Emily JH Contois, auteur de Diners, mecs et régimes: comment le genre et le pouvoir se heurtent dans les médias alimentaires et la culture (Crédit photo: avec l’aimable autorisation de l’auteur)

Les femmes sont souvent les sujets de recherche évidents pour les écrivains féministes. Nous nous demandons: comment les femmes vivent-elles, vivent-elles et s’adaptent-elles à un monde patriarcal? Comment le «corps féminin» est-il altéré, surveillé et régulé? Et bien que ce soient des questions cruciales à poser, elles positionnent les hommes comme l’autre invisible et non examiné. Avec tous les yeux sur les femmes, l’attention est détournée de la façon dont les hommes sont blessés par le patriarcat qu’ils soutiennent simultanément. Dans son premier livre, Diners, mecs et régimes: comment le genre et le pouvoir se heurtent dans les médias alimentaires et la culture, spécialiste de l’alimentation et critique culturelle Emily JH Contois tourne notre regard vers les hommes et les façons dont le patriarcat contraint leur vie et leur corps. Son point d’entrée aux grandes questions? De la nourriture mec. Elle nous explique comment la nourriture est commercialisée auprès des hommes en analysant des reliques culturelles telles que les livres de cuisine pour hommes, les aliments diététiques pour hommes et même Guy Fieri – l’incarnation même de la nourriture pour hommes. Mais c’est tellement plus gros que la nourriture. Contois écrit dans son livre: «La nourriture reste l’un des espaces les plus tendus de la culture de consommation pour façonner et refléter l’identité, qui nous sommes et qui nous voulons être, comment les autres nous voient et comment nous souhaitons être vus.» Si nous comprenons la nourriture mec – et The Dude lui-même – nous pouvons mieux comprendre le monde anxieux et obsédé par les binaires qui a rendu The Dude possible.

En nommant et en examinant la nourriture des mecs, Contois nous donne le langage et le contexte historique d’un phénomène omniprésent que nous avons tous sûrement remarqué. Du yogourt pour hommes (alias «brogurt») et le slogan du Dr Pepper TEN «Ce n’est pas pour les femmes» aux innombrables publicités assimilant manger de la viande à être masculin, nous avons tous rencontré les façons bizarres dont les aliments sont emballés et reconditionnés pour séduire aux hommes. Contois explique cette stratégie publicitaire comme une réaction aux angoisses de genre des premiers temps, quand une «mancession» ou «he-cession» mondiale a conduit les journalistes et les critiques culturels à pleurer la «mort du macho». Au milieu de cette crise, The Dude est apparu – embrassant la médiocrité avec son père et mangeant des ailes chaudes jusqu’à ce qu’il fasse mal. The Dude est l’antithèse de la culture diététique, rejetant tout ce qui est sain ou explicitement faible en gras. En tant que son opposé masculin, la nourriture mec révèle l’absurdité de la culture de l’alimentation centrée sur les femmes du comptage et de la restriction des calories et, plus largement, de toutes les règles alimentaires sexospécifiques.

Autant que les agences de publicité essaient de nous convaincre du contraire, les aliments ne sont pas intrinsèquement masculins ou féminins; au lieu de cela, ces idées genrées sur la nourriture sont des constructions culturelles que nous avons le pouvoir de défaire. Contois ne veut pas que The Dude continue d’exister car, bien qu’il contraigne les hommes, il renforce également le binaire cisgenre qui fait mal à tout le monde. Chienne a parlé à Contois de ce que The Dude nous apprend sur le féminisme et la politique raciale et à quoi le monde pourrait ressembler si nous adoptions le genre comme libérateur et expansif plutôt que comme un code rigide de restriction et d’oppression.

Qu’est-ce qui a suscité votre intérêt pour la masculinité et la nourriture? Était là quelque chose de spécifique qui vous a attiré vers cet élément des études alimentaires?

J’étudiais la culture diététique en tant que premier cycle pendant ce moment étrange du début des années 2000 où les régimes qui se sont avérés populaires étaient South Beach et Atkins. De plus en plus d’hommes suivaient ces régimes, contrairement aux régimes faibles en gras précédents où vous ne mangiez que des salades. Lorsque j’ai fait une présentation à l’une de mes premières conférences universitaires, quelqu’un a souligné: «Vous avez cette ligne sur les hommes et la masculinité. Peut-être devriez-vous vous pencher davantage sur cela. C’était un moment générateur. Mais j’ai commencé avec les femmes; Je me suis intéressé à [the relationship between] la culture de l’alimentation et les femmes. Mon premier essai publié était [about] Drop Dead Diva. J’étais vraiment intéressé par les représentations du corps des femmes, nos identités. Étudier les hommes et la masculinité était un moyen de comprendre le genre et le pouvoir, et cela m’a en fait beaucoup appris sur les femmes, la féminité et l’idée du féminin – en particulier comment il est construit par les annonceurs et les spécialistes du marketing.

Pensez-vous que cette étude de la masculinité est bénéfique pour le féminisme?

Le livre utilise une approche féministe pour déballer le patriarcat et le replacer dans un contexte historique et culturel. Cela se joue dans des textes auxquels vous ne vous attendez peut-être pas, comme [the hashtag] viandes, livres de cuisine et phénomènes médiatiques fous. Je dis souvent que le patriarcat nous opprime tous, [but it doesn’t impact] nous tous au même degré; l’histoire raconte aussi comment le patriarcat piège les hommes. Un article que j’ai écrit pour NBC News ce dernier Thanksgiving parlait de la façon dont tout le monde pouvait se battre contre le patriarcat. Mon argument ne consiste jamais seulement à libérer les femmes. Les femmes ont été injustement opprimées par ce système patriarcal, de sorte que la dynamique est toujours là, mais [I’m always focusing on] ce projet plus large.

Nourriture mec semble favoriser une destruction des hommes par excès. Comment voyez-vous la nourriture mec renforcer la promotion de la destruction des femmes par la restriction?

Nous pouvons faire valoir que le patriarcat a créé l’idéal mince: les appétits et le corps des femmes en tant que manifestations physiques de [the expectation to] ne prend pas de place, n’a pas de voix ou n’a pas de pouvoir. C’est assez similaire à certains de ces aspects de la masculinité toxique que nous voyons [promoted] par le patriarcat, s’attendant à ce que les hommes ne prennent pas soin de leur corps, mangent de la nourriture épicée jusqu’à ce que ça fasse mal et mangent beaucoup de nourriture jusqu’à ce que ça fasse mal. Les hommes qui disent «je suis plein» se font mal. Ces éléments patriarcaux blessent [all] de nous. Je fais le revers de la médaille dans le livre sur le «zéro», la méthode de marketing pour vendre des aliments diététiques non diététiques aux hommes. Nous l’avons commercialisé très différemment pour les femmes. Nous avons vu zéro appliqué à des choses comme les Power Bowls – salades gonflées [with] un «grain ancien» et des super aliments ajoutés. Ces discours vous amènent à vous demander: est-ce stimulant? Est-ce mieux que la culture diététique ou montre-t-elle les dessous de la culture du bien-être?

Dans quelle mesure ce phénomène est-il un phénomène américain ou occidental, et voyez-vous la nourriture mec se jouer dans d’autres contextes?

Le sentiment d’avoir le droit de bien manger, les idées d’être masculinisé et d’avoir une compréhension de classe particulière qui renforce ces idées de suprématie blanche ne sont pas seulement américains. Il y a quelques exemples que j’évoque dans le livre d’Australie et du Royaume-Uni. Dans ces espaces coloniaux similaires – l’Australie en particulier – vous voyez des dynamiques très similaires. L’Australie a une très grande culture culinaire pour les mecs. Nous y sommes allés très brièvement, et l’une des choses que nous avons constatées à l’épicerie, c’est que le lait est devenu un aliment masculinisé. Le lait au chocolat était considéré comme l’équilibre parfait en macronutriments pour votre boisson post-entraînement. Il est passé de la nourriture pour enfants à cette boisson riche en protéines après l’entraînement.

Mais il y avait des instructions sur le carton sur la façon de l’ouvrir. Il dirait quelque chose comme: «Ouvrez le buste ici!» C’était tout ce langage violent et ridicule sur la façon dont vous êtes censé interagir physiquement avec ce contenant de cette manière virile et violente qui est censée se heurter à la nourriture pour enfants. [Australia also] a une forte culture de la viande liée à l’idée que la viande est masculine. Je ne pense pas qu’aucun de nous soit allé plus loin que Carol J.Adams il y a 25 ans avec La politique sexuelle de la viande: une théorie critique féministe-végétarienne. Elle a tout expliqué. Je montre juste comment il a été déployé par [the food] industrie et animé notamment des moments culturels. Mais sa théorie de la consommation de viande et de la construction des hommes, de la masculinité, du pouvoir impérial et de la blancheur était juste depuis le tout début.

Diners, mecs et régimes: comment le genre et le pouvoir se heurtent dans les médias alimentaires et la culture par Emily JH Contois (Crédit photo: The University of North Carolina Press)

Comment la blancheur rend-elle possible la nourriture des mecs, et quelle part de The Dude repose sur un héritage colonialiste? Je pense par exemple à Guy Fieri qui «réinvente» le sushi en prenant cette forme d’art japonais et en la transformant en cette cuisine américaine méconnaissable et remplie de viande.

Même si The Dude se relâche, c’est [still] une identité privilégiée. Baiser et ne pas s’en soucier – c’est seulement [possible in] une position d’autorité de statut et un confort relatif. Cela fait partie du patriarcat et de la blancheur [work], et il y a un investissement dans l’autorité permanente de la blancheur et de la masculinité. Avec Fieri, il s’agit bien plus de ce multiculturalisme compliqué qu’il crée sur Diners, ciné-parcs et plongées; il n’est pas libre de la logique impérialiste et de la suprématie blanche inhérente [found in] émissions de récits de voyage culinaires. Des gens comme Anthony Bourdain le faisaient mieux [by] avoir des conversations que les chercheurs diraient [about] gastrodiplomatie. Mais Fieri s’inscrit dans cette tradition des spectacles gastronomiques où vous sortez et «découvrez».

Quand j’ai fait une analyse de ses livres de cuisine, une partie du langage qui est sorti était que vous êtes en voyage, vous êtes à l’aventure, vous découvrez des merveilles culinaires et vous les ramenez. Il transforme toutes ces découvertes, recherches et découvertes en [a form of] le partage et la promotion, mais c’est toujours similaire aux émissions de voyage, qui jettent généralement un lieu avec un regard colonialiste et étranger. C’est à partir de ce lieu de privilège qu’il peut dire que nous devrions décocher toutes ces catégories marquées -[that] il ne devrait pas s’agir de «nourriture ethnique». Il veut que tout soit équitable d’une manière qui soit [seemingly] authentique: nous voulons profiter de tout. Nous voulons que tout soit disponible. Mais [his approach is coming] depuis une position de pouvoir, [and this power] ne serait pas équitablement distribuée à une petite entreprise appartenant à des immigrants qui souhaitait [do] le même genre de cuisine hybride mass-fusion que Fieri.

Nous sommes dans un moment de crise et de troubles sociaux: comment voyez-vous The Dude se dérouler au fil du temps, ou bien quel serait votre avenir idéal pour la masculinité et la nourriture?

Je ne veux pas du tout que The Dude existe. Je suis d’accord avec ce genre de genre qui disparaît totalement. Mais il est avec nous depuis 100 ans; il était [just] configuré différemment et attaché à la nourriture en ce moment du 21e siècle. Dans l’espace marketing, ou même dans le journalisme et les médias, il y a cette idée de public de niche, et si souvent, il y a cette idée réductionniste de qui est ce public. Qui essayez-vous d’atteindre? Nous [been reductionist when it comes to] le genre dans les médias féminins, les films féminins et la littérature féminine. Parfois, j’aime Jennifer Weiner paniquer à propos de l’idée de «chick allumé» plus que ses vrais livres; [she was making] un argument si important. Je veux cela [gendering] partir avec de la nourriture.

J’ai déjà fait valoir cet argument à un groupe d’annonceurs: que se passe-t-il si nous ne ciblons plus le marché par sexe? Et si nous vendions simplement d’excellents produits aux gens? Que se passerait-il si nous faisions cela? Une [way] ils ont repoussé était [by saying] nos identités de genre, en plus de toutes les autres parties et parties de nous-mêmes, sont un moyen significatif de se connecter. Après que la publicité de Gillette sur la masculinité toxique ait eu tout ce contrecoup, il y avait une publicité qui mettait en vedette un homme transgenre noir apprenant à se raser avec son père. C’était vraiment magnifique. Le genre a raconté une histoire sur le rasage, le passage à la virilité et le soutien d’un père; Je veux voir le stéréotypes de genre va-t’en.

Le Royaume-Uni a interdit les publicités qui parlent de femmes, d’hommes, de personnes transgenres et de personnes non binaires [in disparaging ways]. Les publicités et la production médiatique devraient être tenues pour responsables de ce qu’elles diffusent dans le monde, car elles peuvent entamer des conversations et contribuer à nous faire avancer et à rendre les choses plus merveilleuses, mais elles peuvent aussi faire du mal. [by] contraindre qui nous sommes et qui nous rêvons de pouvoir être.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

Lisez ceci ensuite: Au-delà de la peau profonde

par Lexi McMenamin

19 avril 2021

Nous sommes tous positifs pour le corps tant que cette positivité comprend le fait de nous déformer au-delà de la reconnaissance.

Khloé Kardashian pose sur Instagram après avoir reçu des critiques (Capture d’écran d’Instagram / KhloeKardashian)

Récemment, l’influenceuse et chanteuse de 21 ans, Madison Beer, a partagé un message dans son histoire Instagram sur les quantités importantes de travail d’édition et de travail professionnel des maquilleurs et des coiffeurs qui entrent dans sa routine de beauté. «Je cache mes insécurités pour me protéger des dommages que cela causerait de voir d’autres personnes les signaler encore et encore dans la section des commentaires», a écrit Beer à plus de 24 millions d’abonnés Instagram, avant de partager une photo inédite de son visage. parsemée d’acné et une autre image d’elle en pleurs. «J’essaie d’être aussi vocal que possible à ce sujet parce que je veux changer la conversation en une conversation qui permette à toutes les femmes de coexister et d’être belles d’une manière qui dépasse la peau de la peau.» C’était l’une des premières fois que Beer admettait avoir modifié son apparence pour les photos. Elle a nié à plusieurs reprises avoir subi une chirurgie plastique et a poursuivi cette série de déni jusqu’en 2020, lorsque les utilisateurs de TikTok ont ​​poussé Beer à admettre avoir utilisé Facetune et avoir reçu des injections dans les lèvres. Ce conflit a atteint un point critique après avoir été photographiée se cachant derrière un buisson à l’extérieur d’un bureau de chirurgie esthétique pour éviter les paparazzis (Beer a affirmé qu’elle se faisait enlever une taupe).

Khloé Kardashian a récemment écrit une longue légende après qu’une photo non modifiée de son corps soit devenue virale en ligne alors que son équipe se serait battue pour la faire retirer. «En tant que personne qui a lutté avec l’image corporelle toute sa vie, quand quelqu’un prend une photo de vous qui n’est pas flatteuse sous un mauvais éclairage ou qui ne capture pas votre corps tel qu’il est après avoir travaillé dur pour y arriver – et ensuite le partage avec le monde – vous devriez avoir le droit de demander qu’il ne soit pas partagé – peu importe qui vous êtes », a écrit Kardashian. Elle a ensuite détaillé certains des commentaires implacables qu’elle a reçus au sujet de son corps au fil des ans: «« Khloé est la grosse sœur ». «Khloé est la vilaine sœur. «Son père ne doit pas être son vrai père parce qu’elle a l’air si différente. «La seule façon dont elle aurait pu perdre ce poids a dû être une intervention chirurgicale. Dois-je continuer?

Les performances blessées de Beer et Kardashian et le refus de reconnaître les critiques indiquent une erreur logique: nous sommes tous positifs pour le corps tant que cette positivité comprend le fait de nous déformer au-delà de la reconnaissance. Kardashian a publié des photos de son visage de plus en plus méconnaissables sur Instagram au cours de l’année dernière, commentant plus tard que son «âme est à un point de rupture» en raison de la réponse du public. Il est difficile de ne pas sympathiser avec Kardashian, étant donné qu’une grande partie de l’examen minutieux auquel elle a été confrontée a été blessante et enracinée dans la fatphobie ou des normes de beauté oppressives. Cependant, elle a également été ambassadrice de beaucoup des mêmes choses qui la blessent maintenant, colportant des thés sur le ventre à ses adeptes tout en cultivant une apparence impossible à vivre – pas seulement pour elle-même, mais aussi pour ceux qu’elle copie. (Les Kardashians et Jenners sont presque aussi tristement célèbres pour leur appropriation de la culture noire qu’ils le sont pour leur émission de télé-réalité.) Bien que les racines du mouvement de positivité corporelle soient dans des espaces anti-oppressifs, la cooptation de la phrase par ceux-ci qui sont passés des thés abdominaux et des entraîneurs de taille au perroquet de ce langage pour leur propre défense – comme Kardashian – n’efface pas sa vraie signification.

«La haine et le harcèlement de masse dans le train en marche sont des choses avec lesquelles je ne suis pas d’accord…. L’intimidation a été un problème qui a conduit au suicide et à la dépression pendant tant d’années et d’années et les gens ne se soucient toujours pas de changer », a tweeté Beer en juin 2020.« Concentrez-vous sur votre propre vie et arrêtez d’être si haineux envers les étrangers. Encore une fois, alors qu’il doit être incalculablement inconfortable d’être sous un tel projecteur, Beer ne se sent-elle pas responsable de la façon dont sa présentation, avec la force démocratisante des médias sociaux, élargit ce projecteur pour inclure des personnes sans ses ressources? Bière racontée Panneau d’affichage en 2018, elle a commencé à vendre une marque de thé à ventre plat à l’âge de 13 ans et, réalisant plus tard l’impact possible que son approbation pourrait avoir sur ses fans, «Même alors, cela ne semblait pas bien.» Si elle pouvait alors reconnaître son impact possible, pourquoi a-t-elle si peur de le voir maintenant? Au-delà de cela, quel est l’intérêt de revendiquer l’intimidation d’une foule en ligne anonyme – des gens qui, en réalité, ne demandent que l’honnêteté – alors que vous avez gagné des millions avec cette même foule? En quoi le partage d’un harcèlement photo non édité et, selon la plupart des comptes, flatteur? Comment pointe-t-on l’écart entre la «positivité corporelle» et une dépendance à l’édition de votre harcèlement d’apparence?

Il est intenable de se présenter comme quelqu’un qui prône la «positivité corporelle» ou lutte contre les normes de beauté oppressives lorsque vous maintenez – et profitez de – les mêmes normes que vous critiquez. Les messages de Kardashian et Beer au public revendiquent le statut de victime et suggèrent que l’examen de leurs apparitions n’est pas différent de celui dirigé vers les femmes du monde entier, mais cela ne tient pas compte de la façon dont les influenceurs de leur calibre et de leur pouvoir ont permis l’examen des autres. Des comptes Instagram populaires, y compris @celebface, ont relaté et documenté comment les photos de Beer, Kardashian et d’autres célébrités ont été retouchées, et comment leurs visages et leurs corps ont changé au fil du temps, révélant les coutures cosmétiques qui maintiennent la présence sans faille des célébrités sur les réseaux sociaux. et influenceurs ensemble. Bien que certains puissent accuser ces récits avant-après d’être anti-féministes ou de perpétuer une culture de la honte, ils sont sans doute un contre-sens nécessaire au flux ininterrompu de perfection organisée des médias sociaux.

Cette pression pour la perfection a clairement atteint Kardashian, dont l’équipe de relations publiques a menacé de poursuites judiciaires contre les comptes de médias sociaux qui ont republié la photo. Un de ces utilisateurs, The Good the Bad and the Fake, qui a dit Insider que le responsable des relations publiques de Kardashian a menacé de signaler leur compte pour «intimidation et harcèlement» dans l’heure suivant la republication – des captures d’écran récemment partagées de Kardashian publiant des photos non éditées d’autres femmes sur son Instagram. «Oh, mais elle est d’accord pour publier des photos non éditées d’autres personnes. Mais pas la sienne », lit-on dans la légende. «Son corps est positif vis-à-vis du corps de tout le monde sauf le sien!» D’une part, les gens ont le droit de faire des choix personnels concernant leur apparence. Cependant, comme l’a écrit Sophia Stewart dans un article récent pour Chienne, le corps des femmes est également destiné à la consommation publique, sans cesse politisé même si elles veulent se retirer. « Dans l’ensemble, [before and after Instagram] les comptes incarnent le panoptique numérique dans lequel toutes les femmes sont piégées – toujours surveillées mais incapables de voir qui regarde », a observé Stewart. «Pourtant, dans un autre sens, ils fournissent une vérification palliative de la réalité, démystifiant ce qui semble être une beauté surhumaine.

Respecter des normes de beauté oppressives par le biais de votre propre argent n’est pas un choix neutre en termes de valeur simplement parce que vous le souhaitez, en particulier lorsque d’autres luttent pour survivre sans ces ressources. Les femmes trans ont du mal à se payer une chirurgie de féminisation du visage, qui peut sauver des vies, mais peut également coûter entre 30 000 $ et 50 000 $. La beauté est tout autant une question de pouvoir qu’autre chose. Quand les célébrités devront-elles assumer la responsabilité de perpétuer les mêmes normes de beauté dont nous souffrons tous? Pour être clair, alors que les riches célébrités blanches ont un rôle à jouer dans l’annulation des normes de beauté oppressives auxquelles nous vivons tous, elles ne sont pas les seules responsables, et je suis réticent à positionner cela comme un problème individuel quand ils sont seulement symptômes de la dynamique toxique plus large. Et pourtant, Beer et Kardashian s’attendaient, en fait, à se protéger de la critique en donnant la priorité à leurs propres sentiments personnels concernant l’édition de leurs images plutôt que de s’en tenir à leurs positions anti-intimidation et positives pour le corps.

J’imagine qu’une telle affirmation est insuffisante pour que la jeune fille de 16 ans qui télécharge Facetune leur ressemble incroyablement plus. Nous avons vu le danger que le fait de trop insister sur les récits d’autonomisation personnelle – et, plus précisément, de les présenter comme des actes intrinsèquement radicaux – peut faire pour les personnes marginalisées. Pour quelqu’un d’aussi puissant et de succès qu’un Kardashian, dire que dissimuler une photo parfaitement normale de son corps est de la «positivité corporelle», ou pour quelqu’un d’aussi beau de façon conventionnelle que Beer de prétendre que toute suggestion de chirurgie plastique est intrinsèquement insultante et intimidante, d’où vient-elle ceux d’entre nous sans leurs ressources juridiques et financières? Que dirait-il si, au lieu de cela, ils adoptaient ces critiques et reconnaissaient leur propre rôle dans le maintien des normes de beauté? À tout le moins, il ne semble plus valable de prétendre à l’ignorance, même – et surtout – lorsque les sentiments d’une personne puissante sont blessés.

Lisez ceci ensuite: Capital personnel

par Sophia Stewart

10 mars 2021

«Vous n’êtes pas moche, juste pauvre» communique que la beauté n’est souvent pas naturelle.

Melody Hurd comme Grace Jean, à gauche, et Deborah Ayorinde comme Lucky dans Eux (Crédit photo: avec l’aimable autorisation d’Amazon Studios)

Cet article contient des spoilers pour la nouvelle série d’horreur de Prime Video Eux, ainsi que des descriptions graphiques de la violence raciste, de l’infanticide et des agressions sexuelles.

Quand la bande-annonce de la série Prime Video de Little Marvin Eux chuté, commentateurs en ligne l’a comparé au film 2019 de Jordan Peele Nous. La similitude se termine avec la convention de dénomination, cependant, car la pièce d’époque de Marvin raconte une histoire de terreur raciste parfois surnaturelle, souvent d’origine humaine, à travers des représentations frappantes d’une violence grotesque. En comparaison, le style de Peele jette largement la valeur du choc de côté pour une peur alimentée par la curiosité et en croissance exponentielle. Se concentrant sur la famille Emory: la mère Lucky (Deborah Ayorinde), le père Henry (Ashley Thomas) et les filles Ruby (Shahadi Wright Joseph) et Gracie (Melody Hurd), le récit de Marvin saute fréquemment des périodes et des réalités, avec l’arc principal de l’histoire. la réinstallation de la famille d’une communauté rurale de Caroline du Nord à Compton, en Californie. Lorsqu’ils déménagent dans l’Ouest après qu’Henry a décroché un emploi d’ingénieur travaillant sur des projets de contrats avancés pour le ministère de la Défense, la famille rencontre des terreurs qu’ils pensaient avoir laissées derrière.

Henry est la seule personne noire sur son lieu de travail qui ne soit pas dans le secteur des services; il subit des microagressions et un racisme explicite, y compris une rétrogradation inattendue et injustifiée. Les filles font face à des traitements racistes et autres à l’école, et Lucky rencontre la résistance blanche non seulement des femmes au foyer du quartier qui rassemblent tout le quartier pour terroriser sa famille, mais de toutes les personnes blanches qu’elle rencontre. Alors que le reste de la famille a des lueurs d’une «vie normale» dans leurs rencontres quotidiennes avec les Blancs, Lucky est le seul à ne jamais avoir eu de répit de la violence blanche. Son seul sursis est un voyage en bus pour rendre visite à un membre de sa famille dans la région de Los Angeles, où elle fait la fête avec d’autres Noirs et expire vraiment pour l’un des seuls moments de la série. Les femmes noires qu’elle rencontre au cours de son voyage partagent des difficultés similaires, tout comme la femme qui donne naissance à l’origine fantomatique du récit.

La violence estomac-barattage contre les femmes noires est presque constante, ce qui a fait Eux difficile à supporter parfois. Dans plusieurs scènes – scènes qui, au fur et à mesure qu’elles se déroulent, laissent leur existence dans la réalité ou le paysage de rêve au spectateur – nous ne pouvons pas déterminer si une femme noire est l’auteur, la victime ou les deux, souvent avec les membres de sa propre famille comme ses cibles. Au début de la série, les téléspectateurs sont amenés à croire que Lucky, dans un accès de folie, était impliquée dans la mort de son fils en bas âge alors que son mari et ses filles étaient absents. Ce n’est que dans le dernier épisode qu’il est confirmé au téléspectateur et à Henry que les flashbacks que Lucky a vécus tout au long étaient vrais: des souvenirs prolongés, sanglants et fréquents la décrivent avoir été violée par des hommes blancs et son bébé matraqué à mort par une femme blanche.

Dans d’autres vignettes, l’intrigue serpente à travers des histoires de femmes noires avec lesquelles Lucky doit entrer en contact, qui a également servi de pointe pour déségréger leurs quartiers blancs hostiles de Compton. Ces présentations sont faites par des Blancs apparemment bien intentionnés, y compris l’agent immobilier qui a vendu aux Emory leur maison avec un prêt prédateur – une partie d’un plan détaillé pour déclencher la fuite des blancs et enrichir les sociétés immobilières et les prêteurs hypothécaires. L’agent immobilier atteste que ces autres familles sont désormais parfaitement heureuses et intégrées, mais Lucky apprend une réalité plus sombre, qui est finalement imputée aux colons blancs de la région. J’ai une théorie personnelle selon laquelle les histoires d’origine sortent les téléspectateurs de l’horreur et se retrouvent dans les schémas campy que les critiques utilisent pour délégitimer le genre. La règle sonne malheureusement vrai pour le départ Eux prend en compte les spectres racistes qui hantent les familles noires – l’une connue sous le nom de Black Hat Man – qui les oblige à faire des choses horribles, y compris le meurtre de leurs familles.

Certaines des femmes, y compris Lucky, sont institutionnalisées pour leurs visions de ce fantôme, dont nous apprendrons plus tard qu’il était un colon allemand qui a fondé une communauté chrétienne. Tordu par la perte personnelle, la famine, la déshydratation et l’hostilité croissante de ses pairs racistes, le «saint» homme est devenu fou et est devenu convaincu que les Noirs méritaient le traitement brutal que Dieu leur avait accordé, puis leur infligeait ses propres punitions à son tour. Dans une scène que je recommanderais de sauter – honnêtement, tout l’épisode de l’histoire d’origine peut être ignoré – ses partisans lient, battent, torturent et utilisent des pokers chauds pour aveugler un couple noir qui leur avait été confié, puis ils les brûlent vifs. La femme était enceinte et son eau s’était cassée des heures auparavant, ajoutant les cris de ses douleurs de travail aux cris de sa torture brutale. Une deuxième saison commence bientôt la production, et Marvin a déclaré qu’elle se concentrera sur une distribution différente de personnages: «Chaque histoire sera une période différente, des gens différents, mais ce qui restera le même, c’est qu’il faudra toujours des gens qui étaient en grande partie marginalisés et historiquement jamais au centre de ce genre d’histoires et nous allons les sortir des marges et les placer au centre de leurs propres histoires de terreur américaine.

Ma peur ne vient pas de raconter des histoires d’horreur centrées sur des personnes marginalisées – j’ai même plaidé pour cela dans un essai publié dans le numéro Monster de Chienne– mais j’ai peur de la livraison. À de nombreux moments pendant Eux, J’avais l’impression que la violence viscérale et accélérée visait à pousser le public blanc à demander combien de douleur noire ils pouvaient supporter jusqu’à ce qu’ils la condamnent enfin et s’approprient leur rôle dans celle-ci. Autant que je sache, la limite n’existe pas. Dans nos propres vies réelles, Derek Chauvin, le policier qui a tué George Floyd, est jugé – et cela se joue sans cesse aux informations du câble jour après jour, sur fond de mort encore plus noire aux mains de la police. Ceux qui ont l’estomac à regarder ou la témérité à témoigner verront diverses vidéos présentant la mort prolongée et brutale d’un homme noir aux mains d’un homme blanc, souvent vu sourire et se moquer de la foule – l’assurance de son impunité. Certains clips sont répétés encore et encore, disséqués pour à quel point le meurtre semble violent et intentionnel. Au cours des dernières semaines, nous avons également vu des vidéos de personnes asiatiques attaquées, assorties de tordements de main pour savoir si la fusillade d’un homme blanc ciblant principalement des femmes asiatiques était effectivement raciste. Dans de nombreux cas, des cas ont été portés contre le visionnage et le partage des vidéos graphiques, plaidant pour le respect des victimes et limitant le traumatisme de ceux qui ont également subi des violences raciales.

Nous savons que la narration d’horreur fictive peut centrer les personnes de couleur d’une manière qui ne vire pas au traumatisme ou à la torture. Pour moi, d’autres histoires bien faites dans le genre donnent des indices de la horreur du spectateur à se décompresser – en se connectant à nos propres peurs ou en mettant en lumière nos propres complicités, plutôt que de tout exposer de manière aussi cruelle et explicite à l’écran. Cela vaut aussi bien pour la nature et la profondeur de la violence que pour les images des «monstres». Nous savons que la douleur noire est réelle, que la violence raciste est réelle et que terroriser les communautés de couleur est réel, et diluer ces réalités dans les moments de carnage eux-mêmes ou dans les actions du monstre individuel donne moins de crédit au public pour notre propre capacité à tirer un sens dans l’horreur, et pire, pourrait aliéner les fans d’horreur de la couleur. Grâce à un jeu d’acteur puissant et compétent, à une cinématographie intelligente et à des décors et des scores immersifs, Eux plonge les téléspectateurs dans une histoire qui ne laisse aucune idée de l’endroit où les horreurs américaines s’enveniment: en nous, cuites dans la terre sous nos pieds, dans l’eau que nous buvons et dans l’air que nous respirons. Un défi pour les futures itérations de la série sera de permettre aux téléspectateurs de faire le travail de nous imaginer en train de créer et d’exister dans un monde où l’horreur est moins artificielle.

Lisez ceci ensuite: Se cacher dans les rêves

par Juan Barquin

12 février 2021

«Bitch» a parlé avec Jane Schoenbrun du film, de la dysphorie et de la façon dont Internet façonne nos identités.

Crédit photo: Instagram / atmfiend

Jenna Mahale est la boursière en rédaction 2021 de Bitch Media en technologie

Une femme portant un bikini couleur champagne s’accroupit dans une forêt verdoyante et regarde au loin. «Salut cowboy», semble-t-elle dire, ses mots flottant dans un nuage de discours rose, «Je suis désolée de dire que je n’apprends plus aux hommes à être de bonnes personnes, alors continuez maintenant!» Le créateur derrière l’image est l’écrivain et artiste Erin Taylor, dont le compte Instagram @atmfiend a commencé comme une page de mèmes fétichistes et pervers («Je travaillais dans un cachot sexuel à 22 ans») mais s’est rapidement transformé en ce qu’elle appelle son «traumatisme en ligne journal de bord. » Pour Taylor, qui a contribué à Chienne, aucun sujet n’est interdit à son audience en ligne. «Je ne considère pas vraiment une chose que j’ai traversée comme un tabou», dit-elle, «même si je reconnais que certaines expériences sont un peu plus taboues à discuter publiquement, comme les expériences d’abus sexuel pendant l’enfance, la séparation de la famille ou les expériences. dans le commerce du sexe.

Les articles explorent les événements traumatisants de la vie de Taylor, les spirales de la pensée dépressive et plus encore, associant souvent des monologues intimement personnels et sans ménagement à des photos de paparazzi de célébrités des premiers temps. Une Britney Spears sursaturée dénonce l’anxiété qui tend à accompagner la prise de décision de l’exécutif. Danny DeVito promène son chien saucisse à côté d’un texte sur l’impact durable de la maltraitance au début de sa vie. L’effet global est un effet d’absurdité maximale – ce qui est bien sûr le but. Depuis un certain temps, il semble de plus en plus que les seules choses qui ont du sens sont des choses qui n’ont aucun sens. Il n’est donc pas étonnant que le mème, un reflet ostensible du monde dans lequel nous vivons, continue de devenir de plus en plus ésotérique et de plus en plus sombre. En particulier sous l’emprise de la crise sanitaire mondiale actuelle – une crise qui a aplati la communication et confiné la plupart des interactions à nos écrans – le mème est entré dans une nouvelle ère en tant que raccourci émotionnel.

Dans Richard Seymour Livre 2019 La machine Twitter, la métaphore d’une «dent virtuelle» est utilisée comme un point de comparaison pour se vautrer dans sa misère en ligne comme un moyen de détourner la douleur d’une tristesse plus profonde à l’intérieur. Seymour écrit: «En proie à un mal de dents, un réflexe commun est de serrer le poing si fort que les ongles mordent dans la peau.» En créant un «centre virtuel d’excitation», la douleur est détournée. «Si nous souffrons, cela suggère que l’automutilation peut être un moyen de la déplacer pour qu’elle paraisse atténuée, même si la douleur n’a pas vraiment été réduite et que nous avons toujours mal aux dents», écrit Seymour. Suivant cette logique, qu’un mème de dépression soit suffisamment drôle pour faciliter un changement d’humeur ou simplement piquer l’ecchymose, il y a un effet analgésique. Nik Slackman, chercheur principal au Bard Meme Lab, estime que cet utilitaire fonctionne selon des lignes générationnelles. «Beaucoup de gens qui les utilisaient comme un mécanisme d’adaptation à l’adolescence en sont venus à identifier les mèmes comme un élément fondamental de leur langue vernaculaire numérique, de sorte que le nombre de personnes utilisant ce formulaire ne fait qu’augmenter naturellement», dit-il. Chienne. «La tendance avant la pandémie était déjà que tout le monde passait progressivement plus de temps en ligne, il semble donc que cette forme d’adaptation n’a fait que croître depuis.»

De nos sponsors

Une étude de 2020 pose que la connexion que les utilisateurs en ligne ressentent avec les mèmes dépressifs et d’autres formes d’humour noir (prenez, par exemple, la balise incroyablement macabre #literallymylife sur TikTok) est un exemple de «réévaluation cognitive» – la façon dont un individu est capable pour changer leur interprétation d’un événement ou d’une situation. L’auteur de l’étude, Umair Akram, PhD, professeur de psychologie à l’Université Sheffield Hallam, explique que les sujets neurotypiques ajusteront ou recadreront souvent leurs expériences en essayant de se concentrer sur les aspects positifs d’un ensemble donné de circonstances. «Si quelqu’un a eu une mauvaise journée au bureau, il réévaluerait à son retour à la maison et se concentrerait sur les bonnes choses qui se sont produites pendant la journée», dit Akram. «Nous savons qu’avec la dépression, les stratégies de régulation des émotions comme la réévaluation cognitive sont affectées.» Selon les recherches d’Akram, les personnes déprimées sont plus susceptibles de comparer leurs pensées et sentiments négatifs à «quelque chose qui aurait pu être pire».

Plus directement, «les gens veulent simplement se sentir vus», dit Taylor. «Il y a beaucoup de sujets très isolants que les gens ne traitent jamais de leur vie. [There’s a surprisingly large] nombre de personnes qui m’ont personnellement contacté pour me dire: « Eh bien, ça m’est arrivé aussi, je ne l’ai jamais dit à personne ». » Elle poursuit: «Je pense qu’à certains égards, nous avons parcouru un long chemin avec le courant dominant de la compréhension, mais les gens ne veulent pas parler du type de traumatisme qui change la vie et difficile et impossible à comprendre parce que c’est tout ce que vous savez. . Je pense que la page est ma façon de travailler à travers tous les paradigmes abusifs que j’avais normalisés en route pour construire ma propre libération, et je pense que c’est ce que [speaks] aux personnes. »

En subvertissant les attentes des téléspectateurs à l’égard de l’humour typique des mèmes – les mèmes plus traditionnels sont souvent à la fois légers sur le texte et en termes de sujet – les mèmes dépressifs trouvent beaucoup de leur pouvoir. «Quand vous voyez un mème traumatisant qui frappe, c’est souvent parce que le créateur a pris ce média omniprésent, dans lequel les images présentées ont tendance à provenir des coins les plus étranges de la culture pop, et lui a donné un texte hyper-spécifique que seul le le créateur aurait pu produire », déclare Slackman. «L’effet est vraiment émouvant et significatif, et – en rapport avec les mèmes en général – c’est une astuce à laquelle n’importe qui peut participer littéralement en ligne.» Ce dernier point explique en partie la popularité explosive de comptes comme @afffirmations de Mats Anderson. L’artiste de 20 ans a lancé son «Instagram de gratitude radicale» au début de 2021 et compte depuis plus de 200 000 abonnés. «JE THRIVE AU BUREAU», lit la première image d’un récent carrousel de blocs de texte sur des images d’archives. «Ma contribution à la société, ce sont des images sympas sur Instagram», dit le suivant, suivi de «JE N’ENTRE PAS DANS UNE PSYCHOSE PROFONDE ET SÉRIEUSE» et «JE SUIS EN CONTRÔLE».

Les messages d’Anderson, bien qu’agressivement positifs, reposent sur l’humour satirique de la même manière que de nombreux mèmes de dépression. Ils se lisent comme des dénégations talismaniques contre les problèmes de santé mentale, la misère dérivée du capitalisme et d’autres sentiments plus sombres, mais ils fonctionnent aussi indéniablement comme un témoignage de l’omniprésence de ces choses dans la vie des gens. La popularité des mèmes d’Anderson l’a incité à lancer un magasin officiel de produits dérivés qui vend des affiches et des vêtements présentant ses images. Mais les expressions en ligne de la santé mentale individuelle deviennent plus compliquées lorsqu’un impératif commercial est introduit; on pourrait soutenir que les mèmes, soumis à des algorithmes de médias sociaux à motivation commerciale, sont exploités à des fins de profit et d’influence dans l’économie des créateurs en ligne autant qu’ils le sont pour une catharsis publique sérieuse. Le boom des essais personnels est peut-être terminé depuis longtemps, mais l’exploitation de votre propre traumatisme pour la consommation publique crée un contenu à feuilles persistantes dans un système d’exploitation.

Écrivant pour le magazine Real Life sur les dangers de TikTok, Isabel Munson appelle la plate-forme «un espace conçu pour créer un biais de confirmation – ou, plus précisément, un biais d’engagement.» Elle soutient que le contenu de santé mentale et d’auto-assistance se marie naturellement avec le «format direct et intime» de l’application, mais les choses tournent au problème lorsque les publications sont conçues pour la viralité. «Il y a une ligne fine entre la déstigmatisation et l’incitation, en particulier sur les plateformes de médias sociaux avec des mécanismes de rétroaction intégrés», écrit Munson. «Alors qu’un thérapeute peut remettre en question l’utilité de s’identifier comme étant en permanence aligné sur la lutte que l’on vit, les plates-formes axées sur l’engagement aident à définir les conditions comme des points d’identité, des insignes d’honneur. Si les utilisateurs trouvent qu’ils sont principalement récompensés pour la production de contenu sur une certaine condition, croyance ou identité, cela peut fausser leurs motivations et leur auto-définition, leur faisant croire à un certain niveau que c’est la chose la plus intéressante et la plus sympathique à leur sujet.  »

Compte tenu des sommes d’argent qui changent la vie des créateurs en raison du contenu frappé en tant que NFT – le «mème le plus cher de l’histoire», par exemple, récemment vendu pour 69 millions de dollars (sympa) – il ne fait aucun doute que le choix d’administrer une présence en ligne populaire et fiable est de plus en plus ancrée dans la capitale, ce qui ne manquera pas de gâcher au moins un peu le parcours de santé mentale de quiconque. Mitch Anzuoni, responsable de la recherche au Bard Meme Lab, voit encore cela comme un problème plus large. «Toute forme artistique, qu’il s’agisse d’un mème ou d’un roman, peut être utilisée dans l’exploitation du traumatisme et de la souffrance», dit-il. Mais nous devons être sûrs que les créateurs de mèmes d’aujourd’hui ont de la liberté d’action et qu’ils ne sont pas à la merci de l’algorithme autodestructeur. «De telles formes peuvent également être une transmission fidèle de ses expériences. C’est une question d’honnêteté, d’intentions cruelles ou non », dit Anzuoni.

Le vrai problème ici «est la gamification et l’exploration de données du contenu par les grandes entreprises technologiques», poursuit-il. «Il est clair qu’il y a un besoin d’espaces où les gens peuvent parler de ce genre de problèmes, mais actuellement, ces espaces sont contrôlés par des entreprises à but lucratif, qui ont choisi des comptes à oindre et des publications à promouvoir, ce qui ne fait qu’encourager la production compétitive de plus contenu plutôt qu’un dialogue plus approfondi. » Bien sûr, traiter son traumatisme en créant et en partageant des mèmes n’est probablement qu’un mécanisme d’adaptation parmi tant d’autres. Et même si nous pouvons convenir que Mark Zuckerberg n’a jamais vraiment eu à l’esprit les meilleurs intérêts des utilisateurs, les communautés qui fleurissent sur ses plates-formes et qui sont utilisées par des millions de personnes pour partager, faire face et se connecter ne sont pas une ressource à sous-estimer. Une autre réalité est que le thérapeute hypothétique de Munson, qui pourrait repousser l’alignement de son client avec un trouble particulier, coûte environ 150 $ l’heure pour parler. Le fait que les jeunes, dont la détresse peut être facilement qualifiée d’«  angoisse chez les adolescents  », se tournent vers les médias sociaux pour trouver des solutions accessibles à leurs problèmes émotionnels n’est pas si surprenant. Comme le dit Munson elle-même: «Comprendre que« ce n’est pas seulement moi »ou« ce n’est pas ma faute d’être comme ça »peut être un immense soulagement. »

La tension entre l’expression personnelle et l’impératif commercial est une chose aussi sûre que la popularité toujours récurrente de l’autofiction, et juger la recherche par les créateurs d’une source de revenus auto-entretenue et auto-réalisatrice n’aide à rien ni à personne. Mais ni ignorer à quel point la santé mentale individuelle et la stabilité financière sont étroitement liées. Qu’un mème puisse être à la fois un élément de contenu monétisable et une image thérapeutique et conjonctive est un conflit, mais c’est aussi juste, dans la façon dont de nombreuses choses sont en ligne. Le cerveau peut être empoisonné par Internet de la même manière que l’on peut nourrir, et l’isolement et la peur qui caractérisent notre expérience collective de pandémie n’ont fait qu’aggraver une dépendance souvent toxique. En fin de compte, tout ce que nous recherchons en ligne, ce sont des signes que le bien dans le monde l’emporte sur le mal, et si les photoshops de Danny DeVito ouvrent la voie à n’importe qui, je suis définitivement là pour eux.

Lisez ceci ensuite: Quand les politiciens deviennent viraux, est-ce une critique – ou des relations publiques?

par Vanessa Taylor

6 mai 2020

Les mèmes se distinguent dans une gamme de couverture politique qui comprend tout, des reportages d’actualité établis aux forums satiriques.

Sutton Foster comme Liza Miller, à gauche, et Hilary Duff comme Kelsey Peters dans Plus jeune (Crédit photo: avec l’aimable autorisation de TV Land)

La dernière saison de Plus jeune, qui a été créée le 15 avril sur Paramount Plus après une interruption de deux ans, est commercialisée comme le triangle amoureux ultime. Est-ce que Liza (Sutton Foster) choisira Josh (Nico Tortorella) ou Charles (Peter Hermann)? Pendant six saisons, nous avons suivi Liza alors qu’elle tentait de naviguer dans l’industrie de l’édition après avoir pris deux décennies de congé de sa carrière pour élever sa fille, Caitlin (Tessa Albertson). Après avoir divorcé et déménagé à Brooklyn, elle se rend compte que beaucoup de choses ont changé dans les années qui ont suivi: les employés débutants de Publishing sont beaucoup plus jeunes qu’elle et aucune entreprise n’est intéressée par l’embauche d’un assistant de 40 ans. Alors Liza décide de flouter son âge et de faire semblant d’être une millénaire pour mettre un pied dans la porte. Elle continue son mensonge lorsqu’elle rencontre Josh, un tatoueur en demande, et commence à faire la différence entre l’inconduite sexuelle au travail et une relation adaptée à l’âge avec son patron, Charles. Mais la vraie rencontre-mignonne se situe entre Liza et sa collègue, Kelsey (Hilary Duff), avec qui elle se lie rapidement d’amitié et, en s’enveloppant dans la vie sociale de jeunes gens brillants de près de la moitié de son âge, cristallise encore son mensonge.

De cette façon, Plus jeune s’est révélé comme une comédie romantique sur Liza et les femmes de sa vie plutôt que comme un triangle amoureux de cishet entre Liza et deux hommes. Alors bien sûr, c’est Kelsey qui se sent le plus trahie quand elle découvre que Liza n’est pas un pair qu’elle pensait encadrer; au lieu de cela, son copilote à sa nouvelle empreinte, malheureusement intitulée Millennial, est une menteuse d’âge moyen. «J’ai l’impression d’être dans un épisode de Miroir noir ou quelque chose du genre », dit Kelsey, incrédule, lorsqu’elle apprend la vérité sur l’âge de Liza. « Miroir noir? » Liza demande à son amie et colocataire Maggie (l’incomparable Debi Mazar). «Beats me», Maggie hausse les épaules, soulignant l’âge et le gouffre culturel entre les Gen-Xers de Liza et la cohorte de Kelsey.

De nos sponsors

Cette bombe persiste entre la fin de la saison 3 et le début de la saison 4, une séparation beaucoup plus longue et plus percutante que la séparation de Liza avec Josh dans la saison 3 et Charles découvrant son véritable âge dans la saison 5. Leur rupture d’amitié, qui conduit à Kelsey déménager de l’appartement de Liza et Maggie, est réglé sur le remix de Skrillex et Diplo de la ballade originale de Justin Bieber, «Where Are Ü Now», donnant à leur amitié une crédibilité qui n’est pas souvent accordée à des amis dans la culture pop – ou dans une culture plus large, pour cela matière. «À côté de Caitlin et Maggie, vous êtes la chose la plus précieuse au monde pour moi», plaide Liza avec Kelsey. «Tu m’as brisé le cœur», répond froidement Kelsey, se coupant de Liza au lieu de lui verser le cœur.

Lorsque Caitlin a une urgence médicale, Kelsey voit Liza en action en tant que maman et apprécie mieux le sacrifice de son amie. Bien que la série ait, jusque-là, positionné Liza et Kelsey comme des pairs, cette scène jette Liza sous un nouveau jour. Si Liza est prête à tout risquer pour sa fille, elle ferait sûrement de même pour Kelsey. Perdre un ami peut être tout aussi dévastateur que perdre un partenaire romantique, en particulier dans une émission comme Plus jeune, où de nombreux hommes en orbite autour de ces mondes de femmes sont des ordures. On pourrait penser que Charles serait heureux de découvrir que la femme dont il rêvait est plus proche de son âge, mais il prend les nouvelles encore plus mal que Kelsey. Zane (Charles Michael Davis), l’amante de Kelsey, veut qu’elle se concentre sur leur relation plutôt que sur sa carrière. Charles dépouille Kelsey de son titre d’éditeur dans le même épisode Josh empêche la mère de son enfant, Clare (Phoebe Dynevor de Bridgerton), d’avoir accepté un emploi à Los Angeles. Et Plus jeuneL’équipe marketing veut que nous nous connections à la dernière saison pour voir lequel de ces dolts obtient la fille? Je ne pense pas!

Avec Plus jeuneLa volonté-ils-ne-veulent-ils pas-ils complotent A apparemment répondu à la fin de la saison 5 – Liza choisit Charles – La saison 6 se penchait davantage sur les amitiés que Liza partage avec les femmes de sa vie. Alors que les saisons précédentes se concentraient sur la relation entre Liza et Kelsey, les dernières se concentraient sur l’impact de la tromperie de Liza sur sa patronne et mentor, Diana (Miriam Shor). Lorsque l’ex-femme de Charles sort avec Liza lors d’un gala d’édition, Diana a l’air stupide d’essayer de défendre son protégé. Tous les éléments de la comédie romantique sont là: un grand événement, une humiliation publique, une trahison, une attaque de panique au milieu de Times Square. Maintenant, c’est à Liza – «si c’est même votre vrai nom», dit Diana sournoisement – de faire un grand geste pour reconquérir son patron. Ce geste a lieu là où les deux ont forgé leur relation: le bureau. Liza fait son affaire et Diana, une femme d’un certain âge dans l’édition, comprend pourquoi Liza l’a trompée. Diana lui pardonne et montre son amour par l’humour: elle plaisante sur le fait que Liza n’est plus sa demoiselle d’honneur mais elle vieille Demoiselle d’honneur.

«Je t’aime aussi», répond Liza.

Que ce soit en surface ou plus secrètement, Plus jeune a toujours été sur les amitiés des femmes. Le statut antérieur de Diana en tant que «célibataire», une forte présence de femmes invitées plus âgées (blanches) et la dépendance de Liza à l’égard de Maggie lorsque son ex-mari a perdu ses économies montrent que pour les femmes d’un certain âge, ce sont les autres femmes de leur vie qui les retient quand la romance s’évanouit et que la vie les abat. Bien que certains des fervents fans de la série réclament une conclusion nette du triangle amoureux de cishet de Liza, j’espère Ex petite amie folle-sque fin où l’héroïne se choisit – ou dans ce cas, ses amis. Plus jeune peut commercialiser sa dernière saison autour de la question de savoir si Liza acceptera la demande en mariage de Charles ou suivra son cœur vers Josh tout ce qu’elle veut, mais je me connecterai pour voir l’acte final des amitiés féminines de Liza – le seul véritable couple de l’émission.

Lisez ceci ensuite: Malade d’amour

par Oliver Haug

10 février 2021

La pandémie a mis à nu l’hypothèse américaine selon laquelle les relations amoureuses fournissent tous les soins dont nous avons besoin.

Crédit photo: Joshua Hoehne / Unsplash

J’étais une douzaine de pages dans le premier roman d’AE Osworth, Nous regardons Eliza Bright, quand j’ai identifié la source du malaise que je ressentais: cela venait de la narration du livre. Le livre est raconté à la première personne du pluriel, un voyeuriste implacable nous qui se fraye un chemin sous la peau de chaque personnage, se gorge de leur vie privée et ne peut être invoqué pour dire la vérité. Finalement, j’ai compris que je connaissais déjà cette histoire. Je l’ai déjà entendu – en 2014, lorsque Gamergate a fait son apparition, puis de plus en plus dans les années à venir: des femmes, des personnes de couleur, des personnes trans, non binaires et queer se font envahir et intimider sur le Web et hors de chez elles par des campagnes de harcèlement coordonnées dirigées par des nerds réactionnaires du jeu vidéo (les esprits les plus vindicatifs du 21e siècle).

Nous regardons Eliza Bright parle d’une femme nommée Eliza Bright (intrigue!) dont la récente promotion de testeur QA à développeur chez Fancy Dog Games lui a donné l’occasion de se faire une place sur le jeu de rôle en ligne le plus populaire au monde, Guildes du protectorat. Mais après avoir connu une microagression sexiste dès son premier jour (ses coéquipiers masculins marquent des erreurs avec le «code» 80085), Eliza tente de résoudre le problème avec le PDG de Fancy Dog, qui bloque ses efforts avec son double discours d’entreprise. Bouillante de cet échange, elle accepte une interview révélatrice avec un journaliste de jeux, ce qui aggrave la situation bien au-delà de ce qu’elle aurait pu imaginer. Soudain, elle est doxxed en ligne, ses mentions sur Twitter sont pleines de menaces de haine et de mort, elle Guildes avatar est piraté et cyber-violé, et un utilisateur anonyme («l’inspectre») développe une obsession particulièrement désordonnée de distribuer ses déserts.

De nos sponsors

Mais cela simplifie à l’extrême le ton claustrophobe et tendu qu’Osworth développe sur 400 pages. À l’insu d’Eliza, des yeux la suivent depuis le tout premier paragraphe (manifesté par un essaim de curseurs malveillants sur la couverture du livre, conçu par Sarah Congdon). «Nous sommes toujours là, sur Internet, les yeux rivés sur notre casting», explique le Gamergate hivemind à la fin du premier chapitre. « [W]Nous pouvons en savoir beaucoup. Et ce que nous ne savons pas, nous pouvons le deviner; ou nous pouvons demander; ou nous pouvons inventer. Leur véritable motif devient encore plus transparent au fur et à mesure que le roman progresse: «Nous sommes obsédés par ce qui se passe là où nous ne pouvons pas le voir.» Ce n’est pas simplement un narrateur peu fiable avec une vision du monde tordue ou qui donne à son lecteur de fausses informations; c’est une combinaison de tout les deux.

On peut affirmer que c’est ce qui a rendu les Gaters de la vie réelle (à la fois du premier mouvement et du spin-off plus récent de «Comicsgate») si dangereux – leur déficit de connaissances réelles et concrètes, qui n’a jamais été dépassé que par leur fureur idéologique. Prenez l’incident qui a donné lieu à «#GamerGate» (merci, Adam Baldwin): la chape sensationnelle d’Eron Gjoni contre Zoë Quinn, qui n’avait que peu ou pas de fondement dans la réalité, mais a immédiatement attisé une foule de 4chan impatiente de chasser Quinn de chez eux et de conduire eux à une tentative de suicide. Des destins similaires ont frappé la critique de jeux Anita Sarkeesian et la développeur Brianna Wu. Dans chaque cas, il était évident que l’indignation auto-justifiée sur «l’éthique dans le journalisme de jeux» était un écran de fumée vaporeux couvrant leur véritable objectif de repousser les idées de «guerriers de la justice sociale» comme le féminisme et l’antiracisme. Bien qu’Osworth ne nomme pas Quinn, Sarkeesian ou Wu dans leur texte, ils n’hésitent pas à nommer les auteurs du monde réel ou leurs lieux de reproduction.

Osworth pimente le récit avec des références aux canaux de médias sociaux contemporains et aux babillards électroniques, y compris le tristement célèbre r / KotakuInAction de 4chan et Reddit. Mais le narrateur hivemind du livre donne au lecteur beaucoup d’informations de seconde main, glanées dans le doxxing d’Eliza et dans divers journaux de discussion qui sont divulgués après l’apogée du roman. Grâce à cette vanité, le lecteur est obligé de digérer les informations de la même manière que la foule anti-Eliza – brisant notre cognition avec la leur dans une expérience narrative extrêmement peu attrayante, mais fascinante. C’est une astuce difficile à réaliser tout en maintenant un sens de la cohésion narrative, mais Osworth le gère en partie en permettant à sa propre voix de s’élever de temps en temps et de calmer subtilement le vacarme. Ce n’est pas que des invectives et des insultes lancées à notre héroïne et à ses amis de bureau Suzanne et Devonte, nommés dédaigneusement «Diversity Squad» par l’Inspection. De temps en temps, Osworth mélange un peu de dérision autodirigée dans la monologie des Gaters: «Nous, les très rares femmes, sommes douées pour compartimenter – c’est nécessaire lorsque votre passe-temps vous déteste.

Nous regardons Eliza Bright par AE Osworth (Crédit photo: Grand Central Publishing)

Le vrai soulagement comique vient avec l’invention d’Osworth de «The Sixsterhood», une commune queer dans une partie inconnue du Queens, New York, qui offre un havre de paix à Eliza lorsqu’elle est forcée de se cacher. Présenté très tôt comme «un collectif de homosexuels et de gens sans genre… qui deviendra très important plus tard», le Sixsterhood d’Osworth est à la fois une lettre d’amour et une dérision des tendres citadins. La douzaine de voix arrachent irrégulièrement le contrôle de la narration au contingent Gater (qui se réfère à la Sixsterhood comme « ces chiennes aux bonbons ») afin de compléter des parties de l’histoire que les agresseurs d’Eliza ne pourraient pas connaître. Mais ils permettent également au lecteur un répit du regard implacable des Gaters. Les Gaters applaudissent la violence misogyne, présentent une idéologie unifiée et résistent obstinément à l’auto-réflexion, mais les Sixsterhood mettent l’accent sur leurs phrases parallèles avec des mots en majuscules et pas de périodes comme s’ils envoyaient des SMS à des amis et parlent souvent de ce que tout le monde se sentirait mieux. s’ils tenaient juste un cercle de colère puissant et soignant. Leur gentillesse et leur compréhension sont tout ce que les Gaters ne sont pas, fournissant un exutoire indispensable par lequel Osworth peut subtilement compliquer le genre sans perdre de vue le noyau pourri de la misogynie qui propulse l’histoire du livre – et son inspiration réelle – en avant.

Et franchement, avec un livre comme celui-ci, vous besoin rire de temps en temps, surtout si vous vous êtes confronté à des militants de harcèlement en ligne dans la vraie vie. Personnellement, je sais ce que ça fait de voir mon nom et mes photos pré-transition apparaître sur Kiwifarms, attendant nerveusement de voir si quelqu’un prendrait l’initiative de monter en puissance; J’ai dormi sur le canapé d’un ami avec une chauve-souris près de la porte après avoir été doxxé et envoyé des messages menaçants. J’ai senti des yeux passer au peigne fin mon portfolio et mon fil Twitter et des doigts désincarnés me creuser pour une solution. Il y a la vie avant que vous ne soyez connu des autres, et puis il y a la vie après – savoir que ces voyeurs ricaneurs et ricaneurs pourraient être n’importe qui. Le sentiment est, pour le dire légèrement, déconcertant. Canaliser cet inconfort dans un thriller moderne sur la culture Internet est une tâche que peu d’écrivains seraient à la hauteur, en particulier parce que ce niveau d’authenticité nécessite une mesure proportionnée de compétences. En fait, les quelques moments inauthentiques des débuts d’Osworth (principalement leurs tentatives occasionnelles de capturer les ressemblances de vraies personnes, comme Jon Stewart et Trevor Noah) se distinguent plus durement. car le texte est tellement mordant dans sa précision. Avec la sortie de leur roman cette semaine, Osworth s’impose comme une nouvelle voix audacieuse dans la fiction expérimentale. Il y aura peut-être d’autres romans Gamergate à venir, mais pour l’instant, Nous regardons Eliza Bright a placé la barre.

Lisez ceci ensuite: En pas pour le gagner

par Nina St.Pierre

2 février 2021

Les mondes virtuels queering vont au-delà de l’inclusion de personnages ou d’histoires LGBTQ.

Colin Firth comme Mark, à gauche, Renée Zellweger comme Bridget et Hugh Grant comme Daniel dans Journal de Bridget Jones (Crédit photo: Miramax)

Dans les 20 ans qui ont suivi Journal de Bridget Jones fait ses débuts sur grand écran, il y a eu une infâme ligne de la Orgueil et préjugés– une comédie romantique inspirée qui est devenue un slogan parmi mes amis: « Allez, putain, Bridget. » C’est une phrase rapide et jetable dans le troisième acte du film prononcée par le BFF Tom (James Callis) queer de Bridget (Renée Zellweger) quand elle tâtonne avec ses clés de maison, et ce serait presque oubliable sans les volumes dont il parle. la maladresse inhérente à notre héroïne.

À un moment ou à un autre de notre vie, nous nous sommes tous battus pour nos lacunes perçues – comme Bridget, nous pouvons nous résoudre à boire moins, à perdre du poids, à arrêter de fumer, à trouver un meilleur emploi ou à nous abstenir d’affaires désordonnées avec des scélérats, seulement d’abandonner délibérément toutes ces résolutions. C’est à ces moments de ma vie que je me suis chuchoté un «Allez, putain Bridget» à moi-même avec dédain. Journal de Bridget Jones, l’histoire d’une femme parfaitement ordinaire coincée dans une ornière de carrière qui est néanmoins aimée et célébrée «telle qu’elle est», m’a frappé en 2001 lorsque j’ai eu honte de mon échelon désigné sur l’échelle de carrière. Le film a toujours cet effet sur les femmes aujourd’hui parce que, comme la costar Sally Phillips l’a récemment souligné, les femmes qui travaillent aujourd’hui font toujours face aux mêmes luttes et aux mêmes inquiétudes que Bridget fixait en 2001. Mais nous ne pouvons pas non plus oublier que Bridget a bouleversé de façon mémorable son ornière. une mode spectaculaire: elle a exploité le pouvoir de l’échec de carrière.

Avant que Journal de Bridget Jones, l’un des films les plus populaires sur les femmes au travail était celui de 1988 Une bosseuse, dans lequel Tess McGill (Melanie Griffith) et presque toutes ses collègues féminines ont été dépeints comme des charlatans intrigants, se mentant et se trompant juste pour avancer d’un cran dans le monde des hommes. Avant cela, nous avons vu les années 40 Sa fille vendredi (1940) et 9 à 5 (1980), qui décrivaient tous les deux tout ce qu’une femme devait faire pour réussir dans des lieux de travail étrangement masculins. Pourtant, alors que nous avons vu l’histoire de Bridget se dérouler à travers trois films, il est devenu évident que, comme Becky Fuller l’a écrit dans un article de 2016 pour ScreenRant, son histoire en disait long sur «les femmes qui doivent faire le choix entre une carrière ou des enfants… pour celles de nous qui aimerions peut-être avoir tout cela, mais qui refusons de nous compromettre, notre carrière ou notre intégrité pour l’obtenir. Pour ceux d’entre nous qui ne se sentent pas pertinents dans un milieu de travail en évolution rapide alors que de nouveaux employés, plus frais et plus jeunes entrent dans la mêlée. »

De nos sponsors

Ce n’est un secret pour personne que les femmes dans le monde réel ont moins d’opportunités que leurs homologues masculins de se racheter après des échecs sur le lieu de travail. Comme nous l’avons vu trop souvent, les hommes sont autorisés à tâtonner au travail tandis que les femmes doivent toujours être au sommet de leur forme; nous n’avons tout simplement pas le luxe d’être un âne de bureau, et si nous gâchons, nous sommes pénalisés comme les hommes ne le sont pas. Bridget Jones a redéfini la faillibilité comme un atout de carrière et depuis sa sortie, nous avons vu plus de femmes – même l’ancienne Première Dame Michelle Obama – parler du pouvoir de «l’échec vers le haut» dans nos carrières, et conseiller aux femmes d’adopter des visages professionnels. Il existe des newsletters entières et des sous-piles dédiées aux travailleuses qui acceptent l’échec et se solidarisent dans les bombes épiques de l’autre. Même Hugh Grant, qui a joué le rôle de Daniel Cleaver dans le film et sa suite Le gardien que Bridget Jones est «une sorte de célébration de l’échec, d’être un peu merdique».

Trentenaire Bridget a définitivement une approche maladroite et peu sûre du travail. À peine éperdue dans sa carrière dans une maison d’édition où des collègues «légèrement supérieurs» lui manquaient de respect au quotidien, Bridget porte intentionnellement des vêtements NSFW pour faire remuer les langues, puis s’engage dans une affaire scandaleuse avec son patron, Daniel, qui selon les normes d’aujourd’hui (et franchement les années 2001 également) serait considéré comme un abus de pouvoir prédateur. Mais c’est ce très faux pas qui pousse Bridget à commencer à exiger plus pour elle-même. Daniel ment et triche, sans parler de caresser et de déprécier Bridget publiquement. Elle le supporte parce que, comme elle le révèle, «je me sens déjà idiote la plupart du temps.» Découpant des photos de mannequins dans les magazines et collant sa tête dessus, elle est intensément concentrée sur son corps et intimidée par les femmes de carrière qui semblent avoir leur merde ensemble. Lara (Lisa Barbuscia), le «phasme américain» avec qui Daniel triche, et Natasha (Embeth Davidtz), la petite amie de Mark Darcy (Colin Firth), sont présentées comme des anti-Bridgets sveltes, confiantes, assurées et affirmées. Mais bien que Bridget, comme la plupart des femmes, soit aux prises avec l’insécurité, son histoire ne comprend aucun montage de relooking ni transformation époustouflante. Bridget ne change pas qui elle est pour obtenir ce qu’elle veut; il n’y a pas d’ingénierie Pygmalion un Ma belle dame– réinvention originale en tant que femme acceptée par la société. Au contraire, Bridget change sa propre situation en se défendant, en exprimant son opinion et en se permettant d’échouer.

Plus important encore, elle ne perd pas sa capacité à rire de l’absurdité de sa situation. Non seulement elle tient tête à Daniel, mais elle le fait devant tout le bureau (Qui peut oublier la ligne emblématique «Si rester ici signifie travailler à moins de 10 mètres de vous, franchement, je préfère avoir un boulot pour essuyer le cul de Saddam Hussein Cet acte public de respect de soi a un effet d’entraînement et, pour la première fois, nous la voyons «échouer à la hausse». Elle transforme un scandale colossal sur le lieu de travail en un incroyable regain de confiance. Si ses collègues (qui incluent le lorgnant «M. Titspervert») l’ont autrefois considérée comme un bouffon, ils réévaluent définitivement cela maintenant. Et par la peau de ses dents, elle décroche une nouvelle et passionnante carrière – en tant que productrice et présentatrice dans un talk-show britannique (pas par le talent, l’expérience ou la puissance de son curriculum vitae, mais plutôt en admettant maladroitement qu’elle «Baisé» son ancien patron). Elle est l’incarnation de la simulation jusqu’à ce que vous y arriviez.

En gâchant à plusieurs reprises, en tâtonnant dans la vie et en ayant l’incapacité de voir ce qui est sûr avant de perdre pied, Bridget cultive une sérieuse chutzpah. Elle devient résiliente en cas d’échec et se relève, parfaitement démontré lorsqu’elle transforme le moment viral embarrassant de l’atterrissage en direct sur une caméra en direct en une carrière florissante. Même le premier plan de la suite de 2004, Bridget Jones: le bord de la raison, a son parachutisme face à face dans un enclos de porc plein de merde, en riant joyeusement pendant que les caméras tournent. Si l’un de ces événements était arrivé à Lara ou à Natasha, l’embarras les aurait rongés vivants. Mais notre fille Bridget rit, avale de la vodka avec ses amis, danse sur Chaka Khan, prépare de la soupe bleue, raconte ses ennemis dans son journal, et vient «putain». Elle n’a pas besoin de garder un air de réussite à tout moment, car elle a son approche effervescente de la vie pour la guider vers l’avant.

Comme Mark le dit dans le dernier film de la trilogie, Bébé de Bridget Jones (2016), «Vous avez transformé les catastrophes en triomphes grâce à votre soif de vivre pure, joyeuse, infatigable et contagieuse!» Au cours des 20 dernières années, le style d’essais et d’erreurs de Bridget n’est pas exactement de rigueur, et ne réussirait probablement pas si le film était tourné aujourd’hui. Certains ont noté que l’obsession de Bridget pour son poids et son apport calorique se sentait terriblement démodée dans le monde actuel de la positivité corporelle (lorsque Lizzo a publié sur Instagram qu’elle suivait un nettoyage de jus, il y a eu une immense réaction de la part des fans). Même Helen Fielding, qui a écrit le roman original et a également co-écrit le scénario du film, a déclaré qu’elle était choquée par le sexisme en milieu de travail auquel Bridget était confrontée et qu’elle ne pensait pas que ce serait fait aujourd’hui. «Je pense, merci, #MeToo», a-t-elle récemment déclaré Le gardien.

Si un film comme Journal de Bridget Jones est sorti aujourd’hui, il serait peu probable qu’il ait la même relatabilité. Bridget travaillerait vraisemblablement à domicile et ne rencontrerait jamais ses collègues en personne. Elle ne pourrait jamais payer son appartement d’une chambre à Borough Market avec le salaire d’un pigiste. Et si elle atterrissait la première sur une caméra, elle serait licenciée sans indemnité et un stagiaire non rémunéré se verrait confier ses fonctions. Malgré tout cela, nous avons récemment vu de plus en plus de représentations de femmes qui travaillent s’éloigner de l’exemple de Bridget et embrasser le pouvoir de l’échec de carrière pour réussir et atteindre leurs objectifs. La popularité de films comme Version de 40 ans, Le diable s’habille en Prada, Je me sens belle, Mettre en place, Dans l’air; ainsi que des séries télévisées comme Le type audacieux, Précaire, Aigu, et mon préféré Plus jeune (dont la plupart ont été créés par des femmes), démontrent que, quelle que soit la BJD a vieilli au cours des deux dernières décennies, l’héritage de Bridget se retrouve encore dans les histoires d’aujourd’hui. L’amélioration personnelle et professionnelle est excellente, et par le troisième film, nous voyons que Bridget est définitivement devenu un professionnel de travail plus raffiné, élégant et composé – le résultat d’années d’expérience et de maturité. Pourtant, d’une manière ou d’une autre, elle échoue toujours à la hausse lorsqu’elle utilise son rôle de productrice de télévision senior pour creuser la saleté sur un intérêt amoureux potentiel (et est-ce en direct à l’antenne, pas moins). Alors, quand la crise survient, et qu’elle le fera, il suffit parfois de dire: «Allez, putain Bridget» et de trouver une solution parfaitement imparfaite, par crochet ou par escroc.

Lisez ceci ensuite: Relooking de l’âme

par Neyat Yohannes

11 mars 2021

Le seul résultat positif qui découle parfois du genre est un relooking de l’âme.

Regina King comme Sister Knight dans Gardiens (Illustration par Anita Hatchett)

Cet article a été publié dans Power
Numéro 88 | Automne 2020
S’abonner  »

Les représentations récentes des femmes à la télévision ont réinitialisé les hiérarchies de genre centrées sur le désir masculin cishet. Depuis que #MeToo a pris en compte de multiples industries, la sexualité des personnages féminins a été dépriorisée et nous avons été traités avec davantage de leurs instincts aigus et de leur génie stratégique. Sur des émissions comme Ozark, Westworld, Bonnes filles, et Gardiens, les femmes aplatissent les divisions de classe, géographiques et raciales pour se forger un pouvoir structurel et viscéral. Le patriarcat est un ravageur persistant, cependant, il n’est donc pas totalement absent de ces mondes fictifs – certaines des histoires sur Ozark et Bonnes filles centrez-vous sur les femmes blanches qui utilisent encore parfois le sexe pour obtenir ce qu’elles veulent. Dans les mondes dystopiques fantastiques de Westworld et Gardiens, les femmes dévastent et blessent quiconque ne veut qu’elles.

De nos sponsors

Westworld offre le meilleur exemple de personnages féminins nouvellement habilités; les femmes de premier plan se sont libérées du parc à thème éponyme dans lequel elles étaient enfermées pour le divertissement des hommes riches. Dolores Abernathy (Evan Rachel Wood), Maeve Millay (Thandie Newton) et Charlotte Hale (Tessa Thompson) orientent le monde vers leurs propres désirs – pour s’assurer qu’aucune personne marginalisée ne sera jamais utilisée et rejetée à nouveau. Un sentiment similaire imprègne Gardiens, une série limitée qui a commencé à être diffusée sur HBO en octobre 2019. Gardiens se concentre sur Angela Abar (Regina King) alias Sister Knight. Abar vit dans une dystopie moderne où tous les policiers portent des masques et quelques âmes solitaires enregistrent des messages vers Mars, où le divin Dr Manhattan est censé vivre. Dans le Gardiens univers, le badassery d’Abar transcende le genre, la race, le temps et l’espace. Gardiens propose une histoire rare d’une femme noire qui sauve la situation sans sacrifier sa vie ni sa souveraineté.

Ozark tourne initialement autour de Marty Byrde (Jason Bateman), un comptable devenu voyou. Mais très vite, son monde s’effondre et il est obligé de déménager sa famille chez les Ozark pour blanchir de l’argent pour un syndicat du crime. Au fil du temps, la série change pour se concentrer sur sa femme, Wendy Byrde (Laura Linney), qui finalement sauve la situation – encore et encore. La galeuse et intimidante Darlene Snell (Lisa Emery), qui vit dans ces collines, est une adversaire redoutable pour les Byrdes; par exemple, elle tire sur la bite d’un homme, et elle couche également un homme d’un tiers de son âge. L’intelligence de Wendy capte l’attention du tout-puissant seigneur de la drogue qui la dirige et les mouvements de Marty dans des conversations confuses et coquettes. Son ennemi juré, Helen Pierce (Janet McTeer), est une grande, Jeu des trônes-comme la reine des glaces qui sert de chef d’état-major au seigneur de la drogue. En apparence, ces femmes sont beaucoup plus menaçantes que la prodige enceinte du FBI, Maya Miller (Jessica Frances Dukes), qui s’attarde dans le casino du Byrde lors d’une opération destinée à trouver l’argent blanchi. Au milieu de tout cela, Wendy joue le courtier de pouvoir blond et alvéolé sous-estimé. Grâce à son travail en politique, elle a appris à jouer sale et elle fait des sacrifices incroyables pour le prouver. Ces sacrifices n’incluent que rarement le sexe ou sa promesse; les plus grands n’ont aucun rapport avec le désir sexuel.

Dans Bonnes filles, trois mères voient leur vie autrement ordinaire bouleversée par une décision désespérée de cambrioler… des supermarchés. La rouquine aux gros seins, Beth Boland (Christina Hendricks), est une femme au foyer, mère de nombreux enfants et mariée à un vendeur de voitures infidèle. Sa sœur, Annie Marks (Mae Whitman), est la mère célibataire d’un enfant trans qui traverse une multitude de problèmes d’abandon. Et Ruby Hill (Retta) est la mère de deux enfants très adorables; l’un d’eux, Sara (Lidya Jewett), a une maladie rare qui coûte tout à Ruby et à son mari, Stan (Reno Wilson). Ces femmes parviennent souvent à se sortir des ennuis grâce à leur capacité permanente à être flexibles – blanchissant de l’argent comme la plupart des femmes Ozark, et parfois littéralement gagner de l’argent dans une papeterie. Il est malheureux que Rio (Manny Montana), le baron de la drogue mexicain qui contrôle leur vie, soit la principale menace pour les femmes.

Bonnes filles, aimer Ozark, les trafics dans le trope fatigué d’un cishet masculin Latinx étant considéré comme puissant parce qu’il dirige un réseau de drogue illicite, ce qui enlève une partie de la nouveauté brillante de ces mauvaises salopes qui dirigent leurs mondes. Les premières saisons de Ozark et Bonnes filles donnent aux femmes un avantage sur les hommes qui tentent de s’en prendre à elles sexuellement, mais malheureusement, les hommes parviennent finalement à déplacer à nouveau la dynamique du pouvoir vers eux-mêmes. Peut-être que cette dynamique changeante fournit une sorte de tension narrative qui propulse ces émissions vers l’avant et se sent familière et relatable – tout ce qui nous permet de regarder et d’enraciner ces femmes pour finalement, ou peut-être jamais, gagner.

Lisez ceci ensuite: Allons à la bande

par Andi Zeisler

31 mars 2021

«Le fait d’entendre une victime s’exprimer ne le rend pas biaisé.»

Lena Dunham pose dans 11 Honoré (Crédit photo: Instagram / Lena Dunham)

La pandémie a été une course folle pour la fatphobie. Des exigences de poids qui déterminent quels patients COVID-19 ont accès à des soins vitaux à des messages constants sur la façon d’éviter de prendre du poids pendant le verrouillage, l’année dernière a augmenté le volume du bourdonnement ambiant du discours fatphobe et honteux. Alors peut-être que ce n’était qu’une question de temps avant que l’acteur, la productrice et la réalisatrice Lena Dunham interviennent comme elle seule le peut. Le 6 avril, elle a annoncé une collection capsule de vêtements de luxe pour «corps grandes tailles» pour le détaillant en ligne 11 Honoré basé à Los Angeles. À première vue, la collaboration semble être une réponse positive au flux incessant de messages culturels que nous recevons sur la graisse. Après tout, tout le monde mérite la dignité de pouvoir entrer dans un magasin et acheter de beaux vêtements conçus pour son corps. Et pourtant, ce lancement rate la cible de plusieurs manières clés, nous rappelant une fois de plus que nous ne pouvons pas nous sortir de la fatphobie et de la culture diététique.

Pour commencer, la collection cinq pièces de Dunham ne va qu’à une taille 26, trois tailles plus grandes que le reste de la ligne de vêtements «taille inclusive» de 11 Honoré. Cela peut sembler inclusif pour les personnes de taille hétéro – de nombreuses lignes de vêtements s’arrêtent à la taille 10 ou 12, bien que la taille moyenne du pantalon pour une femme aux États-Unis se situe entre 16 et 18 – mais en réalité, cette gamme de tailles offre en fait une augmentation le strict minimum. D’autres marques grandes tailles, y compris Torrid, vont à une taille 30; Lane Bryant vend des vêtements jusqu’à une taille 38/40; et eShakti passe à une taille 36, avec la possibilité de créer des mesures personnalisées pour des articles spécifiques. Claire Willett, dramaturge, romancière et auteure de subventions lesbiennes basée à Portland, affirme que le lancement de Dunham «donne l’impression que quelqu’un veut être reconnu pour être inclusif sans pour autant s’éloigner trop des normes de beauté conventionnelles. Au-delà des limites de taille, la ligne de Dunham a un prix élevé. Les prix vont de 98 $ pour un débardeur à 298 $ pour une veste, suscitant encore plus de questions sur son accessibilité et son inclusion.

Ashely Tisdale, une chercheuse féministe noire du sud de la Floride, se demande: «Si Dunham vise à résister à la fatphobie, qui peut se permettre de la rejoindre?» Ce n’est pas la seule préoccupation: alors que d’éminents militants de la libération des graisses prononcent à haute voix le mot «graisse», défendent tous les aspects de la vie dans un corps plus grand et poussent le monde plus large à respecter et à accueillir les corps gras, Dunham semble perpétuer une vie séculaire la honte et le dégoût de soi. Dans le New York Times caractéristique qui a assisté à la sortie de sa collection de vêtements, Dunham s’assure de mentionner que sa récente prise de poids est due à une insuffisance surrénalienne qu’elle a développée après avoir eu COVID. Pour être clair: c’est affreux que Dunham a subi des conséquences irréversibles sur la santé en raison de l’incapacité de l’Amérique à contenir la pandémie. Mais son explication de sa prise de poids, associée à des commentaires désobligeants sur son corps nouvellement plus grand – déplorant son «triple menton» et son «intestin comme un vieil homme» – se lit comme une manière subtile de dire qu’elle n’a pas causé sa prise de poids comme autre les grosses personnes l’ont fait.

De nos sponsors

Jordan Underwood (@jordallenhall), mannequin grande taille et militante pour les graisses, a souligné dans un fil Instagram à leurs 16000 abonnés que Dunham porte un jugement sur des éléments de graisse alors qu’elle-même est sur le point d’être «plus» à un taille 14. Dans la légende, Underwood dit que Dunham infecte la libération des graisses avec sa «propre haine de soi et sa projection». La critique de Dunham du mouvement corporel positif dans le long métrage était également hors de propos, l’appelant «les quelques privilégiés qui ont un corps qui ressemble à ce que les gens veulent se sentir positif». Il y a en effet place pour critiquer la positivité corporelle – à savoir la façon dont elle a été cooptée par les femmes blanches, et pire, la façon dont elle est souvent utilisée contre les femmes noires. Mais l’appeler pour les quelques privilégiés qui «ressemblent à Kim Kardashian» est une déclaration au mieux déroutante et dommageable pour le travail des militants gras, queer et noirs au pire. Marianne Kirby, auteure et militante de la grosse libération, a déballé la critique de Dunham sur la positivité corporelle (bopo) sur Twitter, écrivant «Fat libération et bopo ne sont pas des privilèges. Ce sont des MÉCANISMES DE SURVIE dans un monde qui veut effacer les corps gras. » Dunham perpétue non seulement davantage la stigmatisation fatphobe dans sa discussion sur son propre corps, mais elle surfe également sur les queues de cochon de la libération de graisse et du mouvement positif pour le corps tout en le dénigrant complètement dans le processus.

Cette hypocrisie conduit EJ Hutton, écrivain et éditeur gros, queer, non binaire basé à Seattle à dire que le lancement de Dunham «se sent très pratique et performatif» et que Dunham ne considère pas l’expérience vécue «d’être une grosse personne, et à avoir été une grosse personne pendant la majeure partie de votre vie.  » Cela vaut également la peine de se demander pourquoi nous n’avons pas dépassé le besoin de lignes spécialisées de taille plus et si de tels lancements marginalisent davantage les corps gras. Comme alternative, nous pourrions imaginer un monde dans lequel considérer les corps gras tout en concevant des vêtements serait une norme supposée plutôt qu’une réalisation louée digne d’être écrite dans le New York Times. Les lignes grande taille sont donc une épée à double tranchant, donnant simultanément accès à ceux oubliés depuis longtemps dans le monde de la mode tout en perpétuant la notion de graisse comme «autre». Comme Willett me l’a dit, elle et beaucoup d’autres rêvent d’un avenir dans lequel «une femme de taille 30 et une femme de taille 4 pourraient entrer dans les mêmes magasins et faire du shopping ensemble».

La vraie positivité corporelle signifie aller au-delà de l’idée que les femmes au-dessus d’une taille 12 ont besoin de vêtements spéciaux dans un magasin séparé qui cachent leur corps et masquent leur graisse. Sans oublier que la dignité d’acheter des vêtements ne fait qu’effleurer la surface en termes de démantèlement de la fatphobie. Les vêtements inaccessibles ne sont pas un problème personnel, mais plutôt un élément d’un problème structurel systémique. Tout comme le sexisme et le racisme, la fatphobie est cuite dans notre société, empoisonnant toutes les facettes de la vie quotidienne. Si la liberté de s’habiller et de se déplacer confortablement dans le monde est sans aucun doute importante, il en va de même pour les protections juridiques, les politiques publiques et la conscience sociale qui tiennent compte des impacts quotidiens et à long terme de la fatphobie. Des chercheurs de toutes les disciplines ont noté comment la stigmatisation à l’égard des corps plus grands affecte les personnes de tous âges sur le lieu de travail, à l’école et dans les soins de santé.

La fatphobie rend plus difficile l’obtention d’un emploi en raison de pratiques d’embauche discriminatoires basées sur la taille du corps, et une fois que vous avez un emploi, il est légal d’être licencié en fonction de son poids dans tous les États sauf au Michigan. En termes de soins de santé, les réponses des médecins éminents à l’initiative des beignets gratuits pour les vaccins de Krispy Kreme le mois dernier ont souligné un biais plus important parmi les professionnels de la santé. Une étude de 2015 a révélé que les stéréotypes fondés sur le poids sont monnaie courante chez les prestataires de soins médicaux et que ces croyances peuvent conduire les personnes grasses à recevoir des soins de santé de moindre qualité. Ainsi, bien que beaucoup croient qu’avoir une taille corporelle plus grande vous expose à un grand nombre de maladies dues uniquement à des facteurs biologiques, l’aspect social de la graisse est mortel en soi. Le stress cumulatif de ces expériences individuelles de stigmatisation fatphobe au fil du temps conduit à de pires résultats pour la santé et même à une diminution de l’espérance de vie et nuit le plus aux femmes de couleur, car la fatphobie se combine avec la misogynie et le racisme.

Nous ne pouvons pas simplement dissimuler la fatphobie dans de beaux tissus ou faire des emplettes pour sortir d’une stigmatisation répandue et mortelle. C’est formidable que Dunham ait commencé à aimer son corps nouvellement plus grand, mais nous ne pouvons pas la confondre avec la voix de la libération des graisses, d’autant plus qu’elle peut à peine dire les mots elle-même. Dunham dit que ce lancement n’est que le début et qu’elle s’étendra bientôt aux maillots de bain et aux pyjamas. Si tel est le cas, elle doit d’abord étendre les options de dimensionnement, puis peut-être lire sur l’héritage des études de graisse et de la libération de graisse qui ont rendu son projet possible en premier lieu. Fatphobia va au-delà du sentiment d’étouffement à Spanx lors d’un événement sur le tapis rouge, comme le raconte Dunham; c’est une idéologie enracinée dans le désir des femmes blanches d’être considérées comme séparées des femmes noires et qui a des conséquences néfastes pour les gens à travers toutes les facettes de la vie. En attendant, nous pouvons tous imaginer un monde dans lequel les options de vêtements au-delà d’une taille 10 ne sont pas des nouvelles de dernière heure, mais plutôt une partie béante et banale de la toile de fond.

Lisez ceci ensuite: Distraction pâteuse

par Andréa Becker

25 mars 2021

Arrêtez de faire honte aux beignets.

Ramona Quimby en 2013 (Illustration par Jacqueline Rogers)

Quand je me remémore mes années de formation, il y a un souvenir qui éclipse toujours les autres: quand j’ai eu mon premier (et unique) zéro sur un test. Je parlais pendant le test, mais j’étais aussi une élève de deuxième année hyperactive et possédée par des envies que je ne pouvais pas contrôler. Regarder mon professeur dessiner un gros zéro sur mon papier devant tout le monde a été une expérience traumatisante, une expérience que je ne souhaiterais à personne. Je n’ai eu aucun avertissement ni aucune chance de m’expliquer, juste un cercle rouge discordant à travers mon test avec une ligne en dessous pour que mes parents le signent (ce qui ne s’est pas produit parce que, dans un brouillard de rage, je l’ai jeté dans la fille. salle de bains). Je me suis senti lésé et je ne le supporterais pas; Ramona Quimby ne l’aurait probablement pas non plus.

L’auteure légendaire pour enfants Beverly Cleary est décédée le 25 mars, mais elle nous a laissé le cadeau éternel de Ramona Q.Grâce à Cleary, le monde se sent comme un endroit moins solitaire, et je sais que je ne suis pas le seul à penser cela. À la suite de sa mort, il y a eu une vague d’hommages à l’auteur et à l’icône féministe à laquelle elle a donné vie. «Des millions de filles se sont vues à Ramona Quimby» La Première Dame Jill Biden a tweeté après le décès de l’auteur. «Merci de tous les« parasites »là-bas.» On se souvient de Cleary pour sa capacité astucieuse à décrire la honte et la maladresse souvent ressenties pendant l’adolescence (en particulier l’adolescence des filles). Interrogée sur cette superpuissance, Cleary a déclaré qu’elle écrivait simplement des personnages qu’elle aurait aimé voir comme un enfant. «Je voulais lire sur le genre de garçons et de filles que je connaissais dans mon quartier et dans mon école», a-t-elle déclaré lors d’un entretien avec NPR en 1999. «Et dans mon enfance, il y a de nombreuses années, les livres pour enfants semblaient parler de l’anglais. enfants ou enfants pionniers. Et ce n’était pas ce que je voulais lire. Je me demande si, lorsqu’elle a présenté Ramona au monde en 1955, elle avait le moindre sentiment de la renommée au niveau des Beatles qu’elle allait atteindre dans les écoles et les ménages du monde entier.

De nos sponsors

Comme Pippi Longstocking de l’écrivain suédois Astrid Lindgren – dont le courage à l’esprit libre et les beaux cheveux ont appris aux jeunes filles du monde entier qu’elles n’ont pas besoin de se conformer au statu quo pour être heureuses – Ramona n’est ni primitive ni docile ou quoi que ce soit qui ressemble aux protagonistes féminines de Hans Les contes de fées de Christian Andersen ou les classiques de Disney sur lesquels ma génération a grandi. Au contraire, elle mène un style de vie à indice d’octane élevé qui – que ce soit l’intention de Cleary ou non (j’aime à penser que c’était le cas) – renverse les restrictions des normes de genre et de la féminité. Elle est exubérante, irascible, maladroite et couverte d’éraflures et d’ecchymoses; son apparence échevelée est la manifestation physique de son irrépressible appétit de vivre. C’est une tireuse hétéro qui ne se soucie pas de son apparence, se concentrant plutôt sur l’obtention exactement de ce qu’elle veut – que ce soit un coucher plus tard ou un œuf dur dans sa boîte à lunch.

Ramona changerait le monde pour lui convenir avant de se changer elle-même, et elle n’hésite jamais à dire quand les choses semblent injustes, comme être qualifiée de «ravageur» par sa sœur aînée, Beezus. «Une cloche bruyante qui continue de sonner pour les adultes et les enfants du monde entier, Ramona Quimby est une jeune fille avec un sens aigu de la justice», écrit Amy Poehler dans l’avant-propos d’une édition spéciale de Ramona Quimby, 8 ans sorti l’année dernière. «Elle est pleine de vim et de vigueur. C’est une petite guerrière, un derviche tourneur et un drôle de feu à cinq alarmes. Contrairement à sa sœur, la «soignée et fiable» Beezus, Ramona rebelle se bat contre tout ce qui se trouve sur son chemin, s’affirmant à l’âge de 6 ans avec la confiance inébranlable d’un frère de Wall Street. «Elle ferait une très grande histoire bruyante, et quand Ramona faisait une grande grande histoire bruyante, elle avait généralement son propre chemin», écrit Cleary dans Ramona le ravageur.

Avant que mon préadolescent ne rencontre Jo March, l’héroïne intrépide de Louisa May Alcott Petite femme (1868), j’ai mis l’accent sur l’évangile radical de Ramona, je me suis précipité à la maison après l’école et j’ai veillé tard pour découvrir comment elle a survécu à la troisième année, dans l’espoir que je le pourrais peut-être aussi. C’était particulièrement effronté joie de vivre cela m’a attiré vers sa flamme. L’adversité à laquelle Ramona a été confrontée était principalement mineure, mais elle était souvent racontable: elle se bat avec le chien du quartier, mène le serment d’allégeance dans une seule chaussure, aspire à l’approbation de son institutrice de maternelle, Miss Binney, essaie sa première malédiction. mot («tripes») devant ses parents, se bat avec sa sœur et se bat pour être pris au sérieux, détestant quiconque ose se moquer d’elle. Elle est très combustible – mais quelle jeune fille n’est pas confrontée aux limites de la petite enfance? Malgré l’embarras et la frustration qu’elle ressent, Ramona roule avec les coups de poing, pleinement enracinée dans le moment même quand c’est douloureux. Et une fois le moment passé, elle continue la tête haute. Après avoir détruit justement l’œuvre d’une camarade de classe – au motif que la fille l’avait copiée – elle ragoût dans sa honte: «Ramona a toujours tout gâté. Ramona, trouvant un sombre réconfort en pensant à quel point elle allait mal, s’est endormie.

La nouvelle de la mort de Cleary m’a incité à revoir mes livres préférés de la série Ramona, et j’ai été surpris de constater qu’ils tiennent toujours. Assis à l’extérieur d’un bar le week-end dernier, j’ai ri à haute voix en tournant les pages de Ramona le Brave, souriant sous mon masque à ses tentatives ratées de se faire comprendre et à ses observations vives et sérieuses sur la dynamique familiale chez elle: «Les pères, Ramona le savait, ne passaient pas autant de temps que les mères à réfléchir à des moyens d’améliorer leurs enfants.» Ce qui m’a le plus frappé en revenant à Ramona dans la trentaine, c’est son existence débridée à chaque page. «Elle n’était pas une adulte lente. C’était une fille qui ne pouvait pas attendre », écrit Cleary. «La vie était tellement intéressante qu’elle a dû découvrir ce qui s’est passé ensuite.

Ramona brûle de fureur, souffre de désir, se fait peur pour s’amuser, se vante de ses réalisations, raconte des histoires folles et pleure jusqu’à ce qu’elle soit «molle et épuisée». Jamais elle ne s’inquiète si elle est trop de quoi que ce soit. Lorsque les critiques des enseignants et des camarades de classe lui sont lancées, elle ne recule pas, mais elle les dissèque. Tout au long de la série, elle conserve un niveau de conscience de soi qui la protège finalement des dommages durables de l’humiliation. Je n’arrivais pas à y croire, cette élève de première année vivait sans vergogne sa vie, ce que je suis toujours en train de faire à 32 ans. À la fin du livre (et de ma bière), j’ai senti le même genre d’espoir effervescent se répandre. moi que je ressens après une séance de thérapie enivrante. Peu importe votre âge, les paroles de Beverly Cleary ne sont pas discriminatoires. Alors que nous nous rapprochons de plus en plus de notre avenir post-pandémique, je prends note d’aller de l’avant et de vivre sans entraves et incarnés, ressentant toutes les émotions qui se présentent à moi. Et je pense que Ramona approuverait.

Lisez ceci ensuite: L’acte de nommer

par Stephanie Buschardt

30 mars 2021

Nous serons toujours appelés salopes, sorcières et harpies, alors nous pouvons aussi bien nous montrer à la hauteur.