Elizabeth Gilpin, auteur de Volé : un mémoire (Crédit photo : Julian Congregation)

Les premiers mémoires d’Elizabeth Gilpin, Volé, s’ouvre sur un homme sans visage l’arrachant de son lit au milieu de la nuit. Adolescente en proie à la dépression, Gilpin a été envoyée par ses parents dans un «internat thérapeutique» pour adolescents en difficulté à Halifax, en Virginie. Dans un langage saisissant, le livre raconte les abus physiques, psychologiques et émotionnels que Gilpin a endurés aux mains des administrateurs scolaires. « C’est une leçon étrange d’avoir déjà appris à quinze ans », écrit-elle. « Comment être fouillé à nu avec dignité. Ou du moins, comment faire croire à l’extérieur que vous ne mourez pas à l’intérieur.

Malgré le code du silence, Gilpin et des survivants tels que Paris Hilton et le journaliste Kenneth R. Rosen appartiennent à une clameur croissante de voix démantelant pièce par pièce « l’industrie des adolescents en difficulté ». Cependant, ce n’est pas la première fois que Gilpin, qui est également acteur, met en lumière une industrie non réglementée qui traite plus de 50 000 adolescents par an. En 2017, elle a joué dans le film réalisé par Lorraine Nicholson Bateau de sauvetage, un court métrage émotionnellement tendu basé sur les séances de « thérapie » tortueuses de Gilpin à l’école Carlbrook. Mais 15 minutes n’étaient pas assez d’espace pour explorer la complexité de la maltraitance des enfants en établissement. Chienne a parlé avec Gilpin de la nature cyclique des abus dans l’industrie des adolescents en difficulté, écrivant sur les traumatismes pendant la pandémie, et pourquoi il semble maintenant que le moment est venu de se manifester.

Vous avez vécu avec la dépression à l’adolescence. Quand avez-vous réalisé cela et comment cela a-t-il changé votre point de vue sur ce que vous aviez vécu ?

La dépression est quelque chose avec laquelle je lutterai toujours, et je n’en ai pas honte. Je suis juste quelqu’un qui ressent les choses à des extrêmes différents. Enfant, je ne pense pas l’avoir compris parce que j’étais si jeune. Je ne savais pas comment changer cette situation, mais en tant qu’adulte, je sais maintenant qu’il est important d’en parler. Ne pas être seul dans ce que vous ressentez est si important – et c’est quelque chose que je n’ai réalisé que bien plus tard. J’avais l’impression que tout ce que je disais, surtout à Carlbrook, allait être utilisé contre moi. Donc j’avais l’habitude de tenir la vérité, ou le fait que j’étais déprimé ou autre chose comme ça, si près du gilet, parce que j’avais peur qu’il me soit jeté au visage quatre minutes plus tard et que ça allait vraiment faire mal . Je suis heureux que les choses aillent dans le sens où il est normal de ne pas être bien dans notre société.

Votre mémoire traverse un sujet si lourd et émotionnel. Comment avez-vous pu prendre soin de vous émotionnellement en l’écrivant ?

je n’ai pas commencé [writing] jusqu’en février probablement [2020], c’est à ce moment-là que la pandémie s’est produite. C’était difficile à écrire au début, parce que je [was], comme nous l’étions tous, sous le choc. [The pandemic] m’a vraiment forcé à m’asseoir avec moi-même, jour après jour, et cela a juste ajouté tellement de couleurs. [during] quarantaine, [I took] le temps de vérifier avec moi-même : j’ai fait des Zooms et FaceTime avec mon thérapeute, je me suis enregistré avec ma famille et [I spoke] avec les enfants avec qui j’allais à l’école et qui m’aidaient. Il y a eu des jours où je voulais arrêter et jeter le livre. Et puis il y a eu des jours [when] C’était super. Si j’avais besoin d’une pause, même si c’était deux semaines, je me laissais faire et [became] d’accord avec ce que je ressentais. J’ai conduit quatre fois jusqu’au Montana, je suis allé en Arizona – j’ai passé deux semaines à camper dehors, même pas à me doucher sauf dans les rivières, à cuisiner sur des feux. C’était beaucoup de prendre le temps dont j’avais besoin pour traiter, guérir, réfléchir, tout cela.

L’humour dans les mémoires m’a surpris, mais aussi très efficace. Il a fait un travail merveilleux en montrant l’esprit et la ténacité qui vous ont permis de survivre et vous a aidé à guérir.

[Humor] était important pour chacun de nous. Nous avons tous eu des moments. [My schoolmates] étaient mes amis, alors comme tout autre enfant et ami, vous avez des moments heureux même dans un endroit comme celui-là, parce que vous ne pouvez pas survivre si vous ne le faites pas. C’est ainsi que nous nous en sommes tous sortis : prendre ces moments pour s’asseoir sur la clôture et rêver à l’avenir, ou manger une pizza derrière la benne à ordures, fourrer des oreillers dans nos pantalons. Mais ces moments sont ce qui m’a donné, au moins, la force de passer de l’autre côté.

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Avez-vous appris quelque chose dans vos recherches que vous n’avez pas pu mettre dans votre livre ?

[My book is] juste la pointe de l’iceberg. Toutes les autres écoles sont vraiment interdépendantes : tant de [Carlbrook] les membres du personnel ont travaillé dans d’autres écoles puis ont déménagé dans la mienne. Certains d’entre eux avaient [attended those] écoles. Si j’avais pu faire un documentaire sur la façon dont ils s’entrelacent et se nourrissent les uns des autres, cela aurait été un livre de 4 000 pages, car, pour la plupart, [each] l’école est aussi mauvaise que la suivante.

C’est fascinant, parce que quelque chose qui m’a sauté aux yeux quand j’ai lu, c’est que l’un des conseillers avait été dans l’industrie alors qu’il était adolescent. Vous vous êtes demandé si cela l’avait conduit à l’âge adulte à perpétuer le même cycle de violence sur d’autres adolescents.

Toute la fin du livre, c’est moi qui essaie de comprendre à quel point ce que je [went] à travers est juste un cycle. Et c’est ce que j’essayais de faire passer à propos du gars qui a commencé mon école : Autant je le détestais, quand j’ai commencé à écrire cette histoire, j’ai réalisé que la seule différence entre moi et lui, c’est que je suis sorti du cycle. J’étais beaucoup plus fort que lui d’une certaine manière. Quel que soit votre âge, tant de gens ont encore du mal avec ces endroits 10, 20, 30 ans plus tard.

Le livre de Maia Szalavitz, Aide à tout prix, est sorti en 2006. Pourquoi l’industrie des « adolescents en difficulté » a-t-elle pu prospérer pendant si longtemps malgré les enregistrements et les récits de traitements horribles de tant de personnes ?

Maia [wrote] un tel livre axé sur la recherche. Le livre de Maia [made] une grande éclaboussure avec les survivants de l’industrie – tout le monde que je connais l’a lu. Ce qui manquait, c’était un compte de première main [from] quelqu’un qui l’a vécu [articulating] à quel point l’abus est allé. Une grande partie de l’abus est psychologique, et pas quelque chose que vous comprendriez assez pour écrire [about] à moins que tu ne l’aies vécu. Nous arrivons juste à un endroit où les gens croient à des histoires comme celle-ci. Si j’avais écrit ce livre il y a 10 ans, je ne sais pas si les gens m’auraient cru. Je ne pense pas que les gens étaient prêts pour ça. Les gens sont prêts maintenant, et enfin dans un endroit où ils veulent un vrai changement. Ces endroits sont toujours en activité car personne n’a de preuve de quoi que ce soit. Je n’avais pas de téléphone ni Internet ; mes appels téléphoniques ont été surveillés. Il n’y a juste aucune preuve [of abuse], il a donc fallu que des gens se manifestent sur ce qui leur est arrivé. Je sais que j’ai eu peur pendant longtemps, car pourquoi les gens me croiraient-ils ? Je n’avais rien à montrer.

Volé : un mémoire par Elizabeth Gilpin (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Grand Central Publishing)

Comment avez-vous commencé le processus de guérison?

Honnêtement, je suis toujours en train de guérir. J’ai fait le pardon. Mais la guérison est difficile. Parfois je me retrouve littéralement [asking], « Est-ce vraiment arrivé ou était-ce un mauvais rêve et je l’invente et je vais me réveiller et il n’y a pas de livre et ce n’est pas réel? » Je ne sais pas si je serai un jour guéri à 100 pour cent. Cela m’a profondément affecté en tant que personne, et même si j’ai tout traité et que j’y suis parvenu, je vois toujours à quel point cela [affects] tant de gens que je connais et que j’aime, et cela me brise le cœur.

Pouvez-vous nous dire un peu à quoi pourrait ressembler la justice pour vous et pour d’autres qui vivent encore cela, s’en remettent et y survivent ?

J’ai perdu tellement d’amis à cause d’endroits comme ceux-ci et c’était important pour moi de raconter cette histoire pour eux parce qu’ils ne sont pas là pour le faire. Alors mon espoir est que [as] plus de gens se manifestent [it] ouvrira la voie à d’autres, qu’il s’agisse de parents ou d’enfants. je suis dans un [support] groupe pour les survivants de mon école, et il y a quelques parents d’enfants qui ont perdu la vie qui y parlent régulièrement. Il est important que ces personnes – les parents, les frères et sœurs – puissent parler, car tant de gens sont blessés par cela et il y a tellement de honte et de culpabilité autour de tout cela.

Qu’espérez-vous que les gens retiennent de votre livre ?

J’espère que ce livre parlera à tout le monde, aux parents qui pourraient avoir un enfant en difficulté et ne savent pas quoi faire avec eux, qu’ils liront ceci et ne feront pas ce que les autres parents ont fait. J’espère que s’il y a un enfant qui se sent seul, déprimé, harcelé à l’école, cela lui dira qu’il n’est pas seul. Que je semblais, vous savez, très normal et accompli comme un enfant, mais je me débattais. J’espère donc que cela montre aux enfants en particulier qu’il est normal de ne pas être d’accord, que nous traversons tous cela et qu’il existe de meilleures façons de gérer les choses. J’espère aussi que cela aidera les gens à avoir un peu plus de compassion. Vous ne savez pas ce que les gens traversent, vous ne savez pas quelle est leur lutte, vous ne savez pas ce qu’ils ont déjà survécu ou ce qu’ils survivent actuellement.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

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par Brooklyn White

26 juillet 2021

Il est décourageant de voir les jeunes gens qui popularisent les vêtements être exclus des tendances mêmes qu’ils ont aidé à lancer.

Ramona Young comme Eleanor Wong, à gauche, Lee Rodriguez comme Fabiola Torres, et Maitreyi Ramakrishnan comme Devi Vishwakumar dans Je n’ai jamais (Crédit photo : Isabella B. Vosmikova/Netflix)

Parfois, la dernière saison de Lang Fisher et Mindy Kaling Je n’ai jamais me rappelle un parent essayant – et échouant – d’utiliser un mot tel que « arraché ». Le flux constant de références à la culture pop me semble si déconnecté que cela m’a donné envie de quitter Netflix le plus rapidement possible – je veux dire, à un moment donné, un groupe de femmes queer appelle King Princess la « célèbre la moins problématique », ce qui est un étrange façon de caractériser une chanteuse qui a eu son lot de controverses. Pourtant, parfois, Je n’ai jamais ressemble toujours au spectacle que j’ai attendu toute ma vie; c’est le premier spectacle que j’ai vu où un protagoniste adolescent n’a pas peur d’être indien américain. Au lieu de cela, le spectacle célèbre l’expérience des Indiens d’Amérique de première génération et affronte le chagrin et la perte avec une précision déchirante. Malheureusement, la deuxième saison oblige le public à s’asseoir à travers des sous-intrigues évidentes et exagérées pour accéder à la particularité qui se cache en dessous.

La saison 2 reprend là où la finale de la saison 1 s’est arrêtée, avec la mère de Devi Vishwakumar (Maitreyi Ramakrishnan), Nalini (Poorna Jagannathan), interrompant une séance de maquillage entre sa fille et Ben (Jaren Lewison), l’ennemi juré de Devi devenu intérêt amoureux. Horrifiée que sa fille de 15 ans embrasse quelqu’un quelques minutes seulement après avoir répandu les cendres de son père, Nalini éloigne Devi de Ben et lui fait la leçon sur le trajet en voiture vers la maison. Mais Devi est distraite de la harangue de sa mère lorsqu’elle découvre que Paxton (Darren Barnet), son béguin, lui a laissé un message vocal suggestif. Sachant maintenant que Paxton l’aime aussi, Devi doit décider entre sortir avec lui, le gars le plus populaire de l’école, et sortir avec Ben, son ancien ennemi juré et partenaire de maquillage actuel. Le triangle amoureux de Devi est facilement la pire partie de la saison. Bien qu’il soit amusant de regarder une adolescente brune ringard naviguer entre deux garçons à sa poursuite, l’ensemble de l’intrigue donne l’impression que les écrivains ont volé le triangle amoureux dans le Cabine de baisers, a remplacé ces personnages par des personnes de couleur et a espéré que nous ne le remarquerions pas.

Comme on pouvait s’y attendre, la série dépeint les garçons comme des opposés polaires, qualifiant Paxton de sportif sexy qui obtient le «côté excité» de Devi et Ben de nerd compétitif qui défie Devi mais n’est pas sexuellement attirant. #TeamBen ou #TeamPaxton est une excellente tactique marketing, mais en réalité, le triangle amoureux déçoit. Devi n’a qu’une poignée d’interactions avec les deux personnages, et son attirance pour le couple semble être basée uniquement sur l’excitation d’avoir deux petits amis. Alors que les épisodes ultérieurs développent un peu plus le personnage de Paxton, il est toujours difficile de s’enraciner pour le couple car Devi semble plus obsédé par la chaleur de Paxton que par sa personnalité, tout comme la série : il y a une scène gratuite où Paxton, qui a 16 ans dans la série, répare une table bancale à l’aide d’outils électriques, torse nu, tandis que la caméra effectue un panoramique de haut en bas. Non seulement toute la scène sursexualise un garçon mineur, mais cela ne fait rien pour développer le personnage de Paxton. Le moment est venu de rappeler au public qu’il est fou que Paxton, un homme conventionnellement attirant, aime quelqu’un comme Devi, la fille indienne ringard avec des problèmes de gestion de la colère. La scène ne montre aucune autre facette de l’un ou l’autre des personnages ; c’est juste là pour renforcer l’idée que Devi devrait se sentir chanceuse que Paxton l’aime.

Cependant, l’arrivée d’Aneesa (Megan Suri), une nouvelle adolescente indienne musulmane transférée à Sherman Oaks, est beaucoup plus divertissante. L’émission dépeint de manière experte les micro-agressions occasionnelles que Devi et Aneesa endurent en tant que deux seuls enfants indiens dans un lycée majoritairement blanc. Les enseignants ne cessent de les mélanger et Aneesa est immédiatement étiquetée « Devi 2.0 » par leurs camarades de classe. La haine instantanée que Devi ressent pour Aneesa sera familière à toute personne de couleur qui a fait face à ce genre de comparaison constante de la part de ses pairs blancs. Devi rejette rapidement toutes les façons dont Aneesa et elle sont identiques, mais compare toujours chaque aspect d’elle-même à Aneesa. Même après que les deux se soient rapprochés, la jalousie de Devi transparaît quand Aneesa se lie d’amitié avec Ben. Devi essaie de cacher sa colère en accusant Aneesa d’avoir enfreint le code des filles en parlant à son ex-petit ami, mais la douleur est plus profonde, comme nous le voyons quand elle crie à un autre camarade de classe qui les mélange tous les deux qu’elle n’est pas Aneesa parce que « [she] ne court pas vite » et « [she’s] pas cool. »

L’arrivée d’Aneesa est un véhicule à travers lequel le spectacle explore les insécurités de Devi quant à son identité. Plutôt que de forcer les deux à devenir les meilleurs amis, l’émission montre que les deux trouvent du confort et des points communs dans le fait qu’ils n’ont pas à s’expliquer les aspects fondamentaux de leur culture – une intrigue secondaire clairement écrite par une personne de couleur avec expérience dans ce domaine. Bien que le matériel promotionnel de cette saison se concentre sur le triangle amoureux de Devi, cet arc narratif est plus ou moins abandonné par l’épisode trois. Cela signifie que les téléspectateurs passent plus de temps à se renseigner sur les personnages secondaires de la série, tels que le cousin de Devi, Kamala (Richa Moorjani), qui commence à travailler dans un laboratoire de recherche sur les cellules souches dominé par des hommes blancs cis. L’émission dépeint les luttes bien trop familières d’être une femme de couleur sur le lieu de travail, et elle n’hésite pas à montrer comment l’état d’esprit d’immigrant de Kamala affecte sa prise de décision.

Le conseil qu’elle reçoit de Nalini et de son petit ami sud-asiatique est de « garder la tête baissée et le menton relevé », de se résigner au sexisme quotidien qu’elle rencontre au lieu d’essayer de le changer. Son petit ami, Prashant (Rushi Kota), lui dit que se plaindre que son nom ne figure pas dans un document de recherche lui donnera la réputation d’être difficile à travailler et ne fera que compromettre sa carrière. Ne rien dire semble être la seule option jusqu’à ce qu’elle parle à Devi, qui lui rappelle qu’elle « a été lésée et mérite[s] être redressé. L’insistance de Devi sur le fait que Kamala ne devrait pas jouer dans les stéréotypes selon lesquels les femmes asiatiques sont soumises donne à Kamala la confiance nécessaire pour se défendre au lieu de jouer dans le stéréotype de la minorité modèle que Prashant et Nalini encouragent.

La première saison de Jamais je n’ai Ever a été applaudi pour son approche comique mais sérieuse du deuil. Cette saison n’est pas différente, car Devi continue de s’appuyer sur des solutions trop simples à ses problèmes de colère, qui échouent lamentablement à chaque fois. Devi essaie de faire face à la perte de son père, mais c’est une enfant qui apprend encore à être altruiste. Lorsque son thérapeute, Jamie Ryan (Niecy Nash), dit que des excuses pourraient donner à Devi ce qu’elle veut désespérément, Devi répond « Quoi, Ben? » Le Dr Ryan essaie alors d’expliquer à Devi qu’elle ne devrait pas s’excuser uniquement pour obtenir quelque chose en retour, mais c’est trop tard, et le drame qui se déroule est douloureusement relatable, même si la leçon est un peu évidente. Cette saison se concentre moins sur la mort du père de Devi et plus sur les batailles en cours de Devi avec sa santé mentale, mais le matériel est traité avec le même soin que celui qui a marqué la première saison.

Le processus de deuil de Nalini reflète quelque peu celui de Devi cette saison lorsque nous avons rencontré le Dr Chris Jackson (Common), un autre dermatologue au travail de Nalini. Tout comme Devi veut une pause de la douleur de perdre son père, Nalini veut une pause de la douleur de perdre son mari, ce qui l’amène à poursuivre une relation avec Chris. Nalini possède la conscience de soi pour réaliser ce qu’elle fait, mais elle a du mal à être aussi consciente des sentiments de sa fille. Dans un moment de colère, Nalini qualifie Devi de «fou» et bien qu’elle ne s’excuse pas directement, la série dévoile l’effet que ce moment a sur la santé mentale de Devi ainsi que la façon dont un tel langage peut être blessant. Dans ces instants, Je n’ai jamais se sent plus révolutionnaire que jamais: c’est une comédie dramatique pour adolescents qui dépeint avec précision un adolescent indien américain qui lutte pour être une bonne personne. Mais quelques minutes plus tard, l’émission vous ramène aux réalités de l’appel au public blanc avec un casting principalement POC. Je n’ai jamais est comme un adolescent : il veut être populaire, accessible à tout le monde et aliénant pour personne. Mais, comme Devi, le spectacle est tellement meilleur quand il embrasse son identité en tant que l’un des premiers spectacles grand public à présenter de tout cœur un adolescent sud-asiatique imparfait, désordonné et parfois désagréable.

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par Amanda Gokee

22 juillet 2021

L’histoire de l’assimilation forcée a été volontairement effacée.

Doja Cat en couverture de Planète elle (Crédit photo : David LaChapelle)

Doja Cat, c’est beaucoup de choses : elle est peu orthodoxe, sexy et souvent problématique, bien que son talent ait récemment commencé à attirer plus d’attention que les controverses qui l’entouraient auparavant. Elle manie habilement ses prouesses lyriques sur des rimes ludiques, mais elle peut aussi tenir une note. Elle maîtrise Internet (qui peut oublier l’ingéniosité chaotique de sa chanson virale de 2018 « MOOO ! » ?). Mais plus distinctement, Doja Cat est bizarre. Sur son dernier et son meilleur album Planète elle, elle utilise son excentricité pour peindre un monde féministe dans lequel elle célèbre chaque aspect de sa personnalité tout en marquant simultanément son territoire en tant que superstar de la pop. Doja Cat a fait irruption sur la scène avec le « MOOO! » vidéo musicale, où elle mange un cheeseburger, des frites et un milk-shake (à un moment donné, elle affiche sans vergogne une frite dans chacune de ses narines); twerks sur un fond plein de gifs; et rappe sur le fait d’être une vache, malgré son nom de scène (« Salope, je suis une vache, salope, je suis une vache/ Je ne suis pas un chat, je ne dis pas miaou »).

Elle interpole également des classiques du rap, dont « CREAM » de Wu-Tang Clan et « Milkshake » de Kelis. La vidéo chaotiquement stupide est immédiatement devenue virale, recueillant plus de 89 millions de vues à ce jour et propulsant Doja Cat vers le succès grand public. Mais c’était son deuxième album de 2019 Rose vif qui a montré au monde qu’elle peut créer plus que des mèmes. Rose vif a offert ce que les fans ont appris à aimer chez le rappeur et chanteur de 25 ans: des paroles extrêmement positives et humoristiques, des rythmes qui changent le genre et des crochets accrocheurs. Des chansons telles que « Cyber ​​Sex » à forte teneur en pop et « Say So » infusé de disco (dont le remix est devenu son premier hit numéro un) présentent une Doja Cat qui est très en phase avec sa sexualité et n’a pas peur de partager à quel point elle est excitée (« Je veux te toucher / Tu me vois dans ma chambre / J’aimerais que tu sois ici maintenant / Toutes les choses que je ferais », chante-t-elle sur « Cyber ​​Sex »). Si les versions précédentes de Doja Cat étaient un aperçu de la créativité sans limite de l’artiste, alors Planète elle explique largement cela, partageant avec les auditeurs à quel point elle est dévouée à expérimenter avec son son et son art.

L’album de 14 titres, plus cinq chansons supplémentaires sur l’édition de luxe, est une balade passionnante dans le monde envoûtant et excentrique de Doja Cat. L’album commence par « Woman », un morceau afrobeats sur lequel elle rime de manière ludique sur sa féminité et expose la perception erronée des femmes ayant besoin d’être monolithiques (« Je pourrais être le leader, chef de tous les États / Je pourrais sourire et secouer « jusqu’à ce que ses poches soient vides/ je pourrais être le PDG, regardez Robyn Fenty »). Sur le « Naked » plus dancehall, Doja rime sur son besoin immédiat de se déshabiller et d’avoir des relations sexuelles avec un partenaire. La production rapide et optimiste de la chanson, associée à la voix haletante de Doja Cat, souligne l’urgence de la question : « Comment puis-je continuer ?/ Comment puis-je vous le faire savoir ?/ Garçon, vous méritez un spectacle/ Méritez de vous mettre à l’aise. » « Tonight », qui présente une collaboration surprise avec Eve, est remarquable. Le morceau de près de trois minutes est soutenu par un rythme de guitare électrique à cinq temps qui sonne exactement comme l’époque de la musique où Eve était dans la fleur de l’âge.

Tout au long de la chanson, le couple chante et rappe sur le fait d’avoir été pris en transe sexuelle avec l’homme de quelqu’un d’autre (« Tu vois mes yeux, mec, je ne peux pas les garder loin de toi / Turnin’ me on I― I just can’t voir à travers vous / Dieu bénisse votre fille parce que ce sentiment, c’est du vaudou », chante Doja Cat dans le premier couplet). Doja Cat chante à nouveau sur la convoitise de quelqu’un sur le futuriste « Need to Know ». Elle peint sonorement un univers galactique, comme le prouve la vidéo de la chanson, dans laquelle elle veut désespérément savoir si le partenaire pour lequel elle a des yeux est prêt pour le sexe : « Je ne peux pas m’empêcher d’être sexuel/ Dites-moi votre emploi du temps/ Je J’ai plein de nouveaux trucs pour toi, bébé / Je dis juste que je suis flexible. Tout en emmenant les auditeurs dans un délicieux voyage à travers tous les genres qui l’inspirent, elle nous rappelle également qu’elle est aux commandes de sa sexualité et de son destin. Sur « Payday », un mélange parfait de hip hop et de pop mettant en vedette Young Thug, elle rappe sur le chemin parcouru dans sa carrière, l’excitation qu’elle ressent lorsqu’elle est au bord de la célébrité et la possibilité de partager ce succès avec les autres. Elle rappe dans le premier couplet :  » J’ai dit tout ce que je veux / Je n’en ai pas besoin, je l’ai déjà / Dis-moi ce que tu veux / Montre-le, je t’ai bébé.  » À partir de là, l’album passe au « Get Into It (Yuh) », infusé de pièges, qui ressemble à une chanson que Playboi Carti enregistrerait (si seulement Rouge Lotta Entier n’était pas aussi terne). Le court morceau présente l’artiste s’exprimant sur le succès et l’attention qu’elle a reçus jusqu’à présent : « Vous devez tous entrer dans mon goutte à goutte comme si vous aviez tous besoin d’eau / Je veux dire, ce n’est que de la tête aux pieds Balenciaga.

À la fin de ce couplet, elle pivote vers quatre lignes d’annihilation lyrique rapide et théâtrale qui rappellent les premières barres de carrière de Nicki Minaj, que Doja Cat remercie à la fin de la chanson. L’album se termine par le premier single « Kiss Me More », avec SZA, qui a culminé à la troisième place le Panneau d’affichage‘s Hot 100 graphique. La chanson présente un rythme pop contagieux et peut être à juste titre qualifiée de chanson de l’été et parmi les meilleures sorties cette année. Planète elle a culminé à la deuxième place du palmarès Billboard 200 la semaine suivant sa sortie, ajoutant au répertoire croissant de succès commerciaux de Doja Cat. C’est l’album le mieux classé de l’artiste, ce qui semble approprié étant donné que Planète elle ressemble à un début, sans controverse. Depuis l’ascension de Doja Cat en 2018, elle a doublé et s’est finalement excusée d’avoir utilisé une insulte homophobe et d’être dans des forums de discussion racistes.

Le succès de son seul single numéro un « Say So (Remix) » a été entaché car il a été produit par le Dr Luke, que Kesha a accusé de l’avoir violée et maltraitée. Bien que le producteur ait signé Doja Cat sur son label, Kemosabe Records, avant les allégations, elle a maintenu une relation de travail avec lui. Quoi qu’il en soit, cette nouvelle ère de la carrière de Doja Cat semble être un renouveau, et sa dernière offre comprend beaucoup moins (deux) apparitions du Dr Luke par rapport à ses versions précédentes, faisant allusion, espérons-le, à une éventuelle scission professionnelle. Planète elle prouve que Doja Cat n’a besoin d’aucune controverse ou du soutien d’un agresseur présumé pour revendiquer son titre de prochaine grande star de la pop. Son talent est plus que suffisant. Au Planète elle, Doja Cat proclame que les femmes sont des êtres supérieurs et, ce faisant, elle revendique une carrière suprême dans le domaine de la pop.

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par Amanda Gokee

22 juillet 2021

L’histoire de l’assimilation forcée a été volontairement effacée.

L’ensemble-cadeau Malibu Barbie 50e anniversaire comprend Christie, à gauche, Barbie et PJ dans les années 70 smaillots de bain tyle (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Mattel, Inc.)

Il y a une ressemblance évidente entre la Malibu Barbie originale introduite en 1971 et l’acteur Sharon Tate, qui a été assassiné par la famille Manson en 1969. Malibu Barbie et Tate ont les longs cheveux blonds associés à la mode des années 70, des yeux bleus perçants et un corps incroyablement mince. La Barbie Malibu originale a même enfilé le même maillot de bain turquoise que Tate portait dans les années 1967 Ne faites pas de vagues. Malibu Barbie a sauvé Mattel : les ventes de Barbie ont commencé à baisser au début des années 70 après que les féministes de la deuxième vague eurent critiqué l’impact de la poupée sur les jeunes filles. Mattel a décidé de donner un nouveau visage à Barbie, littéralement. Pour la première fois dans l’histoire de Barbie, elle a commencé à regarder droit devant elle au lieu d’avoir un regard de côté réservé. Elle eut soudain un grand sourire plein de dents blanches perle, et elle portait un maillot de bain.

Bien que Malibu Barbie n’ait pas enfilé exactement le même bikini que Tate portait Ne faites pas de vagues, le nouveau maillot de bain de Barbie était de la même couleur. Les cheveux de Malibu Barbie étaient plus épais que ceux de son prédécesseur et elle avait une peau bronzée pour accompagner la planche de surf fournie en accessoire. C’était une nouvelle Barbie pour une nouvelle fois, mais, d’une manière ou d’une autre, son lien avec une femme qui avait été assassinée était à la fois négligé et jugé acceptable. Bien que Mattel n’ait jamais confirmé que Tate avait inspiré l’esthétique de Malibu Barbie, leur ressemblance étrange est revenue à la lumière alors que les entreprises ont commencé à célébrer le 50e anniversaire de la poupée. Barbie, bien sûr, était une poupée blonde trop mince depuis sa sortie en 1959 à l’American Toy Fair de New York, mais Tate correspondait à un moule spécifique qui ne pouvait pas être reproduit, bien qu’il puisse être commercialisé auprès des enfants. Cela soulève également une autre question : comment une poupée inspirée par un acteur qui a connu une fin aussi brutale et tragique a-t-elle connu un tel succès ? Et qu’est-ce que cela dit sur ce que nous apprécions?

Cinquante ans après la sortie de Malibu Barbie, la marque de maquillage Colourpop propose des palettes de rouges à lèvres et de fards à paupières inspirées de Barbie. La marque de vêtements californienne L*SPACE s’associe à Barbie pour une ligne de bain pour adultes. FUNBOY propose une gamme de flotteurs de piscine Barbie, Chi propose une gamme de fers à coiffer Barbie et Stoney Clover Lane vend des sacs de toutes sortes avec des visages et des logos Barbie. Même Mattel profite de l’anniversaire en vendant des Barbies de style années 70 destinées aux collectionneurs adultes. Toutes ces collaborations honorant la célébration du demi-centenaire de Malibu Barbie sont commercialisées auprès des adultes, ce qui représente un nouveau changement pour Mattel. Bien sûr, les enfants du monde entier possèdent toujours des poupées Barbie, mais Mattel prouve qu’il peut vendre des marchandises aux adultes qui sont tombés amoureux de Barbie lorsqu’ils étaient enfants. Mattel a utilisé les 62 dernières années pour inculquer aux enfants l’amour de la mode, une silhouette maigre et de longs cheveux blonds, autant de caractéristiques qu’Hollywood idéalise encore.

Bien que Tate, une starlette montante des années 60, ait joué dans des films tels que L’équipe de démolition (1958) et Vallée des poupées (1967), sa mort prématurée est la raison pour laquelle elle est toujours une pierre de touche culturelle. Le 8 août 1969, Tex Watson, Patricia Krenwinkel, Susan Atkins et Linda Kasabian, membres de la famille Mason, ont assassiné Tate dans la maison d’Hollywood qu’elle partageait avec son mari Roman Polanski. À l’époque, Tate était enceinte de huit mois et des amis qui assistaient à un dîner chez elle ce soir-là ont également été assassinés. Bien qu’aucune des victimes ne connaisse personnellement Charles Manson, la maison de Tate était autrefois occupée par Terry Melcher, qui n’a pas pu donner à Manson la carrière musicale qu’il désirait. Tate était simplement au mauvais endroit au mauvais moment et a été victime d’un complot de vengeance qui n’avait absolument rien à voir avec elle. À la suite d’un meurtre violent, il semble insensé pour Ruth Handler, Barbie inventrice et cofondatrice de Mattel, de nommer sa nouvelle poupée Malibu, le nom du personnage de Tate dans Don’t Make Waves, ou pour elle de créer une poupée avec un ressemblance frappante avec l’acteur. Et pourtant, les ressemblances entre les deux sont troublantes.

Pendant 50 ans, Malibu Barbie a été utilisée pour colporter des normes de beauté inaccessibles et irréalistes aux filles, tout comme Hollywood le fait depuis le tout début. Ce n’est pas comme si Barbie avait passé 62 ans sans être critiquée. Au contraire, Barbie et Hollywood ont fait l’objet d’un examen minutieux pour avoir perpétué des normes de beauté irréalistes. En fait, les recherches montrent que si Barbie était réelle, « elle serait forcée de marcher à quatre pattes et… serait physiquement incapable de lever… la tête ». Il est physiquement impossible d’être Barbie et, malgré cette impossibilité, de nombreuses femmes, comme Tate, ont des caractéristiques similaires. Le physique impossible de Barbie a même conduit les filles qui jouent avec les poupées entre six et huit ans à avoir des pensées plus négatives envers leur corps alors qu’elles rêvent de ressembler un jour à Barbie. En 2009, le délégué de Virginie-Occidentale, Jeff Eldridge, a même tenté de faire de la vente de Barbie dans l’État une pratique « illégale », même s’il ne s’était apparemment jamais attendu à ce que le projet de loi soit adopté. Son intérêt pour l’interdiction de Barbie est fondé sur la culture de la beauté promue par Hollywood, et ces idéaux peuvent entraîner des troubles de l’alimentation, entre autres problèmes potentiellement mortels. Après en avoir eu marre des normes impossibles, un lycéen a construit une Barbie en grillage et papier mâché en 2007. Galia Slayen voulait démontrer visuellement à quoi ressembleraient exactement les normes de beauté inaccessibles créées par Barbie, entre autres sources culturelles. Elle a atterri sur une femme de 6 pieds de haut avec un buste de 39 pouces et une taille de 18 pouces, une femme complètement impossible.

Cela dit, Mattel vend toujours 58 millions de poupées Barbie par an, et Malibu Barbie maintient toujours des normes irréalistes 50 ans plus tard. Le fait qu’elle ait été faite pour ressembler à une victime de meurtre ne devrait pas être balayé sous un tapis car les dommages causés aux filles par Hollywood et Barbie sont les mêmes. Notre obsession en tant que société pour la mort d’une femme conventionnellement attirante s’aligne avec notre obsession pour Barbie d’une manière qu’il est difficile de manquer. Comme de nombreuses célébrités martyrisées, une grande partie de la renommée de Tate est fondée sur son meurtre. Alors que les films dans lesquels elle a joué dans les années 60 ont plutôt bien fonctionné, de nombreux films ont été tournés sur sa mort, tels que Il était une fois… à Hollywood (2019) et La hantise de Sharon Tate (2019). La mort d’une star hollywoodienne blonde, maigre et enceinte a attiré l’attention de tout le monde, semble-t-il, y compris celle de Handler. Les normes de beauté ne profitent pas plus aux personnes qu’elles idéalisent qu’à n’importe qui d’autre, et le meurtre de Tate ne devrait pas plus être glorifié que Malibu Barbie ne devrait être acceptée telle qu’elle est.

Alors que nous célébrons les 50 ans du premier nouveau visage de Barbie, les origines de Malibu Barbie restent non confirmées, mais il est difficile de ne pas croire que Tate n’a pas au moins traversé l’esprit de Handler lorsqu’elle a créé une nouvelle poupée. Nous savons, collectivement, que Barbie n’est pas le jouet le plus réaliste à offrir à nos enfants. Nous comprenons également, même à l’âge adulte, le pouvoir irrésistible de Barbie : des cheveux à brosser et quelqu’un à habiller avec des vêtements à la mode. Barbie n’ira nulle part de sitôt, mais si nous ne remettons pas au moins en question sa présentation et ses effets sur des femmes comme Sharon Tate qui font carrière en ayant une certaine apparence, alors nous n’aurons jamais un meilleur jouet pour nos enfants . Dans l’état actuel des choses, la pression des communautés a conduit Mattel à sortir une gamme de Barbies avec des courbes, des couleurs de peau différentes et même des poupées aux capacités différentes en 2019, mais cela ne suffit pas. Nous devons changer en tant que société. Nous devons créer un monde où les enfants voient des corps différents comme normaux, un monde où une poupée qui ne peut pas tenir sa tête de manière réaliste n’est pas le centre des normes de beauté.

Lisez ceci Suivant : Gros coup de cœur

par Mansee Khurana

22 juillet 2021

« Never Have I Ever » est comme un adolescent : il veut être populaire, accessible et aliénant pour personne.

Jason Sudeikis dans le rôle de Ted Lasso dans Ted Lasso (Crédit photo : avec l’aimable autorisation d’AppleTV+)

Il existe un type particulier de solitude qui n’apparaît que lorsque vous êtes entouré d’autres personnes. À l’automne 2020, comme une grande partie du monde, j’avais du mal à percer la surface d’une pandémie qui m’avait plongé dans un type de désespoir que je n’avais jamais connu auparavant. J’avais déménagé de mon appartement à Brooklyn – l’endroit que j’appelais chez moi depuis le début de la vingtaine – pour retourner dans ma ville natale alors que COVID-19 ravageait le pays et le monde. En partie, j’ai déménagé parce que j’aspirais à une connexion – à être physiquement attaché aux personnes qui étaient liées par le sang pour me voir traverser ma dépression, mon anxiété et ma peur – mais au-delà de cela, j’aispirais à des soins.

Je voulais être choyé, mais parfois menotté à l’arrière de la tête quand je devenais trop complaisant. Je voulais être vu, mais me donner l’espace pour me cacher quand j’étais connu était une entreprise trop mortifiante. Je voulais être poussée, mais encouragée à prendre du recul par rapport à mon travail lorsque cela était nécessaire. C’était le type de soins, je m’en suis rendu compte, que j’avais reçu de mes amis pendant des années. A moitié pays de ma mère et de mes sœurs, j’avais fondé une famille par contumace. Le genre de famille trouvée que vous voyez dans les émissions Freeform d’une heure : des femmes drôles, chaleureuses, en désordre, prêtes à clé une voiture en pleine nuit lorsqu’un amant vous a fait du tort. Le genre à qui vous racontez vos secrets sans avoir honte, avec qui vous riez des conquêtes ratées et des mésaventures du Lower East Side. Pourtant, alors que nous nous retirions tous dans la solitude de nos maisons dans l’espoir de préserver nos vies et celles des autres, j’ai été coupé de ce que j’avais commencé à considérer comme une bouée de sauvetage.

J’étais de retour à la maison, capable de tomber dans les bras de ma mère lorsque les murs ont commencé à s’effondrer, et néanmoins, une nostalgie est restée. Pour les femmes que j’ai laissées. Pour les amis, je ne pouvais voir qu’à travers l’écran de six pouces d’un groupe FaceTime. Pour la vie que j’avais eue qui s’était enrichie de leur proximité.

Et puis j’ai trouvé Ted Lasso.

***

J’ai lu quelque part que vous devez entendre parler d’un produit sept fois avant de l’acheter. Mais, en toute honnêteté, il a fallu beaucoup moins de tweets que de chanter Ted Lasso‘s loue pour moi d’essayer. Ma sœur et moi nous sommes assis dans le salon de notre maison d’enfance et avons mis en garde Apple TV +, avides de quelque chose – n’importe quoi – qui nous offrirait un répit de notre tristesse commune. Sur la table basse, mon téléphone vibre de notifications. J’ai supprimé l’application Gmail. J’ai désactivé mes alertes push sur Instagram. J’ai mis mes discussions de groupe sur le MDN. Tout semblait être un substitut insignifiant pour chanter Alanis Morissette à la taverne, ou manger des crêpes tôt le matin sur le toit de mon appartement, ou se tenir par les épaules alors que nous trébuchions vers le L après une soirée. Je ne pouvais pas me résoudre à prétendre que nous étions assez.

De nos commanditaires

J’ai appuyé sur play sur le pilote. Il m’a fallu moins de 10 minutes pour devenir accro.

Ted Lasso est une émission sur un club de football anglais et l’Américain d’un optimisme sans fin et chaleureusement maladroit amené pour les entraîner. C’est un spectacle sur la croyance – en vous-même, en votre prochain – qui équilibre d’une manière ou d’une autre une grande peur de l’avenir avec un optimisme implacable quant à ce qui va arriver. Mais le vrai cadeau de Ted Lasso, à la fois l’homme et le spectacle, est qu’il sert de porte à une myriade d’autres personnages tout aussi convaincants et entièrement rendus. Parmi eux, il y a Rebecca (Hannah Waddingham), la propriétaire du club aux cheveux blonds, à talons hauts et qui a récemment divorcé. Au premier jour, elle est méprisante, méchante et, sans aucun doute, seule. Et c’est peut-être l’examen inébranlable de la solitude humaine par la série qui m’a le plus convaincu. Rebecca, trahie par son ex-mari et seule à la suite de son divorce. Ted, seul mais pas-forcément-seul à l’autre bout du monde de sa quasi-ex-femme et de son fils. Et tandis que les deux forgent une parenté improbable d’ici la fin de la saison, avant cela, il y a quelque chose d’encore mieux : le couple dynamique de Keeley Jones (Juno Temple) – mannequin et petite amie du joueur vedette de l’AFC Richmond Jamie Tartt (Phil Dunster) Rébecca Welton.

Rebecca et Keeley sont, à bien des égards, opposés. Keeley est jeune, pétillant et universellement adoré. Rebecca est d’âge moyen, curmudgeonly et assez largement craint. Et c’est dans la capacité de la série à traverser le juste milieu entre eux que Ted Lasso opère sa magie. Les deux transcendent les stéréotypes souvent projetés sur des amitiés féminines faiblement conçues à la télévision et passent des épisodes entièrement investis dans l’élévation de l’autre. Keeley utilise ses dons du millénaire pour la perception du public pour aider à renforcer la faible confiance en soi de Rebecca après le divorce, et Rebecca s’appuie sur ses années passées dans un mariage insatisfaisant pour offrir des conseils relationnels à un Keeley. À chaque tournant, ils s’appuient sur les talents de l’autre pour cultiver ce qui est un lien magnifique (et digne d’une fanfic). Ils se tiennent les uns les autres, se tiennent pour responsables et se tiennent un miroir afin qu’ils puissent voir les parties d’eux-mêmes qu’ils pourraient autrement ignorer. C’est la vulnérabilité dans sa forme la plus simple.

Voir leur relation se développer a été un baume, un retour en douceur aux amitiés dont je me sentais si loin. Rebecca et Keeley ne sont pas un excellent exemple du pouvoir réparateur des amitiés féminines parce qu’elles partagent un espace physique – bien que le spectacle se déroule dans un monde sans COVID – c’est parce qu’elles partagent un espace émotionnel. Ils se permettent de voir au-delà de la nature performative de leurs personnages publics, des personnages qu’ils ont créés pour se protéger, et puisent dans quelque chose de plus sérieux. Keeley et Rebecca sont devenus une fenêtre sur non pas ce que j’avais perdu, mais ce à quoi j’avais oublié d’accéder. Dans mon chagrin, je m’étais retiré, fermé, fermé. J’avais laissé la caméra Zoom agir comme un bouclier entre moi et mes amis, ne permettant qu’au moi le plus superficiel de filtrer. Je me sentais seul quand nous parlions parce qu’ils ne parlaient plus à moi– la version désordonnée et honnête de moi-même que j’avais été quand nous étions ensemble. J’étais Rebecca dans l’épisode un. J’étais Keeley sur son Instagram. Ce que je me devais, à moi et à eux, c’était un amour qui s’épanouissait dans l’honnêteté et en me laissant voir. Et une fois que je l’ai fait, les soins sur lesquels j’avais appris à compter sont réapparus à la pelle.

Récemment, Ted Lasso a accumulé 20 nominations historiques aux Emmy, plus que n’importe quelle comédie de première année de l’histoire. Le timing est presque inquiétant : Ted Lasso revenir, tout comme la variante Delta me pousse à disparaître une fois de plus dans ma maison. Mais comme les gens appellent inévitablement le charme sans effort de Ted de Jason Sudeikis comme preuve du génie de la série, ou désignent le côté doux caché de Roy Kent comme la racine du charme de la première saison, je vais organiser une soirée karaoké FaceTime avec mes meilleurs amis, ceinture Congelé chansons du haut de mes poumons, et remercier AFC Richmond pour Rebecca et Keeley.

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par Yasmine Ameli

29 juin 2021

Elissa Washuta démontre le pouvoir inhérent de la narration.

La maison à l’étage par Julia Fine et Salope de nuit par Rachel Yoder (Crédit photo : HarperCollins et Penguin Random House)

En tant que personne qui ne veut pas d’enfants, je trouve la validation dans des livres comme celui de Rachel Yoder Salope de nuit, sorti ce mois-ci, et Julia Fine’s La maison à l’étage, sorti en février 2021 – des livres qui décrivent habilement le sentiment d’être complètement avalé par le processus de croissance d’un autre humain à l’intérieur de votre corps et de s’assurer que ledit humain prospère en dehors de celui-ci. Mais pour ceux qui envisagent d’accoucher et d’élever des enfants ou qui l’ont déjà fait, les deux livres reflètent la réalité effrayante que la grossesse et l’accouchement sont un pari très réel – et souvent sous-discuté – avec la santé mentale.

La maison à l’étage suit Megan, une nouvelle mère et universitaire essayant de terminer sa thèse sur la littérature pour enfants, en particulier le travail de Margaret Wise Brown, auteur du classique du coucher bonne nuit lune. Megan commence à imaginer une porte au-dessus de leur appartement alors qu’il n’y en a pas. Un jour, il s’ouvre pour révéler la demeure de Brown elle-même, et Megan se retrouve mêlée à la relation volatile de l’auteur avec le mondain et actrice Michael Strange, qui dans la vraie vie était l’amant présumé de Brown. Ces hallucinations deviennent une telle caractéristique de la vie quotidienne de Megan qu’elle laisse son bébé avec Brown quand elle sort un jour, rentrant plus tard à la maison pour trouver « la télécommande de la télévision était là où elle était, la porte de la salle de bain en bas a craqué comme elle l’avait été. été quand je suis parti…. Le pyjama que j’avais posé en travers du berceau était toujours suspendu là…. Où Marguerite était-elle allée ? Y avait-il eu une sorte d’urgence ? Pourquoi n’avait-elle pas appelé ? À partir de ce moment, Strange entre en scène comme une sorte de poltergeist malveillant, laissant les bains déborder et allumer le gaz.

De nos commanditaires

La maison à l’étage traite explicitement de la psychose post-partum; Salope de nuit, d’autre part, adopte une approche plus abstraite, centrant une âme créative différente connue uniquement sous son nom titulaire. Artiste plasticienne à bout de nerfs, elle passe de longues journées à essayer « de garder [her two-year-old] vivant – c’était le seul geste artistique qu’elle pouvait rassembler », et les descriptions de Yoder de cette monotonie sont évocatrices et extrêmement pertinentes. (Un de ces passages dit : « Pour le dîner, elle a préparé le repas qu’elle avait prévu – du pain à la dinde rempli de légumes râpés, de pommes de terre rôties et d’une salade verte – et même si la semaine précédente, le garçon avait aimé toutes ces choses, il a refusé de les manger cette nuit-là, en criant, Macaroni, macaroni !, jusqu’à ce qu’elle cède et lui fasse des macaronis au fromage et aux pois. Il a mangé deux bouchées de chacun, puis a jeté le reste sur le sol. ») Et Nightbitch, comme Megan, a également a une figure d’écrivain maternelle qui occupe une place importante : Wanda White, la mystérieuse auteure de Un guide de terrain pour les femmes magiques : une ethnographie mythique, que Nightbitch utilise comme une sorte de manuel pour comprendre ce qui lui arrive.

Et que lui arrive-t-il ? Nightbitch commence à remarquer la présence d’une bosse remplie de poils sur son coccyx, une croissance accrue des poils sur tout son corps et un goût insatiable pour la viande crue. La transformation en animal est un thème familier dans les contes de fées et les films d’horreur, et les lecteurs peuvent raisonnablement en déduire que les changements physiques de Nightbitch sont en fait des manifestations d’une psychose post-partum tardive.

La psychose post-partum est une maladie rare et soudaine qui survient chez environ 0,1 à 0,2 pour cent des femmes peu de temps après l’accouchement et peut inclure des symptômes tels que des hallucinations, de la paranoïa et de l’hyperactivité. C’est très différent de la dépression post-partum vécue par environ 15 % des personnes qui ont accouché, et la dépression post-partum, à son tour, est différente des changements hormonaux communément appelés « baby blues » qui affectent la majorité des femmes qui accouchent. dans les jours qui suivent. Ce que la dépression post-partum et la psychose post-partum ont en commun, c’est que les deux sont souvent mal comprises et étouffées, mais des livres comme La maison à l’étage et Salope de nuit témoignent d’une volonté croissante d’explorer ces conditions en les mettant au premier plan.

Les femmes dans ces livres n’ont pas l’avantage d’une telle volonté, cependant. Leurs maris absents ne s’intéressent pas aux luttes de leurs partenaires et leurs familles comprennent mal le fardeau mental et physique de la maternité. Les signes de psychose post-partum de Megan commencent dans la maternité lorsqu’elle commence à voir et à entendre des choses qui n’y sont pas, et sa famille s’empresse de les rejeter. « Concentrez-vous simplement sur le bébé », disent-ils – un message qu’ils contredisent plus tard en disant à Megan qu’elle doit en fait se concentrer sur elle-même, et une préfiguration des conseils psychologiques qu’elle recevra plus tard dans un autre service de ce même hôpital. Nightbitch, quant à elle, fantasme sur combien ce serait plus facile si elle abandonnait ses ambitions artistiques et se concentrait plutôt sur le fait d’être une mère en renonçant complètement à son humanité : « Les chiens n’ont pas besoin de travailler. Les chiens ne se soucient pas de l’art. Pourquoi cela ne lui était-il jamais venu à l’esprit avant ? Elle est capable d’abandonner la version d’elle-même qui veut avoir une identité en dehors de son enfant, la version qui lutte avec la façon dont la société pourrait la voir – « une dame privilégiée et suréduquée au milieu de l’Amérique vivant le rêve de tenir son bébé vingt-quatre heures sur vingt-quatre » — si elle osait se plaindre. Megan, quant à elle, trouve que la présence de Brown et Strange la dérange d’autant moins qu’elle écrit.

Les représentations de la psychose post-partum dans La maison à l’étage et Salope de nuit pourraient sensationnaliser la condition à des fins de narration, mais ils ne diabolisent pas les femmes qui la subissent ; au lieu de cela, ils mettent en évidence la solitude et le stress auto-entretenus causés par la maladie, et la peur de son apparence pour leurs partenaires et les autres. Salope de nuitLe narrateur soupçonne même que le groupe de mères du quartier / MLM de colportage d’herbes est en fait un groupe d’autres métamorphes canins qui pourraient comprendre sa propre transformation. Yoder utilise les langages du bien-être, de l’autonomisation des femmes et du féminisme d’entreprise pour illustrer comment Nightbitch perçoit ses propres défauts en tant que mère : si elle était plus présente, éliminait les distractions et avait « une certaine confiance en soi ». Croyez[d] en elle-même. [Made] le temps », alors elle aussi pourrait être une supermaman.

Les deux livres, bien sûr, sont imprégnés de la peur que la psychose post-partum mette en danger les enfants de leurs protagonistes. Megan laisse son bébé seul, croyant que Brown surveille; Le comportement de Nightbitch repousse les limites de la maltraitance et de l’abandon des enfants, bien que son fils se délecte du «jeu de chien» qui l’oblige à manger de la viande crue et à dormir dans un chenil sans surveillance pendant que sa mère se transforme. Les réactions inexistantes des partenaires des femmes, quant à elles, soulignent le secret isolant de leurs conditions. « Pendant qu’il était à la maison, il ne s’est rien passé. Il ne s’est rien passé de notable. C’est-à-dire qu’il n’a rien remarqué », écrit Fine à propos de la vie familiale de Megan. Et bien que Nightbitch laisse d’abord des allusions à son croisement primordial à son mari inconscient, son étreinte croissante la pousse à l’insouciance. « Et si je ne faisais rien ? elle se demandait. Et si j’arrêtais juste ? Le remarquerait-il ? Ferait-il quelque chose ? Jusqu’à présent, ses conclusions étaient non et non », écrit Yoder. Les deux romans parlent du secret entourant la psychose post-partum et, en effet, la grossesse, l’accouchement et les conditions post-partum plus généralement. (« C’est peut-être ce qui est arrivé à toutes les mamans et personne ne lui avait dit, tout comme elle ne savait pas que ses pieds s’élargiraient et s’étendraient après la naissance de son fils et que ses cheveux sortiraient par poignée sous la douche », écrit Yoder.)

La maison à l’étage et Salope de nuit J’ai aussi quelque chose à dire sur la conception de la maternité comme le rôle « naturel » d’une femme – un rôle si important qu’il signifie sacrifier la santé mentale et renoncer à tous les autres intérêts et créativité. Depuis près d’un an, j’ai dit à une amie maman qui a souffert de dépression post-partum de lire La maison à l’étage, mais elle n’a pas pu trouver le temps de le faire. Faut-il s’étonner que sur les deux livres discutés ici, celui qui traite plus lourdement de l’irréalité est celui dans lequel la protagoniste est capable de concilier sa maternité avec son art ? En utilisant les concepts exacerbés d’un auteur célèbre mort depuis longtemps vivant dans une « maison à l’étage » inexistante et d’une mère qui se transforme en chien, Fine et Yoder travaillent aux côtés de leurs protagonistes pour rendre les conditions du post-partum plus compréhensibles sans diluer leur pouvoir désorientant et révélateur.

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par Beatriz Valero d’Urquia

28 juin 2021

La marque Victoria’s Secret s’est construite sur l’hypersexualisation du corps des femmes et la glorification des troubles de l’alimentation.

La maison à l’étage par Julia Fine et Salope de nuit par Rachel Yoder (Crédit photo : Harper Collins et Penguin Random House)

En tant que personne qui ne veut pas d’enfants, je trouve la validation dans des livres comme celui de Rachel Yoder Salope de nuit, sorti ce mois-ci, et Julia Fine’s La maison à l’étage, sorti en février 2021 – des livres qui décrivent habilement le sentiment d’être complètement avalé par le processus de croissance d’un autre humain à l’intérieur de votre corps et de s’assurer que ledit humain prospère en dehors de celui-ci. Mais pour ceux qui envisagent d’accoucher et d’élever des enfants ou qui l’ont déjà fait, les deux livres reflètent la réalité effrayante que la grossesse et l’accouchement sont un pari très réel – et souvent sous-discuté – avec la santé mentale.

La maison à l’étage suit Megan, une nouvelle mère et universitaire essayant de terminer sa thèse sur la littérature pour enfants, en particulier le travail de Margaret Wise Brown, auteur du classique du coucher bonne nuit lune. Megan commence à imaginer une porte au-dessus de leur appartement alors qu’il n’y en a pas. Un jour, il s’ouvre pour révéler la demeure de Brown elle-même, et Megan se retrouve mêlée à la relation volatile de l’auteur avec le mondain et actrice Michael Strange, qui dans la vraie vie était l’amant présumé de Brown. Ces hallucinations deviennent une telle caractéristique de la vie quotidienne de Megan qu’elle laisse son bébé avec Brown quand elle sort un jour, rentrant plus tard à la maison pour trouver « la télécommande de la télévision était là où elle était, la porte de la salle de bain en bas a craqué comme elle l’avait été. été quand je suis parti…. Le pyjama que j’avais posé en travers du berceau était toujours suspendu là…. Où Marguerite était-elle allée ? Y avait-il eu une sorte d’urgence ? Pourquoi n’avait-elle pas appelé ? À partir de ce moment, Strange entre en scène comme une sorte de poltergeist malveillant, laissant les bains déborder et allumer le gaz.

De nos commanditaires

La maison à l’étage traite explicitement de la psychose post-partum; Salope de nuit, d’autre part, adopte une approche plus abstraite, centrant une âme créative différente connue uniquement sous son nom titulaire. Artiste plasticienne à bout de nerfs, elle passe de longues journées à essayer « de garder [her two-year-old] vivant – c’était le seul geste artistique qu’elle pouvait rassembler », et les descriptions de Yoder de cette monotonie sont évocatrices et extrêmement pertinentes. (Un de ces passages dit : « Pour le dîner, elle a préparé le repas qu’elle avait prévu – du pain à la dinde rempli de légumes râpés, de pommes de terre rôties et d’une salade verte – et même si la semaine précédente, le garçon avait aimé toutes ces choses, il a refusé de les manger cette nuit-là, en criant, Macaroni, macaroni !, jusqu’à ce qu’elle cède et lui fasse des macaronis au fromage et aux pois. Il a mangé deux bouchées de chacun, puis a jeté le reste sur le sol. ») Et Nightbitch, comme Megan, a également a une figure d’écrivain maternelle qui occupe une place importante : Wanda White, la mystérieuse auteure de Un guide de terrain pour les femmes magiques : une ethnographie mythique, que Nightbitch utilise comme une sorte de manuel pour comprendre ce qui lui arrive.

Et que lui arrive-t-il ? Nightbitch commence à remarquer la présence d’une bosse remplie de poils sur son coccyx, une croissance accrue des poils sur tout son corps et un goût insatiable pour la viande crue. La transformation en animal est un thème familier dans les contes de fées et les films d’horreur, et les lecteurs peuvent raisonnablement en déduire que les changements physiques de Nightbitch sont en fait des manifestations d’une psychose post-partum tardive.

La psychose post-partum est une maladie rare et soudaine qui survient chez environ 0,1 à 0,2 pour cent des femmes peu de temps après l’accouchement et peut inclure des symptômes tels que des hallucinations, de la paranoïa et de l’hyperactivité. C’est très différent de la dépression post-partum vécue par environ 15% des personnes qui ont accouché – et la dépression post-partum, à son tour, est différente des changements hormonaux communément appelés « baby blues » qui affectent la majorité des femmes qui accouchent. dans les jours qui suivent. Ce que la dépression post-partum et la psychose post-partum ont en commun, c’est que les deux sont souvent mal comprises et étouffées, mais des livres comme La maison à l’étage et Salope de nuit témoignent d’une volonté croissante d’explorer ces conditions en les mettant au premier plan.

Les femmes dans ces livres n’ont pas l’avantage d’une telle volonté, cependant. Leurs maris absents ne s’intéressent pas aux luttes de leurs partenaires et leurs familles comprennent mal le fardeau mental et physique de la maternité. Les signes de psychose post-partum de Megan commencent dans la maternité lorsqu’elle commence à voir et à entendre des choses qui n’y sont pas, et sa famille s’empresse de les rejeter. « Concentrez-vous simplement sur le bébé », disent-ils – un message qu’ils contredisent plus tard en disant à Megan qu’elle doit en fait se concentrer sur elle-même, et une préfiguration des conseils psychologiques qu’elle recevra plus tard dans un autre service de ce même hôpital. Nightbitch, quant à elle, fantasme sur combien ce serait plus facile si elle abandonnait ses ambitions artistiques et se concentrait plutôt sur le fait d’être une mère en renonçant complètement à son humanité : « Les chiens n’ont pas besoin de travailler. Les chiens ne se soucient pas de l’art. Pourquoi cela ne lui était-il jamais venu à l’esprit auparavant ? » Elle est capable d’abandonner la version d’elle-même qui veut avoir une identité en dehors de son enfant, la version qui lutte avec la façon dont la société pourrait la voir – « une dame privilégiée et suréduquée au milieu de l’Amérique vivant le rêve de tenir son bébé vingt-quatre heures sur vingt-quatre » — si elle osait se plaindre. Megan, quant à elle, trouve que la présence de Brown et Strange la dérange d’autant moins qu’elle écrit.

Les représentations de la psychose post-partum dans La maison à l’étage et Salope de nuit pourraient sensationnaliser la condition à des fins de narration, mais ils ne diabolisent pas les femmes qui la subissent ; au lieu de cela, ils mettent en évidence la solitude et le stress auto-entretenus causés par la maladie, et la peur de son apparence pour leurs partenaires et les autres. Salope de nuitLe narrateur soupçonne même que le groupe de mères du quartier / MLM de colportage d’herbes est en fait un groupe d’autres métamorphes canins qui pourraient comprendre sa propre transformation. Yoder utilise les langages du bien-être, de l’autonomisation des femmes et du féminisme d’entreprise pour illustrer comment Nightbitch perçoit ses propres défauts en tant que mère : si elle était plus présente, éliminait les distractions et avait « une certaine confiance en soi ». Croyez[d] en elle-même. [Made] le temps », alors elle aussi pourrait être une supermaman.

Les deux livres, bien sûr, sont imprégnés de la peur que la psychose post-partum mette en danger les enfants de leurs protagonistes. Megan laisse son bébé seul, croyant que Brown surveille; Le comportement de Nightbitch repousse les limites de la maltraitance et de l’abandon des enfants, bien que son fils se délecte du «jeu de chien» qui l’oblige à manger de la viande crue et à dormir dans un chenil sans surveillance pendant que sa mère se transforme. Les réactions inexistantes des partenaires des femmes, quant à elles, soulignent le secret isolant de leurs conditions. « Pendant qu’il était à la maison, il ne s’est rien passé. Il ne s’est rien passé de notable. C’est-à-dire qu’il n’a rien remarqué », écrit Fine à propos de la vie familiale de Megan. Et bien que Nightbitch laisse d’abord des allusions à son croisement primordial à son mari inconscient, son étreinte croissante la pousse à l’insouciance. « Et si je ne faisais rien ? elle se demandait. Et si j’arrêtais juste ? Le remarquerait-il ? Ferait-il quelque chose ? Jusqu’à présent, ses conclusions étaient non et non », écrit Yoder. Les deux romans parlent du secret entourant la psychose post-partum et, en effet, la grossesse, l’accouchement et les conditions post-partum plus généralement. (« C’est peut-être ce qui est arrivé à toutes les mamans et personne ne lui avait dit, tout comme elle ne savait pas que ses pieds s’élargiraient et s’étendraient après la naissance de son fils et que ses cheveux sortiraient par poignée sous la douche », écrit Yoder.)

La maison à l’étage et Salope de nuit J’ai aussi quelque chose à dire sur la conception de la maternité comme le rôle « naturel » d’une femme – un rôle si important qu’il signifie sacrifier la santé mentale et renoncer à tous les autres intérêts et créativité. Depuis près d’un an, j’ai dit à une amie maman qui a souffert de dépression post-partum de lire La maison à l’étage, mais elle n’a pas pu trouver le temps de le faire. Faut-il s’étonner que sur les deux livres discutés ici, celui qui traite plus lourdement de l’irréalité est celui dans lequel la protagoniste est capable de concilier sa maternité avec son art ? En utilisant les concepts exacerbés d’un auteur célèbre mort depuis longtemps vivant dans une « maison à l’étage » inexistante et d’une mère qui se transforme en chien, Fine et Yoder travaillent aux côtés de leurs protagonistes pour rendre les conditions du post-partum plus compréhensibles sans diluer leur pouvoir désorientant et révélateur.

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par Beatriz Valero d’Urquia

28 juin 2021

La marque Victoria’s Secret s’est construite sur l’hypersexualisation du corps des femmes et la glorification des troubles de l’alimentation.

Crédit photo : Amina Filkins/Pexels

La principale loi protégeant les enfants de la publicité est la loi de 1998 sur la protection de la vie privée des enfants, ou COPPA. Il est appliqué par la Federal Trade Commission (FTC) et a pour objectif de permettre aux parents de contrôler les données personnelles collectées auprès des enfants de moins de 13 ans. Il impose plusieurs exigences aux opérateurs de sites Web ou de services en ligne destinés aux enfants de ce groupe d’âge, et aux opérateurs d’autres sites Web et programmes ou applications qui collectent et partagent des informations personnelles à la maison ou à l’école. Les spécialistes du marketing ne peuvent pas légalement cibler les jeunes de moins de 13 ans avec de la publicité sans l’autorisation parentale. Les informations personnelles peuvent être le nom ou le pseudonyme d’un enfant, son e-mail, son numéro de téléphone, sa géolocalisation, sa photo, son enregistrement vocal ou tout autre identifiant unique.

Le service de réseau social de partage de vidéos TikTok, tout comme McDonald’s, est un collecteur flagrant de données sur les enfants. Deux groupes de défense se sont plaints à la FTC du flux sans fin de blagues, de danses, de recettes et de « défis » de TikTok. La campagne basée à Boston pour une enfance libre commerciale (ccFc) et le Center for Digital Democracy qualifient le modèle commercial de l’application populaire de « l’un des plus prédateurs ». En 2019, la société mère de TikTok, ByteDance, a payé une amende de 5,7 millions de dollars, et la FTC lui a interdit de collecter et d’utiliser des données d’enfants de moins de 13 ans. Elle a également accepté de détruire les données déjà collectées.

Les avocats de l’Institut pour la représentation publique de Georgetown Law ont découvert que TikTok violait le règlement, récupérant des données sans autorisation parentale. Le directeur du CCFC, Josh Golin, a déclaré au New York Times que cette pratique de marketing expose des millions d’enfants mineurs à un risque de prédation sexuelle. Les groupes ont donc déposé une autre plainte, soutenue par 20 principales organisations de défense des droits, décrivant les violations continues de la vie privée des enfants par TikTok. Il n’avait pas supprimé les données personnelles des enfants de moins de 13 ans, une violation flagrante du règlement. La société affirme qu’elle n’a pas besoin d’autorisation parentale, car les comptes TikTok «ordinaires» sont destinés aux utilisateurs de 13 ans et plus. Les enfants de moins de 13 ans, selon TikTok, ne peuvent s’inscrire qu’à des comptes « utilisateurs plus jeunes », avec des fonctionnalités limitées ; ils ne peuvent pas télécharger de vidéos ou envoyer de messages à d’autres utilisateurs, deux éléments essentiels de l’application.

L’enquête a révélé que la nouvelle politique de confidentialité et la politique consistant à autoriser uniquement les enfants de moins de 13 ans à accéder aux nouveaux comptes « utilisateurs plus jeunes » manquaient de mordant. Les enfants peuvent contourner les fonctionnalités limitées de la version « jeune » de l’application et peuvent mentir sur leur âge, et même si les enfants utilisent les comptes « utilisateur plus jeune », TikTok a de toute façon violé la loi avec son flux vidéo organisé par algorithme. L’entreprise recueille des données sur quoi et combien de temps les enfants regardent pour trouver des moyens de les faire interagir plus longtemps. TikTok est si riche qu’une amende de 5,7 millions de dollars est incluse dans le coût de ses activités. La plainte de la FTC appelle à tenir les dirigeants de TikTok pour responsables et à imposer les pénalités maximales de 41 484 $ par violation, et jusqu’à ce que TikTok puisse adopter une politique efficace de vérification de l’âge et être conforme à la COPPA, les groupes de défense des enfants demandent instamment à la FTC nouveaux utilisateurs aux États-Unis.

De nos commanditaires

En 2020, le président Donald Trump a signé un décret qualifiant TikTok de menace pour la sécurité en raison des liens de ByteDance avec la Chine. Un juge fédéral s’est prononcé contre une interdiction gouvernementale des opérations de TikTok aux États-Unis, mais au début de 2021, un litige était toujours en cours et ByteDance poursuivait un accord avec les sociétés américaines Oracle et Walmart qui pourraient contourner la tentative d’interdiction du gouvernement. En 2019, la filiale de Google, YouTube, a accepté de payer 170 millions de dollars pour violation de la COPPA, la plus grande réclamation que la FTC ait obtenue depuis l’adoption de la loi en 1998. YouTube n’avait pas divulgué que certaines parties de sa plate-forme étaient destinées aux enfants de moins de 13 ans. YouTube a ensuite collecté des données personnelles sans autorisation parentale, à l’aide de cookies. Le procureur général de New York, Letitia James, a déclaré: «Ces entreprises mettent les enfants en danger et ont abusé de leur pouvoir, c’est pourquoi nous imposons des réformes majeures à leurs pratiques et leur faisons payer l’un des plus gros règlements pour une question de confidentialité de l’histoire des États-Unis. Google et YouTube doivent créer et mettre en œuvre un système permettant aux propriétaires de chaînes d’identifier le contenu destiné aux enfants sur YouTube.

Avec le Règlement général européen sur la protection des données (RGPD), entré en vigueur en 2018, de plus en plus de personnes prennent conscience de la nécessité de protéger les données des mineurs. Le RGPD appelle à des protections spéciales pour les enfants de moins de 16 ans, par rapport à l’âge de 13 ans de la COPPA, comme l’adoption de mesures pour vérifier l’âge d’un enfant et la gestion du consentement. Bien que les protections légales et réglementaires n’aient pas suivi le rythme des méthodes technologiques utilisées pour cibler et exposer les enfants à la persuasion des entreprises, cela pourrait changer. Malgré davantage de protections, l’objectif des sociétés multinationales sera toujours d’inciter les enfants à devenir des consommateurs avant qu’ils n’apprennent ce que signifie être des citoyens informés et engagés. Adam Jasinski, directeur technologique d’un district scolaire situé à l’extérieur de St. Louis, Missouri, effectuait des recherches par mot-clé dans les comptes de messagerie officiels des écoles pour les 2 600 élèves du district, à la recherche de mots comme « suicide » ou « marijuana ».

En 2018, il a appris que la société de technologie Bark offrait aux écoles un logiciel de surveillance automatisé gratuit à la suite de la fusillade dans une école de Parkland, en Floride, en 2018, au cours de laquelle 17 personnes ont été tuées. Le logiciel analyse les e-mails de l’école, les documents partagés et les messages de discussion, et alerte les responsables de l’école chaque fois que des phrases clés sont trouvées. Les partisans prétendent qu’une telle surveillance soulage les autres étudiants du fardeau de rendre compte de leurs camarades de classe et permet aux administrateurs de réagir en temps quasi réel. Les autorités sont à la recherche de menaces de cyberintimidation, d’automutilation et de tirs. C’est rentable et en alerte 24h/24. Tout compte fait, l’industrie de la surveillance scolaire est une industrie de 3 milliards de dollars par an. Un logiciel de reconnaissance faciale dans les écoles est utilisé pour éviter les fusillades de masse. En 2020, la New York Civil Liberties Union a poursuivi le département de l’éducation de l’État de New York pour son système de reconnaissance faciale de 1,4 million de dollars.

Je n’ai rien à cacher par Heidi Boghosian (Crédit photo : Beacon Press)

Le district scolaire de Lockport a été l’une des premières écoles publiques du pays à utiliser la technologie sur les élèves et le personnel. Des alertes apparaissent dans leur système lorsque des membres du personnel suspendus, des délinquants sexuels de niveau 2 ou 3 (à risque modéré ou élevé de récidive), des personnes exclues par ordonnance du tribunal de la propriété de l’école ou d’autres personnes considérées comme une menace sont vues sur le campus. Les groupes de défense tentent de faire pencher la balance afin de ralentir la collecte de données d’entreprise. La tâche est de taille. Des groupes ont demandé au congrès d’adopter de plus grandes protections de la vie privée des enfants. Fin 2019, l’Electronic Privacy Information Center (EPIC) basé à DC a exhorté la FTC à rejeter une « exception officielle de l’école », qui permettait aux écoles de partager des informations avec des parents bénévoles, des entreprises technologiques ou d’autres fournisseurs à des fins éducatives dirigées par l’école. .

Il a appelé la FTC à définir le terme « objectif commercial » et à garantir que les données personnelles des enfants collectées par les écoles ne soient pas transférées à des sociétés EdTech qui fournissent du matériel et des logiciels pour améliorer l’apprentissage dirigé par les enseignants dans les salles de classe. EPIC a également exhorté la FTC à exiger une notification dans les 48 heures d’une violation de données par une entreprise soumise à la COPPA. Un groupe bipartite de sénateurs a appelé la FTC à lancer une enquête sur les pratiques de données des enfants dans les secteurs de l’EdTech et de la publicité numérique. Ils ont écrit : « La FTC devrait utiliser ses pouvoirs d’enquête pour mieux comprendre les entités commerciales qui font de la publicité en ligne pour les enfants, en particulier comment ces entités commerciales modifient leurs stratégies marketing en réponse à la pandémie de coronavirus et à l’augmentation du temps d’écran chez les enfants. »

La façon dont la société traite ses membres les plus sensibles est révélatrice. Plutôt que de susciter la curiosité des enfants sur les problèmes sociaux, les entreprises préféreraient que les enfants centrent leur monde sur les derniers jouets, vêtements et malbouffe. La surveillance des habitudes de jeu des mineurs et la collecte de leurs informations personnelles font plus que façonner leurs futures habitudes de consommation en tant qu’adultes, elles permettent la normalisation d’une société de surveillance. L’espionnage d’entreprise exploite nos premières envies innées d’excitation et d’interaction afin d’extraire des informations privées et conditionne les mineurs à accepter la surveillance. Le modèle commercial est lucratif et, comme les sanctions manquent de mordant, de nombreuses entreprises technologiques inscrivent des règlements judiciaires en tant que coût des affaires. Les techniques de marketing agressives et trompeuses de KidTech en disent long sur les priorités sociétales. Lorsqu’il s’agit de protéger les droits des jeunes, les États-Unis, comme un joueur de football enclin aux fautes, sont un candidat de choix pour un carton rouge.

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par Noa Azulai

16 juillet 2021

Il n’y a pas d’histoire de Cendrillon sans sa fée marraine.

Anjana Vasan comme Amina dans Nous sommes des pièces de dame (Crédit photo : Saima Khalid/Avec l’aimable autorisation de Peacock)

Emballées dans une VW Golf, les membres du groupe entièrement musulman et entièrement féminin Lady Parts abandonnent leurs grognements punk habituels pour un groupe chantant « I’m Gonna Be (500 Miles) » des Proclaimers. Il commence négligemment ; la guitariste Saira (Sarah Kameela Impey) ne chante même pas au début. Mais plus ils se rapprochent du refrain, plus ils se rapprochent de l’euphorie de pure joie, jusqu’à ce qu’ils se crient les paroles à la face. Ici, alors qu’ils étaient en train de dénicher Amina (Anjana Vasan), la future guitariste du groupe, j’ai ressenti un frisson similaire. Regarder un groupe de femmes musulmanes dans un espace autonome être elles-mêmes joyeusement, sans vergogne – pas de porno traumatique, pas de sauveurs blancs – est quelque chose que je n’avais tout simplement jamais vécu avant de regarder Nida Manzoor Nous sommes des pièces de dame.

Regarder à l’écran des représentations de femmes musulmanes signifie presque toujours voir les stéréotypes et les hypothèses de la société se refléter sur moi à travers deux lentilles différentes. Le premier est l’orientalisme, célèbre défini par le professeur de littérature Edward Saïd, par lequel l’Occident « autre » la culture orientale. Le second est le féminisme blanc, qui caractérise les femmes musulmanes comme piégées par leur foi. Nous en avons vu les résultats dans les représentations de femmes musulmanes qui sont « libérées » en supprimant les symboles de leur foi (voir Netflix Élite) ou déployé dans un complot terroriste (en vous regardant, BBC Garde du corps). Le mal et la conséquence de voir les femmes musulmanes à travers le regard orientaliste occidental réside dans sa capacité à renforcer les stéréotypes à leur sujet. Nous sommes des pièces de dame remet cela en question. La sitcom britannique en six parties de Manzoor, maintenant diffusée sur Peacock, est centrée sur des femmes musulmanes qui non seulement incarnent l’intersectionnalité, mais l’embrassent. Son personnage central est Amina, une doctorante qui cherche un mari et trouve à la place une boucherie halal dans laquelle un groupe punk organise des auditions pour un guitariste principal.

Son introduction à Saira, à la batteuse Ayesha (Juliette Motamed), au bassiste Bisma (Faith Omole) et au manager du groupe Momtaz (Lucie Shorthouse) est également la nôtre, et à travers eux Manzoor aborde la question de savoir si ces femmes peuvent un jour être épanouies en poursuivant leurs désirs et avoir une relation riche avec leur foi. Combien de fois avons-nous vu un personnage comme Bisma, par exemple, une femme noire musulmane qui est une épouse, une mère et la bassiste d’un groupe punk ? Combien de fois nous a-t-on montré une femme mariée de quelque confession que ce soit qui consacre autant de temps à son art qu’à son partenaire ? Manzoor met l’accent sur cette intersectionnalité dans tous ses personnages : Amina peut être une femme brillante et ambitieuse dans STEM et déchirer un solo de guitare monstre ; Momtaz peut être une manager de groupe travailleuse et prospère et exprimer pleinement sa modestie à travers le niqab. Scène après scène, Dame Pièces nous rappelle que l’épanouissement est différent pour chacun. Le spectacle atteint cette vision nuancée en trouvant ses personnages au sein de leurs propres communautés, contrairement aux récits qui les placent dans une mer de camarades blancs.

Manzoor renverse le stéréotype du musulman solitaire : si un personnage musulman vit en Occident, pourquoi ne graviterait-il pas naturellement vers les personnes qui le comprennent le mieux ? Tout en préparant l’émission au Royaume-Uni, Manzoor montre aux téléspectateurs que la réalité d’être une personne du BIPOC dans une société à prédominance blanche est que vous n’êtes pas un gage dans votre propre vie, vous êtes un gage aux yeux des autres. Les chances, par exemple, que les clients Uber d’Ayesha soient blancs ou que les organisateurs de concerts soient surpris par le niqab de Momtaz sont très élevées. Les chances que les personnages recherchent intentionnellement des espaces à prédominance blanche sont minces, voire nulles. Nous sommes des pièces de dame n’est pas la première incursion de Manzoor dans le monde de la télévision. Auparavant, elle a écrit des épisodes pour le CBBC’s J’ai dit et Jamillah et Aladin; plus récemment, elle a réalisé des épisodes de la BBC Entrerprix et Docteur Who. Comédien dans l’âme, Manzoor voulait Nous sommes des pièces de dame faire de la place dans le paysage de la culture pop pour des histoires sur les femmes musulmanes sans le spectacle de la souffrance.

« J’ai senti que les femmes musulmanes – les femmes brunes et noires – ont souvent été montrées sous un jour assez sérieux, ou juste quelque chose de très solennel, en particulier avec les femmes musulmanes et la façon dont elles sont présentées comme opprimées et victimes », a-t-elle déclaré. Espion numérique. « Mon expérience et celle de mes amis est celle de la joie, du plaisir et de la sottise. Je voulais juste vraiment y apporter ça. C’est cette joie parsemée partout qui permet aux musulmans comme moi de ressentir la magie de la vraie représentation. C’est regarder le groupe jouer dans la voiture ou courir dans un champ ; c’est voir Amina se rêver dans un film en noir et blanc d’elle aux côtés de son béguin, Ahsan (Zaqi Ismail). Ces moments ne font pas disparaître la menace de l’islamophobie. Il apparaît toujours de manières grandes et petites : harcèlement verbal lors d’un concert de pub inattendu ; vitriol en ligne en réponse à un profil mal interprété du groupe écrit par une femme musulmane opportuniste. Mais Manzoor écrit des scènes comme des défis que le groupe peut surmonter, plutôt que des défis qui deviennent leur identité. En laissant de la place à ses personnages pour surmonter leur marginalisation, Manzoor leur permet de se déplacer à travers les points de l’intrigue sans se laisser entraîner dans les détails de Pourquoi ils sont musulmans.

La suppression des explications permet également à ses personnages d’embrasser plus facilement leur foi. Nos membres de la distribution n’essaient pas de se rebeller contre leur identité, mais sont plutôt entourés de personnes qui la reflètent. Au-delà de Lady Parts, les amis universitaires, la famille et l’intérêt amoureux d’Amina sont tous musulmans; elle est même bénévole pour une activité de financement d’une mosquée locale. En revanche, nous avons Saira – apparemment chassée de chez elle et pleurant la perte de sa sœur – qui n’a pas l’unité de soutien que nous voyons dans la vie familiale d’Amina ou dans la relation d’Ayesha avec son frère. Elle n’a pas beaucoup d’amis en dehors du groupe et a du mal à maintenir une relation amoureuse avec son petit ami, Abdullah (David Avery). Mais bien qu’elle se sente comme une étrangère, Saira reste en communauté avec sa foi musulmane, saluant ses aînés avec Salaam et se tournant vers la prière pendant les périodes difficiles. La culture pop a tendance à dépeindre les adeptes d’une religion comme un monolithe, mais Manzoor donne de la profondeur à ses personnages via des passe-temps, des émotions, des intérêts et des problèmes au-delà de leur foi.

De nos commanditaires

Alors qu’Amina se déplace avec anxiété dans les tâches de la courtoisie halal, par exemple, il est immédiatement évident que lui trouver un mari n’est pas vraiment une préoccupation pour ses parents ; sa mère précise qu’il n’y a pas de précipitation et qu’elle a tout le temps de rencontrer quelqu’un qu’elle aime vraiment. Bien que ces rappels soient frustrants pour Amina elle-même, il est important de noter ce que Manzoor incite les téléspectateurs à se souvenir : même lorsqu’ils sont taillés dans le même tissu, nés du même sang, il n’y a pas deux musulmans identiques. Les scènes de famille jouent souvent comme un soulagement comique (la phrase « Qui épouse un djihadiste ? » me fait toujours craquer), mais il est extrêmement rafraîchissant de voir une représentation encourageant des parents musulmans qui ne sont pas eux-mêmes tendus sur le plan religieux mais qui s’efforcent de soutenir leur enfant dans quelle que soit la manière dont elle a besoin. Mais cela ne veut pas dire qu’Amina ne subit pas de pression pour se conformer. Noor (Aiysha Hart), la meilleure amie d’Amina et la reine des abeilles de leur groupe d’amis universitaires, personnifie un stéréotype « musulman moderne » dans une émission que de nombreux téléspectateurs ont saluée comme étant sans stéréotype. Vêtus de pastels tendres et enclins à crier à l’évocation du mariage, leur jugement propulse Amina vers une double vie.

Elle et les autres femmes savent comment Noor les traitera si elles ne répondent pas à ses attentes, et en effet, quand Noor découvre Lady Parts, elle ne la soutient pas et la rabaisse. C’est le jugement de ses amis, plutôt que celui de ses parents ou de sa religion, qui fait croire à Amina qu’elle doit choisir entre sa foi et le groupe, plutôt que de pouvoir les accepter toutes les deux comme faisant partie intégrante de sa vie. Mais Noor vit aussi sa vérité. Chacun de ses rituels et routines quotidiens est lié à sa foi, qu’il s’agisse de suggérer à Amina des applications de rencontres adaptées aux musulmans ou de s’assurer que les femmes et les hommes sont séparés lors de sa fête de fiançailles. Ses intentions sont bonnes : elle vise à être à la hauteur d’un idéal de perfection islamique et souhaite la même chose pour ses amis. Elle trouve la sécurité dans la similitude et veut être un bon modèle pour ses amis, pour les protéger des stéréotypes néfastes qui empoisonnent déjà l’existence des femmes musulmanes. Le problème avec Noor n’est pas sa foi mais son jugement, et la tension dans sa relation avec Amina bouleverse les deux femmes. Ce qu’ils recherchent l’un de l’autre, c’est la compréhension et le pardon, quelque chose que Manzoor tisse de manière transparente dans l’intrigue.

Et bien que ce ne soit pas quelque chose que j’ai remarqué lors de ma première observation de Nous sommes des pièces de dame, le lien entre le pardon et l’islam est devenu frappant au cours de la seconde. Bien qu’ils ne soient en aucun cas directement attachés à leur foi, presque tous les personnages ont un moment où ils doivent essayer d’accorder le pardon à quelqu’un d’autre. La scène qui se démarque le plus est celle dans laquelle Momtaz rassemble Bisma et Ayesha dans un parking de voitures d’occasion afin que Saira puisse les rencontrer sur un « terrain neutre » et s’excuser auprès d’eux après s’être attaqués à eux et avoir effectivement rompu le groupe. Cela ne donne pas à l’émission l’impression d’être une série éducative sur les valeurs de l’islam, mais elle décrit des personnages musulmans qui pratiquent différemment les uns des autres ayant une valeur commune inhérente non seulement à leur propre foi, mais au concept de la foi en tant que ensemble. À maintes reprises, Amina s’oblige à choisir une chose plutôt qu’une autre – son amitié avec Noor plutôt que le groupe, un mari hypothétique plutôt que ses vraies passions, le confort sur un territoire inexploré – mais elle n’a jamais à compromettre sa foi.

Cédant au jugement de Noor et aux insultes viles des trolls en ligne, Amina finit par quitter le groupe, se minimisant dans son groupe d’amis, abandonnant la guitare et se rendant misérable. C’est lorsqu’elle se rend compte qu’aucune de ces actions ne la rend plus ou moins musulmane qu’elle comprend que le seul moyen pour elle de s’épanouir est d’être elle-même sans s’excuser. Bien qu’il n’y ait pas de plans officiels pour une deuxième saison de Nous sommes des pièces de dame, son succès a été largement positif. Le tag #weareladyparts sur TikTok a plus de 4 millions de vues, et les meilleures vidéos sont remplies de jeunes femmes musulmanes ravies d’être ravies de la représentation – c’est exactement pourquoi ce genre d’émissions est important. Mis à part les choix créatifs, vous n’avez pas de spectacle si vous ne pouvez pas servir votre public. Mais si nous avons la chance de voir une saison 2, j’adorerais voir Amina essayer de concilier son amour de la musique et son amitié avec Noor, découvrir si Saira parvient à revenir dans le cœur de sa mère, et voir L’histoire d’Amina et Ahsan continue. Manzoor a effectivement créé une avenue pour explorer les nuances de la foi et du féminisme ; les conflits dans lesquels elle s’est installée Dame Pièces—l’isolement, le jugement, l’anxiété—sont tous des aspects très réels de la féminité qui ne sont pas toujours discutés dans les communautés musulmanes. Mais des histoires comme celles-ci méritent d’être racontées, et j’espère que ce n’était que leur premier morceau sur un très long album très punk.

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par Yasmine Ameli

29 juin 2021

Elissa Washuta démontre le pouvoir inhérent de la narration.

(Crédit photo : Andrea Piacquadio/Pexels et vectortwins/Adobe Stock)

Vous avez probablement écouté beaucoup de podcasts au cours des 16 derniers mois, car vous étiez seul à la maison sans avoir la possibilité de planifier le week-end et le soir. Au cours de cette période, il y a également eu une vague de nouveaux podcasts depuis que l’enregistrement vidéo et audio est devenu la nouvelle norme pour les réunions. Probablement, écouter des podcasts est devenu une habitude et un passe-temps alors que vous vous adaptez aux nouveaux niveaux de la pandémie.

La liste suivante, espérons-le, aura quelque chose pour tout le monde lorsque vous reprendrez vos déplacements pour vous rendre au travail, voyager pour le plaisir et continuer les travaux ménagers omniprésents. Bonne écoute !

Juste rompre
{ Sam Blackwell et Sierra DeMulder }

Voulez-vous secrètement donner des conseils relationnels? Rejoignez Sam Blackwell et Sierra DeMulder alors qu’ils donnent des conseils sur les relations de toutes sortes, parlent d’eux-mêmes et de leurs propres relations, et rient, beaucoup. Après 10 ans d’amitié, ce couple a des choses à dire ! Cela dit, Sam et Sierra veulent que vous sachiez qu’ils ne sont pas des professionnels avec une quelconque expérience ou formation en psychologie, mais ils vont quand même vous donner des conseils. Ils répondent aux questions des auditeurs telles que « Comment savez-vous que vous êtes amoureux ? » et couvrir des sujets allant de l’homosexualité et du dévoilement à la famille à la masturbation et au traitement des beaux-parents autoritaires. Cette émission est comme une conversation avec des amis qui ont des histoires embarrassantes à votre sujet, beaucoup d’amour et des tonnes de jurons catégoriques.

De nos commanditaires

Des trucs que maman ne t’a jamais dit
{ iHeartRadio }

Dans ce podcast iHeartRadio, lancé en 2009, les animatrices actuelles Samantha McVey et Anney Reese parlent de tout et de tout féministe. Ce podcast vise à ressembler à votre frère aîné ou à vos meilleurs amis qui parlent de problèmes, de culture pop et de médias qui rendent les conversations légèrement inconfortables lorsque vous parlez avec des figures parentales. Comme les hôtes ont changé au fil du temps, les épisodes sont adaptés à leurs intérêts. Récemment, Des trucs que maman ne t’a jamais dit a enregistré des épisodes sur plusieurs Guerres des étoiles films, car ils font partie des films préférés d’Anney, mais ils parlent aussi du mythe de la virginité, pourquoi les créateurs de Black TikTok sont en grève et comment rompre avec un ami. Les invités, les opinions personnelles et les recherches alimentent les conversations sur ce podcast.

Toutes mes relations
{ Matika Wilbur, Desi Small-Rodriguez et Adrienne Keene }

Ce podcast consiste à explorer les relations, y compris celles à terre et les unes aux autres, tout en abordant des sujets qui affectent les peuples amérindiens d’aujourd’hui. Les deux premières saisons ont été co-organisées par Matika Wilbur et Adrienne Keene, mais Desi Small-Rodriguez est intervenu pour la troisième saison tandis que Keene est en pause. (Vous pouvez toujours retrouver Keene sur son blog Native Appropriations). Les conversations sur Toutes mes relations sont bruts et honnêtes, et les animateurs partagent des histoires d’hostilité, de racisme et de haine entre eux et avec le public, ainsi que des histoires d’amour, de communauté et de soutien. Et il couvre un large éventail de sujets, y compris l’identité Indiqueer, le vote, la mode autochtone et l’impact de COVID sur les Nord-Américains autochtones.

Féroce
{ Tribeca }

Si vous êtes fan de la série Bitch’s Adventures in Feministory et que vous aimez les livres pour enfants sur les femmes qui ont changé le monde, Fierce est fait pour vous. Dans chaque épisode, l’animatrice Jo PIazza parle d’une femme historique qui a ouvert la voie à d’autres et qui, dans de nombreux cas, a ajouté quelque chose au monde dont nous bénéficions aujourd’hui. Ce ne sont pas des noms en gras comme Jeanne d’Arc et Malala Yousafzui ; il s’agit du pirate du XIXe siècle Cheng I. Seo, de la programmeuse informatique pionnière Grace Hopper et de l’auteur de films hollywoodiens Dorothy Arzner.

Cher Hank et John
{ Complexe }

Lorsque vous avez vraiment besoin de rire, c’est votre podcast. Dans chaque épisode, VlogFrères, les YouTubers et les romanciers Hank et John Green offrent des « conseils douteux » en réponse aux questions des auditeurs, et ils suivent rarement une ligne droite. Les frères Green s’éloignent souvent du sujet et se lancent dans des discussions sur leurs propres expériences, et bien que leurs conseils ne soient pas toujours applicables, ils sont agréables à écouter, d’autant plus que les animateurs se moquent rapidement d’eux-mêmes. Si vous êtes un fan de John et Hank mais que vous souhaitez vivre une expérience de podcast un peu plus calme, consultez The Anthropocene Reviewed, dans lequel John évalue les choses sur une échelle de cinq étoiles.

Comment sauver une planète
{ vrille }

À l’été 2020, alors que la pandémie de COVID-19 faisait rage, le mouvement Black Lives Matter a atteint un tournant critique, et les États-Unis connaissaient des incendies de forêt sans précédent et d’autres événements liés au climat, la biologiste marine et écologiste Ayana Elizabeth Johnson, PhD, et Gimlet Le PDG des médias, Alex Blumberg, s’est associé pour ce podcast sur la crise climatique. Dans chaque épisode, les animateurs examinent les politiques, la science et l’activisme dans des domaines tels que le recyclage (est-ce de l’AB ?) et les effets des oléoducs sur les communautés autochtones. Chaque épisode propose des mesures concrètes que les auditeurs peuvent prendre, de l’achat de véhicules électriques d’occasion au démarrage de votre propre ferme de varech. Mieux encore, ces éléments d’action peuvent toujours être trouvés dans la description de l’épisode pour une référence facile.

The Root Presents : C’est allumé !
{ La racine }

L’accent est mis sur la littérature noire dans ce podcast axé sur le livre, avec les co-animatrices Danielle Burton et Maiysha Kai en conversation avec des auteurs comme Kiley Reid (2019’s Un âge si amusant), Brit Bennett (années 2020 La moitié qui s’évanouit), et Hanif Abdurraqib (années 2021 Le petit diable en Amérique : Notes sur l’éloge de la performance noire). Ils discutent de tous les livres, de la non-fiction et de la poésie aux livres pour enfants et de la façon dont la littérature noire a influencé chaque écrivain. Les co-hôtes et les invités parlent de leur amour pour les livres, de leurs expériences d’écriture, de politique et bien plus encore.

Mythologie
{ Réseau Parcast }

Mythologie se situe à la frontière entre la narration et l’histoire, selon à qui vous demandez quels mythes. Dans chaque épisode, l’animatrice Vanessa Richardson raconte l’histoire d’un mythe particulier – ou même d’un seul personnage mythique – tout en explorant les histoires souvent contradictoires de chacun, les communautés et les cultures dont il est originaire et son impact sur d’autres mythes. Mythologie divise les histoires en un à trois épisodes, selon la profondeur du matériel, et les épisodes incluent des mythes allant de Loki et Athena à La Llorna et Murile. Bien qu’il s’appuie fortement sur la mythologie romaine, grecque et nordique, les histoires d’Afrique du Sud, des îles polynésiennes et du Mexique offrent aux auditeurs des histoires qui peuvent être nouvelles pour eux.

Prenez Burton Reads
{ LeVar Burton et Stitcher }

Si vous vous souvenez avoir regardé Lecture de l’arc-en-ciel et mémoriser sa chanson thème comme un enfant, alors vous vous souviendrez probablement de la voix envoûtante de LeVar Burton. Cela fait probablement un moment que vous ne l’avez pas entendu parler, mais ce podcast est sur le point de changer tout cela. Dans des épisodes allant de 30 minutes à une heure, Burton lit des histoires courtes de Kurt Vonnegut, Toni Morrison, Ray Bradbury et Octavia Butler à ses auditeurs, ajoutant un arrière-plan et un contexte à la fois aux œuvres et à leurs auteurs. Sa voix est toujours aussi envoûtante.

L’amour moderne

{ Le New York Times }

Le New York Times dirige sa rubrique « Amour moderne » – des histoires réelles sur l’amour et les relations – depuis plus de 16 ans et l’a adaptée en plusieurs livres et une série Amazon Prime. Mais c’est ce podcast qui fait vraiment ressortir la résonance émotionnelle de la chronique. Les animateurs Daniel Jones et Miya Lee fouillent dans les archives de la rubrique pour raconter des histoires d’amour qui ont déjà été publiées. Bien que vous puissiez écouter sur Spotify, Apple Podcasts et Stitcher, le New York Times site Web comprend un court paragraphe écrit sur chaque épisode souvent accompagné de plusieurs photos des personnes dans l’histoire. Si vous êtes sceptique, chaque épisode ne dure que 20 à 30 minutes, alors essayez ce podcast !

Les deux princes
{ vrille }

Si vous êtes fan de fantasy et de drame, ce podcast est fait pour vous. Parce que Les deux princes est un podcast et non un livre audio, l’histoire prend vraiment vie lorsque différents acteurs de la voix lisent les parties des personnages. Il y a même des bruits de fond pour indiquer aux auditeurs quelle action se produit au fur et à mesure que le dialogue s’ensuit. Amir et Rupert, deux princes de royaumes en guerre qui nourrissent encore des rancunes contre des hommes morts depuis longtemps, se rencontrent alors que le prince Rupert tente de vaincre une malédiction de son royaume avant de monter sur le trône. Des dragons, des sorcières, de l’amour et bien plus encore s’enchaînent dans les 21 épisodes (jusqu’à présent) de ce drame podcast.

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par Isobel van Hagen

12 juillet 2021

Leur publicité genrée est apparemment créée pour assainir la violence qu’ils infligent aux Palestiniens.