de la drogue et quand ils avaient des doutes sur le fait qu’ils resteraient même en vie. Quand l’espoir était perdu, ils se soulevaient l’un l’autre; c’est ce que font les sœurs et les mères. Après tout, la salle de bal est à la maison, la maison est la salle de bal, et la salle de bal a réuni ces femmes trans puissantes, fortes et inspirantes. Peut-être Pose restera dans les mémoires pour avoir brisé une barrière hollywoodienne autour de la représentation trans. Mais son plus grand message est clair: les femmes trans méritent de s’épanouir, de savoir ce qu’elles ressentent vivant, non seulement être amoureux, mais être aimé en retour, et réaliser des rêves plus grands qu’ils n’auraient jamais pu l’imaginer. Surtout, nous le savons, ils peuvent non seulement gagner un trophée au ballon, mais en fin de compte, mais ils peuvent aussi gagner dans la vie et dans l’amour.

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par se smith

3 mai 2021

Les femmes et les filles trans sont sujettes à une haine uniquement intensifiée grâce à leur hypervisibilité.

fille en rouge (Crédit photo: Fabian Fjeldvi)

Cet article a été publié dans Power
Numéro 88 | Automne 2020
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Marie Ulven Ringheim de Norvège a lancé son projet Girl in Red en 2017, mais, à ce stade, Girl in Red est plus qu’un artiste, ou le projet d’un: elle est synonyme d’une version «chill» de la queerness qui se décrit elle-même. place au changement, au désir et à la sûreté. En juin 2018, Girl in Red a sorti «girls», une chanson de son premier EP, chapitre 1. Elle y chante simplement: «Ils sont si jolis que ça fait mal / Je ne parle pas de garçons / Je parle de filles.» Le clip, qui a été visionné plus de neuf millions de fois, a cédé la place à l’explosion résolument ravissante de Girl in Red. En novembre 2018, elle a sorti le clip de «Nous sommes tombés amoureux en octobre», un single, et il a été regardé plus de 15 millions de fois.

Maintenant, décrocher un clip vidéo dans les millions est une occurrence régulière pour les filles en rouge. «Je veux être ta petite amie», a chapitre 1 piste, a atterri sur le New York Times liste des meilleures chansons de 2018, avec plus de 60 millions de streams sur Spotify. Bien qu’elle soit étiquetée dans la pop de la chambre, elle espère se développer au-delà du genre et continuer à cultiver un public qui se voit dans ses paroles vulnérables. Demander à une fille: «Est-ce que tu écoutes une fille en rouge?» est devenue une façon amusante mais relatable de demander: «Êtes-vous queer? Tu aimes les filles, comme moi?

Nous avons discuté de l’avenir de la fille en rouge, en nous plongeant dans de nouvelles formes d’art pour trouver l’inspiration, et son rêve, et son objectif, d’exploser au-delà des contraintes de la pop dans la chambre pour se faire un nom dans les stades.

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Vous avez dit que vous vouliez que votre musique aide à créer un espace pour les jeunes queer parce que, en grandissant, vous ne voyiez pas vos propres expériences se refléter dans la musique. Avez-vous l’impression d’avoir commencé à faire cela et ressentez-vous une responsabilité envers vos fans?

Cet espace s’est rapidement développé au cours des dernières années et est de plus en plus grand. Pourtant, à ce jour, je continue de recevoir des messages de gens disant à quel point ils se sentent plus en sécurité et partageant qu’ils ne font qu’exister avec leur sexualité plutôt que de stresser à ce sujet. Ça fait partie de mon récit de me détendre, et j’ai envie [my music is] un espace sûr; Je peux dire dans les émissions que c’est sûr.

Vous récemment tweeté que vous êtes frustré lorsque des auditeurs hétérosexuels essaient de se distancer de votre musique en disant qu’ils ne sont pas gay, ils aiment juste la fille en rouge. Pouvez-vous développer davantage sur ce sujet?

J’ai reçu beaucoup de messages de gens qui ressentent le besoin de me dire qu’ils ne sont pas homosexuels. Il y a une chose intéressante autour de cet espace que j’ai créé où les gens qui ne sont pas queer ou qui ne s’identifient pas encore comme queer [feel] le besoin d’être comme, « Non homo, j’aime ta musique », et c’est bizarre. J’espère que ma musique n’est pas seulement pour les enfants queer, mais pour les enfants hétérosexuels qui ont les mêmes sentiments.

Je ne réponds généralement pas à ces messages, ou je dis merci. Je ne veux pas commencer une histoire de cul, comme: « Yo, tu n’as pas besoin de dire que tu n’es pas gay. » Je ne vois pas cela changer le monde de quelque manière que ce soit. J’ai juste l’impression que ça me touche, parce que les gens ont envie de dire: «Je ne suis pas comme toi, mais j’aime ça», ce n’est pas ce dont je parle. Je sais que je parle d’aimer les filles, mais ce n’est pas seulement cela; c’est l’amour. Détendons-nous. Cela peut sembler naïf, mais j’aimerais juste que les gens ne s’en soucient pas autant. Je sais qu’il y a encore [about 70] pays du monde où être gay est illégal et où vous serez tué ou suivi par la police [or at very least, a criminal record], donc je pense que je suis juste en avance sur les gens.

Votre musique a toujours été très désireuse et vulnérable. Votre chanson la plus récente, «midnight love», en fait écho. Comment êtes-vous devenu si à l’aise avec l’ouverture sur des sentiments intimes comme l’amour et le désir dans votre musique?

[Early on], Je me suis accepté comme étrange ou autre; ça n’a jamais été un problème pour moi. Je suis vraiment privilégié: je vis en Norvège, et c’est littéralement l’un des meilleurs pays à [live in as a] gay ou queer [person]. Pour moi, c’était tout simplement normal, et j’écris juste sur ma perception de la vie et comment j’ai vécu la vie. Au début, surtout [with] mes premières chansons comme « je veux être ta petite amie », je n’avais pas vraiment de public, donc je n’ai jamais vraiment été comme « Oh, je me sens enfin assez forte pour faire ça maintenant. » [The strength] était juste là.

Comment votre processus a-t-il évolué depuis les chansons précédentes vers « Midnight Love »?

Le processus est un peu similaire, mais à l’époque, je jouais beaucoup de guitare et écrivais de manière moins structurée que maintenant. Je commence généralement un projet Logic et je l’écris là-bas et je suis d’accord avec l’idée. En 2017, quand j’ai écrit «Je veux être ta petite amie», j’ai d’abord écrit la chanson à la guitare, puis je voulais l’entendre dans un autre format, [so] J’écrivais à la guitare et puis [editing and producing with] GarageBand. Maintenant, je travaille à partir d’une idée accrocheuse et je propose d’abord des lignes vocales plutôt que des paroles. C’est juste mieux maintenant.

Faites-vous d’autres types d’art pour entrer dans cet espace libre?

Je me suis vraiment intéressée aux textiles et aux vêtements; cela m’inspire vraiment maintenant. C’est une chose vraiment nouvelle, comme au cours des sept derniers jours. Textile et mode – vous pouvez associer cette merde à la musique. Au cours de la dernière semaine, j’ai vraiment aimé les vêtements industriels de type rouillé, comme des choses qui ressemblent à de la tactique. Quand je marche dehors maintenant et que je vois une zone de construction, je me dis: « Woah, il y a quelque chose ici que j’aime vraiment. » Il y a des sons de construction dans ma chanson qui sortira en juin. Je suis vraiment inspiré par les vêtements et les textiles, et tout est lié, et c’est une chose très inspirante pour moi. Je suis inspiré par les peintures: je vais aller sur le site de la National Gallery et regarder des peintures et il y a tellement de sentiment dans ce type d’art, comme les peintures à l’huile. J’aime aussi beaucoup dessiner et lire (qui est plus une consommation créative); ils vous aident à créer des personnages et à comprendre les personnages. Il y a tellement de choses qui peuvent être inspirées.

Quelle est votre chanson préférée sur laquelle vous avez travaillé au cours de votre carrière?

Je n’arrive pas à me décider entre «l’amour de minuit» et ce qui sortira en juin. Je ne sais pas, mec. Je pense que «midnight love» est le sommet de ma musique jusqu’à présent. Mais la nouvelle chanson a commencé dans un bus de tournée et j’ai travaillé dessus pendant quelques mois. Depuis, ce que c’est devenu avec tous les sons de construction et toute l’ambiance du son et des paroles, [is] tellement génial, je ne sais pas, c’est juste une très bonne chanson. Alors celui-là, peut-être. J’adore toutes mes chansons mais de différentes manières.

Le projet Girl in Red est celui que vous avez dit vouloir laisser évoluer au fil du temps. Quelle est la prochaine étape pour votre musique et qu’est-ce que vous souhaitez expérimenter dans les années à venir?

J’espère que je pourrai sortir du label pop de chambre à coucher que j’ai. Au début de Girl in Red en 2018, j’écoutais beaucoup de musique pop dans la chambre et je voulais que ma musique fasse partie de cette musique, mais je vois ma musique, maintenant, dans des endroits beaucoup plus grands. Je ne me vois pas [in] petites salles de club; Je veux jouer à des putains de stades. Je veux faire de la merde folle (jouer dans un stade pour moi, c’est de la folie, au fait). Je veux juste continuer à étendre mon son et suivre mes impulsions et ne jamais cesser de changer. Je ne veux pas me contenter d’un son ou quoi que ce soit. Je ne veux pas être prévisible; Je veux être en constante évolution et en constante évolution.

Cette histoire a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

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par DeAsia Paige

29 avril 2021

Nous sommes tous toujours à la recherche de confort et d’inspiration.