Naomi Osaka dans Netflix‘s Naomi Osaka : Série Limitée (Crédit photo : Netflix)

« Nous avons tous des forces différentes », déclare la championne du Grand Chelem Naomi Osaka dans les nouvelles docuseries éponymes de Netflix sur sa vie. « Avant, je m’appelais un contre-perforateur, mais je pense que je suis vraiment un joueur de base agressif. Un contre-perforateur est quelqu’un qui peut prendre les coups et qui attend ensuite l’occasion de le finir. Un joueur de base agressif est quelqu’un qui dicte ce genre de choses. Depuis qu’elle a battu Serena Williams à l’US Open 2018, Osaka est sur une voie rapide, devenant la première joueuse de tennis asiatique classée numéro un au monde. Alors que beaucoup sont conscients du succès professionnel d’Osaka, la série Netflix invite les téléspectateurs dans la vie personnelle du pro du tennis. Si le contre-coup de poing est un joueur défensif averse au risque, le joueur de base agressif contrôle le jeu. La série de trois épisodes montre Osaka en train de passer à l’offensive et de prendre le contrôle de sa vie, à la fois sur et en dehors du terrain. « J’ai toujours suivi les gens…. J’ai l’impression de ne pas avoir vraiment vu une voie ou un chemin que j’aime et j’étais à l’arrêt. Ensuite, j’ai découvert que vous devez faire votre propre chemin.

Le réalisateur nominé aux Oscars Garrett Bradley se concentre sur l’impact du parcours d’Osaka sur sa santé mentale. Pour le phénomène du tennis de 23 ans, posséder son chemin a signifié établir des limites qui ne sont pas toujours bien accueillies, y compris récemment refuser de participer aux interviews d’après-match – une décision s’est soldée par une amende de 15 000 $ et un retrait final du Internationaux de France 2021. Le 27 mai, Osaka a expliqué sa décision en tweetant : « J’ai souvent l’impression que les gens n’ont aucune considération pour la santé mentale des athlètes et cela sonne très vrai chaque fois que je vois une conférence de presse ou que j’y participe. J’ai regardé de nombreux clips d’athlètes en panne après une défaite dans la salle de presse. Je crois que toute la situation donne des coups de pied à une personne alors qu’elle est à terre et je ne comprends pas le raisonnement qui la sous-tend. La série passe derrière le rideau pour explorer comment les projecteurs impitoyables, la pression des fans en adoration, les critiques accablantes des journalistes sportifs et des personnes sur les réseaux sociaux, et même le monologue intérieur de l’athlète peuvent, au fil du temps, les briser.

Les pressions auxquelles Osaka fait face vont bien plus loin que le poids d’être une célébrité. Les docuseries de Bradley révèlent le monde qui a créé Osaka et a contribué à en faire un nom familier. Ce faisant, il révèle également la déconnexion entre l’athlète et son public. Il n’y a rien de nouveau à propos de cette déconnexion: dans le drame historique de Ridley Scott Gladiateur (2000), Maximus Decimus Meridius (Russell Crowe) est démis de ses fonctions de général romain, emprisonné et contraint de se battre pour sa vie devant un public massif dans un colisée. La raison de cette condamnation à mort tordue ? L’empereur se sent menacé par l’existence de Maximus. Mais lorsque Maxiumus survit à l’arène contre toute attente, il n’interroge pas initialement le gardien de prison, le maître de piste du Colisée ou même l’empereur. Au lieu de cela, il se tourne vers la foule et crie de manière emblématique : « Vous n’êtes pas diverti ? » À ce moment-là, Maximus tient ses spectateurs pour responsables d’avoir traité sa bataille à mort comme une forme d’amusement. Le mépris distinct de la foule pour Maximus existe également dans notre culture sportive du monde réel.

Il y a des problèmes plus importants et plus personnels que les foules ne prennent pas en compte dans la performance d’un athlète : les athlètes, en particulier les athlètes noirs, continuent de témoigner de la violence contre les Noirs en Amérique. Les athlètes prennent position pour leur propre bien-être mental, comme on le voit avec Osaka et Simone Biles, une gymnaste d’élite qui s’est récemment retirée de la finale par équipe aux Jeux olympiques de Tokyo 2020 pour des raisons de santé mentale. « En fin de compte, nous ne sommes pas que du divertissement, nous sommes des humains », a déclaré Biles lors d’une récente conférence de presse. « Et il se passe des choses dans les coulisses que nous essayons également de jongler, en plus du sport. » Biles, qui a déclaré que le mouvement pour mettre fin à la violence policière contre les Noirs était « le début du changement », se joint à ses contemporains pour dénoncer la violence anti-Noirs aux États-Unis. Cette violence est la raison pour laquelle Colin Kaepernick s’est agenouillé, Gwen Berry s’est détournée du drapeau pendant l’hymne national et Osaka est entrée dans son premier match de l’US Open 2020 avec le nom de Breonna Taylor gravé sur son masque facial. Bien que Gladiateur est fictif, il représente avec précision ce que signifie divertir les masses au détriment de votre bien-être général.

De nos commanditaires

Il peut sembler exagéré de comparer les guerriers emprisonnés de l’Empire romain à l’industrie du tennis de plusieurs milliards de dollars, mais pour de nombreuses personnes dans les communautés à faible revenu, le sport peut constituer un moyen de sortir de la pauvreté. L’inégalité en matière d’éducation demeure un problème systémique permanent. Les effets de roulement de la redlining signifient que les personnes noires et brunes dans les communautés à faible revenu n’ont pas accès aux ressources nécessaires pour fournir une éducation de qualité. « C’était mon but de jouer au tennis, honnêtement », a déclaré Osaka dans les docuseries. « C’était soit devenir un champion, soit être probablement fauché. » Heureusement, elle est devenue championne. Ce n’est cependant pas le cas pour la plupart des gens, y compris l’homme dont le nom ornait le cinquième masque qu’elle portait à l’US Open : George Floyd. Floyd a joué dans plusieurs équipes au lycée Jack Yates de Houston, au Texas, espérant que le sport serait son ticket pour sortir de la pauvreté. Yates n’avait pas les ressources nécessaires pour fournir une éducation complète à ses enfants – seulement 21% des étudiants de Yates ont réussi les tests standardisés obligatoires, contre 54% des étudiants de l’État – donc avec peu d’espoir de réussite scolaire, Floyd était ravi faire des études universitaires en première année.

L’ami de Floyd et coéquipier au lycée, Vaughn Dickerson, a déclaré au Washington Post ce que cette réalisation signifiait. « Cela voulait dire que vous aviez le potentiel pour sortir du ghetto », a-t-il déclaré. « Cela voulait dire que vous aviez le potentiel d’obtenir une bourse de Division 1, non seulement cela, mais probablement d’atteindre les pros. » Lorsque les options sont limitées, le sport peut devenir un moyen de survie. Osaka comprend l’ampleur de ces circonstances et ce que la réussite signifie pour l’avenir d’une personne. Nous applaudissons souvent les compétences physiques nécessaires pour devenir un athlète champion – vitesse, agilité, force – mais nous ne considérons pas leur santé mentale ou les soins dont ces athlètes ont besoin pour performer au plus haut niveau. Cette dichotomie est un thème récurrent tout au long Naomi Osaka, en particulier après la mort subite de l’un de ses mentors, Kobe Bryant. Les docuseries capturent la réaction déchirante d’Osaka à sa mort. Les larmes aux yeux, elle dévoile sa peur : « Je suis censée continuer sa mentalité au tennis, et me voilà… Je n’ai pas gagné de Grand Chelem, genre, je perds des matchs parce que je suis mentalement faible. »

Nous demandons trop à nos athlètes sans tenir compte de leurs histoires. Ce mépris communique que leur seul rôle est de nous divertir, de gagner des championnats, de répondre à toutes nos questions, puis de rincer et de répéter. Et Osaka ressent ces attentes, à tel point qu’elle remet en question sa valeur en dehors du tennis. « Pendant si longtemps, j’ai lié le gain à ma valeur en tant que personne », partage-t-elle. « Que suis-je si je ne suis pas un bon joueur de tennis ? » Consommer facilement la culture, les réalisations et les contributions noires sans aborder les problèmes auxquels les communautés noires sont confrontées est un refus de voir l’humanité de nos concurrents. Mais ces athlètes ne laissent plus leur public décroché. «Je suis censé être comme, vous savez, une bonne personne silencieuse, ou quoi que ce soit, juste maintenir l’image. Je n’ai jamais eu la chance d’aller dans un endroit où se déroulait une manifestation. Osaka poursuit : « C’est différent d’être conscient et présent. » Plus les spectateurs traiteront les athlètes comme des figures bidimensionnelles se produisant pour notre divertissement, plus nous verrons des athlètes s’effondrer juste devant nous. On ne peut plus ignorer la personne. Bien qu’Osaka ait une voix douce, son message est fort et clair : elle n’est pas divertie.

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par Aaliyah Dasoo

16 juillet 2021

Pas de porno traumatisé, pas de sauveurs blancs.

Lupita affiche du film (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de lupitafilm.com)

Amanda Gokee est la boursière d’écriture 2021 de Bitch Media sur le féminisme mondial

Le 8 juillet 2021, les violences reprennent. Des milliers de femmes et d’enfants des hauts plateaux du Chiapas, au Mexique, ont été déplacés de leurs foyers à Esperanza et Acteal. Beaucoup se sont perdus et désorientés alors qu’ils fuyaient les groupes paramilitaires Narco qui avançaient dans la région alors qu’ils tentaient de prendre le contrôle de Pantelhó, une ville du Chiapas. Une semaine auparavant, le défenseur des terres indigène Simón Pedro Pérez López avait été abattu alors qu’il se rendait à un marché local avec son fils. Pérez López avait été le président de Las Abejas de Acteal, un groupe pacifiste autonome de Tzotzil Maya. Ce n’est pas la première fois que le groupe est pris dans le feu croisé de la violence qui se rassemble autour de leur communauté. En 1994, l’Armée zapatiste de libération nationale a déclenché un soulèvement contre le gouvernement mexicain pour tenter de reprendre les terres indigènes. En 1997, des paramilitaires sont entrés dans Acteal et ont tué 45 personnes. Guadalupe Vazquéz Luna, alias Lupita, était là ; à l’âge de 10 ans, elle a survécu au massacre qui a emporté son père, sa mère, ses sœurs, sa grand-mère et son oncle. Neuf membres de sa famille ont été tués ce jour-là. Et elle était là le 8 juillet, lorsque les paramilitaires Narco sont entrés à nouveau dans Acteal, déplaçant des milliers de personnes.

Las Abejas de Acteal s’est réuni en 1992, en utilisant des moyens non violents pour défendre la vie indigène contre exactement ce type de violence. Parmi les principes fondateurs du groupe figuraient les droits des femmes et l’égalité d’accès à la propriété foncière ; d’autres priorités comprenaient l’anti-néolibéralisme et l’affirmation de leur droit à la terre et aux ressources ancestrales. Lorsque le groupe a été fondé, il y avait environ 200 membres provenant de huit communautés. « Abejas » se traduit en anglais par « abeilles » – des pollinisateurs essentiels à nos écosystèmes, armés d’un aiguillon tranchant qu’ils n’emploient qu’en cas d’absolue nécessité, car cela signifie la mort des créatures elles-mêmes. La résistance non violente des Abejas de Acteal contraste avec celle de leurs voisins, les zapatistes, également un groupe autochtone autonome, mais qui a utilisé la violence dans sa lutte pour la terre et l’autonomie vis-à-vis du gouvernement mexicain. Son homonyme, Emiliano Zapata, est décédé en 1919, mais son héritage reste aussi reconnaissable que son sombrero à larges bords et sa moustache en guidon. C’est l’image de la rébellion et de la quête de liberté qui perdure depuis plus d’un siècle.

Mais les hommes ne sont pas les seuls à diriger la résistance indigène, un fait au centre du dernier documentaire de Monica Robles Wise, Lupita. Sorti en 2020, le documentaire suit la jeune femme rayonnante Tsotzil Maya et mère célibataire qui a survécu au massacre de 1997 et est depuis devenue porte-parole et leader de son peuple. « C’est une femme [who] peut raconter l’histoire de 500 ans de répression des peuples autochtones », raconte Robles Wise Chienne. Il y a quelque chose de puissant dans un nom qui porte la force d’un mouvement. Comme Zapata et Zapatismo, le titre du film – un nom unique et simple – ressemble à une affirmation : voici une femme emblématique qui est autant le visage et la voix de sa communauté que n’importe quel homme pourrait l’être. En espagnol, le « ita » est diminutif, une adresse qui évoque la tendresse et l’intimité, une expression de cariño. Et cela reflète le genre de leader qu’est Lupita : quelqu’un qui n’a pas peur de s’approcher. Le film de 20 minutes passe des scènes de Lupita parlant à un public de centaines de personnes aux Caracoles de Zapata à celles qui capturent sa vie à la maison, lui tressant les cheveux ou interrogeant son fils sur ses devoirs. Dans le combat, ces moments semblent dire qu’il y a aussi du soin, il y a aussi de la douceur. Face à la violence, c’est peut-être cette douceur qui est la plus durement gagnée.

Ce n’est un secret pour personne qu’au Mexique, le machisme imprègne la vie quotidienne : la fierté d’une masculinité puissante incite les hommes à ouvrir des portes aux femmes, mais le droit associé à l’idée que les hommes sont intrinsèquement supérieurs aux femmes est mortel, comme en témoigne l’épidémie de féminicide qui a ravagé le pays depuis des décennies. Les communautés autochtones qui proclament que leurs femmes sont au premier plan de leurs mouvements échouent souvent aussi. Robles Wise le décrit comme une hypocrisie entre ce qui est revendiqué et ce qui est pratiqué : les hommes détiennent toujours le pouvoir sur les femmes. « Cela se produit dans toutes les communautés autochtones dans lesquelles je travaille », déclare Robles Wise. « Les femmes dirigent la communauté, elles s’occupent de la famille, elles sont en quelque sorte sur un piédestal. Ils sont sur tous leurs logos, mais en fin de compte, ils n’ont pas le dernier mot. Elle a vu et filmé cette partie de l’histoire au cours des trois années qu’elle a passées avec Lupita à Acteal, mais cette séquence n’a pas été intégrée au montage final.

Compte tenu de la courte durée du film, Robles Wise a dû laisser de côté une partie de ce qu’elle avait appris de Lupita, comme la façon dont Lupita avait été expulsée de la communauté à un moment donné pour avoir exprimé son opinion trop ouvertement. Le film ne fait qu’y faire allusion : « Malgré nos avancées sur le chemin de la résistance », dit Lupita en voix off alors qu’elle roule à l’arrière d’un camion, « il a été très difficile pour une femme d’occuper ce poste dans l’organisation. . J’étais, je suis et je continuerai d’être exposé pour avoir dit ce que je pense, ce que je crois et ce que je sais. Je savais que ce serait comme ça depuis le début. Mais c’est un risque que j’ai pris. Cette ligne particulière est livrée en espagnol, mais Lupita parle également en tzotzil tout au long du film, parfois pour s’adresser aux foules qui viennent la voir parler, et parfois à la maison, parler avec sa famille.

En tant qu’Américain d’origine colombienne, Wise Robles sait ce que c’est que d’être entre deux mondes. « J’ai aussi grandi entre les cultures, sans jamais vraiment m’intégrer », dit-elle. Les histoires qu’elle raconte à travers ses films ont tendance à s’intéresser aux récits féministes, LGBTQ et autochtones. Elle a récemment réalisé et tourné un court métrage pour le Guardian sur les femmes mexicaines qui ont expulsé les cartels, et son projet actuel, Filles, est un documentaire sur les 15 filles qui ont survécu à un incendie dans un refuge géré par l’État et les abus de pouvoir qui s’y sont produits. Avec le soutien d’une bourse de l’International Women Media Foundation, Wise Robles a décidé de se rendre au Mexique, dans l’espoir de documenter Maria de Jesus Patricio Martinez, communément appelée Marichuy, la première femme autochtone à se présenter à la présidence du pays. Ce projet n’a pas pris, et lorsque Wise Robles a entendu Lupita parler lors d’une visite publique des Caracoles zapatistes, elle a su qu’elle avait trouvé son histoire. Mais dans Acteal, Wise Robles était clairement un outsider. Elle en était consciente lorsqu’elle a commencé à travailler sur le film en 2017 ; chaque année suivante, lorsque l’instance dirigeante locale changeait, elle devait gagner la confiance de ceux qui étaient nouveaux au pouvoir et ne la connaissaient pas encore. Elle a travaillé avec un cinéaste local, Eduardo « Lalo » Gutierrez, qui a tourné environ la moitié du film. Son amitié de longue date avec Lupita était la seule raison pour laquelle elle a accepté d’être filmée à la maison.

Wise Robles fonctionne souvent de cette façon, remettant les caméras à ceux dont elle raconte les histoires. L’idée, dit-elle, était de faire le film avec Lupita plutôt que sur elle – quelque chose qui n’était pas clair pour Lupita et sa communauté au début du projet. « Il s’agit des femmes et de la justice et de faire entendre nos voix », déclare Wise Robles. Elle dit également qu’il était important de raconter cette histoire à un public international, un objectif qu’elle a atteint. Le documentaire était une sélection officielle pour Ambulante 2020, Sheffield Doc/Fest et le Bermuda International Film Festival. Il a été présenté dans un programme de courts métrages de Doc NYC et Women’s Voices Now Film Collection l’a nommé meilleur film sur le changement social de 2020. Dans une interview avec Chienne, Wise Robles dit qu’un autre objectif du film était de faire en sorte que les gens se soucient davantage de ce que cette communauté autochtone a vécu. Dans un monde où l’histoire, les luttes, la résilience et la joie autochtones sont en grande partie effacées ou invisibles, c’est un objectif louable. Mais Wise Robles voulait aussi que Lupita se voie dans le film. Elle a décrit le moment où Lupita a regardé le film final pour la première fois. Une fois la diffusion terminée, Lupita s’est levée pour s’adresser à la foule et la première chose qu’elle leur a dite était Cela ne me représente pas— « Cela ne me représente pas. » « Je suis comme, putain de merde», se souvient Wise Robles. Mais Lupita reprit : car c’est l’histoire de tant d’autres survivants: « Parce que c’est l’histoire de tant d’autres survivants. »

Wise Robles note qu’avec l’avancée actuelle des paramilitaires de Narco dans la région, c’est devenu un no man’s land : 200 personnes ont tenté de se réfugier à Acteal, dont la population est normalement d’environ 40 personnes. ceci parce que je pense qu’ils veulent juste ce territoire », dit-elle. « Ça me rend tellement folle. » Le cinéaste relie ce qui se passe à Acteal à la consommation internationale de drogue qui a augmenté pendant la pandémie, ce qui a à son tour alimenté la tentative d’expansion des Narcos dans de nouveaux territoires. Le film se termine par une scène de Lupita parlant devant une foule de plusieurs centaines de personnes à Oventic, sa dernière apparition lors de la tournée 2017 de Zapatista Caracoles dans le cadre de la course présidentielle de Marichuy. « Nous ne voulons pas tomber dans le jeu du gouvernement qui essaie de nous faire taire. Nous voulons rendre cela visible. Aussi grand que nous pouvons le faire », dit-elle. En cela, il semble que la vision des deux femmes, cinéaste et militante, converge. « Ce n’est pas seulement Acteal maintenant, » dit Lupita à la foule, « c’est le monde entier. Acteal n’est même pas la maison de la communauté qui vit ici, mais une maison pour tout le monde. Un espace pour méditer, pour réfléchir à la réalité dans laquelle nous vivons.

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par Hélène Li

3 août 2021

Une nouvelle génération de gymnastes repense les attentes – et rejette les abus – que les précédentes ont endurées.

Émilie Prado, auteur de Funérailles de Flaca (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Future Tense Books)

Emilly Prado sait comment organiser un enterrement. Dans son premier recueil d’essais, Funérailles de Flaca, Prado, qui travaille également au clair de lune en tant que DJ talentueuse, crée un set qui va de son enfance dans la région de la baie et du Mexique à ses années d’université et à sa jeune féminité dans le nord-ouest du Pacifique. À travers tout cela, Prado retrace la disparition de la fille qu’elle était – « Flaca », qui se traduit par « fille maigre » en anglais. Funérailles de Flaca des essais précis, drôles et sincères racontent l’histoire d’une fille brune dans une banlieue blanche, d’une fille américaine au Mexique et d’une fille maigre qui ne se sent jamais assez maigre.

Comme une grande mixtape, les essais de Prado créent l’ambiance puis la transforment. Arrangée en morceaux et intitulée d’après des chansons qui ont façonné sa vie, Prado écrit avec simplicité et honnêteté, dans l’espoir de raconter une histoire qu’elle, à 13 ans, reconnaîtrait comme vraie. Lorsque la collection passe à l’âge adulte de Prado, dans des chapitres qui explorent les troubles de l’alimentation, la maladie mentale et les agressions sexuelles, les pièces se compliquent et s’approfondissent, trouvant un sillon dans les détails affinés. La collection évolue vers l’acceptation, mais ne s’y installe jamais. Répondant à une question d’un thérapeute sur la guérison et le pardon, Prado écrit : « Il n’y a peut-être rien que je déteste plus que de demander pardon. L’audace d’une demande d’absolution. Je ne suis pas prêtre. En fin de compte, la collection de Prado célèbre la beauté de l’auto-définition. Lorsqu’elle abandonne le fait d’être la fille maigre de son père ou de quelqu’un d’autre, les funérailles deviennent une fête. Après avoir lu le livre, assurez-vous de lancer la liste de lecture et d’en verser une pour les débuts magnifiques de Prado.

Vous invoquez votre moi de 13 ans dans l’introduction du livre. Que vous a dit votre jeune moi en écrivant ce livre ? Et comment était-ce d’honorer et d’explorer cette période de colère et de malaise de votre vie ?

Quand j’avais 12 ou 13 ans, ma sœur m’a offert un journal. C’est quand j’ai d’abord [began] écrit et trouvé l’écriture [to be] un endroit où je pourrais donner un sens au monde et ma place dans celui-ci. Dans l’intimité de mon journal, j’avais la liberté d’être aussi sauvage que je le voulais. Je pourrais dire exactement ce que je pensais. Après avoir lu [those diaries] encore quelques fois à l’âge adulte, il y a beaucoup de questions, de questions et d’incertitudes. Je vois beaucoup de similitudes en moi [now], quelquefois. Je travaille toujours à écouter mon intuition et à faire confiance à mon instinct.

Funérailles de Flaca était à l’origine un chapbook, alors quand j’ai su qu’il allait être développé et publié, j’ai été confronté à beaucoup d’anxiété à propos de [what it will] signifie que les gens le lisent. Et je me suis retrouvé à commencer à répondre un peu à cette voix de, À quoi cela ressemblera-t-il quand il sortira dans le monde ? Penser à ce que j’aurais voulu lire à cet âge m’a gardé attaché à ma vision du projet. [I wanted] la voix pour progresser avec le narrateur et [wanted] non seulement pour avoir un peu d’humour, mais aussi pour parler de choses avec lesquelles je me débattais.

Vous partagez des moments difficiles de votre vie. Vous racontez des secrets de famille. Qu’avez-vous ressenti de briser ce silence pendant que vous écriviez ? Comment vous sentez-vous à ce sujet maintenant?

Je n’ai pas nécessairement entrepris de découvrir des secrets, mais c’est juste arrivé lorsque j’ai commencé à me plonger dans des souvenirs. Une fois que je suis entré dans l’étape de la vérification des faits et que j’essayais de corroborer ce dont je me souvenais avec ma sœur ou ma mère, des éclaircissements se produisaient. [based] sur leurs souvenirs. Je suis attiré par les secrets en particulier en raison de la façon dont ils peuvent complètement façonner la vie, en particulier la vie des jeunes. Quand vous êtes jeune, vous vous tournez vers les gens qui vous entourent pour éclairer votre vision du monde. Alors, à quoi cela ressemble-t-il lorsque vous ne savez pas à quoi faire confiance, ou ce qui est réel, ou ce qui ne l’est pas ? Je voulais aussi écrire sur ce que c’était que de découvrir certains de ces secrets plus tard, d’avoir mes propres secrets, et ce que découvrir des secrets et avoir des secrets fait à la mémoire. C’est une chose à laquelle je pense beaucoup, en tant que mémorialiste : nous regardons dans le passé, et parfois il y a une pression pour le faire parfaitement, mais le sens de la mémoire de tout le monde change avec le temps.

C’est vraiment important pour moi de ne pas rester [silent] sur des choses, surtout quand je pense que les partager peut aider quelqu’un. J’ai été encouragé à continuer d’être hospitalisé pour un trouble bipolaire, mais le trouble bipolaire et d’autres problèmes de santé mentale sont héréditaires. Donc, si je souffre de cela, il y a des statistiques indiquant la probabilité que quelqu’un d’autre le soit aussi. Je ne pense pas que je devrais cacher cette partie de moi-même, et je ne veux pas céder à la honte, même si [bipolar disorder] peut être vraiment isolant et effrayant. Avec l’agression aussi : je l’ai inclus là-dedans parce que c’est quelque chose qui a vraiment affecté ma vie, et cela affecte la vie de beaucoup de gens. À travers les endroits où je peux explorer et réfléchir à ce à quoi ressemble la guérison, je suis capable de créer ce monde à mes conditions. Je récupère une partie de la propriété.

Comment avez-vous pris soin de vous pendant le processus d’écriture ? Avez-vous un plan de soins maintenant que le livre est sorti ?

J’adore cette question. J’ai participé à différents ateliers [that focus on] écrire sur le traumatisme, et certains d’entre eux sont vraiment bons et certains d’entre eux peuvent être dangereux parce que lorsque nous sommes appelés à écrire sur un traumatisme, parfois notre tendance peut être que nous devons aller au cœur du sujet. Cela va nous guérir, et nous allons traiter cela. Mais c’est juste trop tôt. Je pensais que mon premier livre serait davantage un mémoire traditionnel et aurait une structure narrative traditionnelle sur l’hospitalisation. C’est un blip dans cette collection d’essais. J’ai découvert que je ne pouvais pas écrire sur cette expérience pendant longtemps. Maintenant, je suis enfin capable de le regarder et de comprendre que l’histoire n’est pas seulement le traumatisme ; c’est ce qui s’est passé avant et ce qui s’est passé après.

Afin de prendre soin de moi dans cet espace d’écriture, j’ai suivi un magnifique atelier. Katherine A. Standefer, qui a écrit Lightning Flowers : mon parcours pour découvrir le coût de sauver une vie, [taught it]. Et bien qu’il s’agisse d’un atelier d’écriture sur la santé mentale, elle a commencé par définir l’intention de cet espace. Votre cerveau pense en fait que vous êtes à nouveau à cet endroit lorsque vous êtes immergé dans la mémoire ; votre cerveau n’a pas la capacité de savoir que c’est le passé. Elle avait donc de très bonnes tactiques comme faire des rafales de cinq minutes ou régler une minuterie, puis s’assurer que vous faites une pause, être conscient de votre corps – comment il se sent – ​​et vérifier avec vous-même.

Il n’a fallu qu’environ un jour et demi pour écrire le tout dernier essai. J’étais à une retraite d’écriture, mais j’ai probablement fait cinq siestes tout au long de la journée en plus de dormir une nuit complète parce que c’est tellement épuisant d’être dans cet espace. C’est comme s’assurer que vos bases sont couvertes. As-tu dormi? As-tu mangé? Avez-vous bu de l’eau? Vous êtes-vous étiré ? Êtes-vous allé dehors? Je fais des pauses pour regarder une sitcom, et je ne pense plus que cela me distrait de l’écriture parce que je sais qu’il est si difficile d’écrire sur ces choses. Si je vais écrire à leur sujet, je dois prendre soin de moi pendant que je le fais.

Votre dernier essai traite de ce à quoi pourrait vraiment ressembler la justice transformatrice, en particulier en ce qui concerne le fait d’être la seule personne de couleur dans la pièce lors d’un travail de justice sociale. Vivant à Portland, comment naviguez-vous dans la blancheur dans les espaces créatifs et professionnels ?

Quand j’ai déménagé pour la première fois à Portland, il s’agissait principalement de Blancs. C’était avec qui j’étais en communauté. Lorsque j’ai commencé à me lancer dans le journalisme, cela a coïncidé avec l’émergence de nombreuses initiatives artistiques dirigées par le BIPOC. Beaucoup d’espaces dans lesquels je suis actuellement sont très divers, bien plus que [they were] il y a cinq ans, mais vous devez avoir l’intention de trouver vos proches dans des espaces blancs. Dans les situations de travail, je n’ai pas beaucoup de contrôle et c’est difficile ; j’ai l’impression que je ne peux pas échapper à la blancheur même dans des espaces qui semblent très divers. Nous les appelons microagressions, mais elles sont partout. Il faut prendre de la place. Si nous ne prenons pas de place, alors vous voyez le même groupe de personnes être important et accéder aux ressources. Vous vous tournez vers votre communauté pour vous aider à trouver une compréhension du monde, puis vous devez continuer à vous placer dans différentes communautés et espaces afin de voir ce qui est possible d’autre. Il est possible de trouver des personnes extraordinaires qui sont solidaires, généreuses et également engagées dans le travail de justice sociale.

Funérailles de Flaca par Emilly Prado (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Future Tense Books)

j’adore le titre Funérailles de Flaca. Cela nous crée un personnage au début qui est à la fois vous et pas vous. Ton père t’appelait « Flaca » et c’était ton nom au Mexique. Comment avez-vous choisi le titre ?

Je pensais à cet arbre dans la cour de mes grands-parents et à l’idée que l’arbre a probablement été abattu. Alors je pensais, Qu’est-ce que cela signifie, savoir que cet arbre a été tué ? À partir de là, ma réflexion a évolué pour envisager à quoi cela ressemblerait d’avoir des funérailles pour le nom « Flaca ». J’essayais d’écrire sur le chagrin de réaliser que mon père ne m’appelait plus [that] plus. J’ai grandi sans célébrer Día de Los Muertos, mais j’ai commencé à en apprendre plus [about the tradition] quand j’ai été invité à faire de l’organisation communautaire à Portland. On m’a demandé de faire une présentation sur Día de Los Muertos dans une école primaire [and was] aimer, D’accord, je dois apprendre à ce sujet si je vais enseigner à ce sujet. Plus j’en apprenais sur les vacances, plus j’avais l’impression que c’était un moyen de renouer avec une partie de mon identité culturelle qui s’était perdue depuis longtemps. Maintenant, ma famille est plus intéressée à le célébrer. J’aime les rituels et j’aime l’idée d’honorer le passé – des êtres chers qui sont morts, des ancêtres que nous n’avons jamais eu la chance de connaître – et de les célébrer en offrant de la nourriture et en pensant à de beaux souvenirs. C’est vraiment difficile quand les gens passent, mais vous n’avez pas à perdre la joie et la beauté de ce que c’était quand ils étaient vivants. Le [book’s] Le titre parle de la mort de ce nom et d’une renaissance qui permet tout ce qui vient ensuite.

Vous avez écrit sur votre expérience des tests ADN et sur votre compréhension de qui vous êtes et n’êtes pas au niveau cellulaire. En fin de compte, l’histoire donnait l’impression que vous vous incarniez vous-même. Y a-t-il quelque chose qui vous hante encore dans votre identité Flaca que vous avez enterré ?

Ma relation avec mon père sera probablement toujours un peu tendre. C’est le problème avec la guérison et le pardon : certaines choses n’auront jamais une résolution ordonnée, mais vous devez quand même mettre un pied devant l’autre. Nous continuons à vivre dans une société qui idéalise les corps minces. Je me retrouve encore à devoir filtrer mon propre cerveau et être comme, Attends, est-ce que je pense vraiment ça ? Ces luttes vont continuer, mais finalement, je ne veux pas que mon identité soit liée à ma taille corporelle. C’est donc le choix que je fais. Bien que le surnom ne m’ait pas fait de mal, il représente beaucoup de choses difficiles. Je devais m’en débarrasser.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

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par Amanda Gokee

4 août 2021

« C’est une femme [who] peut raconter l’histoire de 500 ans de répression des peuples autochtones.

Chandler Baker, auteur de les maris (Crédit photo : Eryn Chandler)

Au début de son deuxième roman pour adultes, les maris, Chandler Baker nous demande d’imaginer un monde où tous les maris « écoutent les messages vocaux et préparent les dîners et rincent nos machines Keurig ». Dans cet univers alternatif, les adultes communiquent sans effort tout en élevant leur famille, et dans les ménages sans enfants, les couples maintiennent toujours un semblant d’équité. Tout le monde participe également à l’entretien de la maison sans être invité ni poussé. C’est utopique et parfait d’une manière qui m’a fait me demander si ce monde est possible. Nora Spangler souhaite avoir vécu cette vie. Lorsque nous la rencontrons pour la première fois, elle et son mari, Hayden, recherchent une maison à Austin, au Texas. Ils décident de chercher à Dynasty Ranch, un quartier de banlieue idyllique avec des maisons abordables, des impôts fonciers moins élevés et plus d’espace pour leur tout-petit et le nouveau bébé qui arrive. Nora est pratiquement en train de s’évanouir alors qu’ils visitent une maison, mais son mari n’en est pas si sûr – une inadéquation courante dans leur mariage.

Nous sommes entrés dans les pensées de Nora après la visite de la maison : le fait que Hayden disparaisse et ne puisse rien faire d’autre pendant qu’il regarde Liv, leur fille de quatre ans, « est une source de frustration brute ». Elle est également frustrée par « quelques inquiétudes concernant [her] antécédents… au cabinet » où elle est candidate au poste d’associée. En termes simples, le prochain congé de maternité de Nora affecte sa capacité à devenir partenaire. Malgré son agacement, rien ne semble vraiment hors du commun dans la famille de Hayden et Nora. En fait, le roman commence comme n’importe quel roman d’amour ; rien n’est sinistre ou déplacé. Les défis résident dans la communication réelle. Quand elle communique, le monologue intérieur de Nora admet « ne jamais [feeling] moins sexy » que lorsqu’elle tient un tableau de bord de ses contributions et de celles de son mari à leur famille. Pourtant, elle doit lui dire ce qu’elle ressent. Nous ne pouvons pas (encore) lire dans les pensées des autres, nous ne pouvons donc pas nous attendre à ce que nos proches sachent ce qui nous serait utile. Baker dit, bien sûr, mais et si vous pouviez?

Entrez Cornelia White : une psychiatre vivant à Dynasty Ranch qui se spécialise dans la thérapie de couple. Avec le clic d’un stylo très spécifique, donné à chaque femme de Dynasty Ranch, Cornelia hypnotise les maris lors de ses séances de thérapie, mais Nora ne le sait pas immédiatement. Cornelia, agissant comme agent de liaison pour Penny March, engage Nora pour enquêter sur la mort de Richard March après l’incendie de sa maison à Dynasty Ranch. Alors que la famille Spangler discute de l’achat d’une maison à Dynasty Ranch et que Nora enquête sur la mort de Richard, Nora commence à se complaire avec les résidents de Dynasty Ranch. Elle assiste à un dîner en couple, à une séance de yoga et les invite même à la fête de révélation du sexe de son bébé. Avant la fête de révélation du genre, Nora se rend compte que les épouses de Dynasty Ranch, même avec leur vie parfaite, ont « vécu la discorde conjugale, tout comme [Nora]. La seule différence est qu’ils disent que cela peut être réparé. Lors de la fête, Nora a un accès de colère quand Hayden ne parvient pas à reconnaître qu’elle ne veut pas parler de son travail ou de sa tension artérielle avec sa mère, et elle brise le gâteau qui révèle qu’ils vont avoir un petit garçon.

Cette fois, au lieu de garder ses frustrations pour elle, Nora propose une thérapie de couple avec Cornelia. C’est la première fois que Hayden entend Nora lorsqu’elle dit que quelque chose ne va pas dans leur mariage. Malheureusement, il a fallu une hypertension artérielle induite par la grossesse et un gâteau brisé pour l’aider à réaliser que sa famille n’est pas aussi heureuse qu’il le croit. Nous sommes amenés à croire qu’une consultation matrimoniale est une bonne chose pour Nora et Hayden ; peut-être que quelque chose de bon en sortira. À ce stade, le livre ne ressemble pas à un thriller; c’est un roman sur les personnes mariées qui met l’accent sur la façon dont Nora va gérer sa carrière et sa vie de famille. Nous attendons de Nora et Hayden qu’elles suivent une thérapie, apprennent à communiquer et décident si le divorce est la meilleure option ou si leur mariage peut être sauvé.

De nos commanditaires

Nora et Hayden se défoulent toutes les deux pendant leurs séances de thérapie. Nora dit clairement sa frustration à propos de Hayden qui n’a apparemment aucune idée de ce qui se passe dans leur maison. Hayden admet qu’il en veut à Nora pour le mystérieux accident qui a causé à leur fille une multitude de cicatrices. Enfin, elle et Hayden communiquent. Leur vie et leur mariage semblent meilleurs, malgré le fait que Nora travaille plus que jamais alors qu’elle enquête sur la mort de Richard. Après quelques séances de thérapie et des centaines d’heures à fouiller dans le cas de March, Nora trouve sa maison plus que soignée qu’elle ne l’a jamais été. Hayden prépare des Rice Krispies pour une vente de pâtisseries, s’assure que Liv est habillée pour le Picture Day et commence à préparer le dîner sans qu’on le lui demande. Il commence même à lire certains des blogs d’organisation et de nettoyage que les maris de Dynasty Ranch lui ont suggérés. Une partie de Nora aime qu’on s’occupe d’elle et « veut assassiner le féminisme elle-même » au lieu d’être sauvée par son prince, alors elle laisse Hayden s’occuper des choses. Elle est plus concentrée au travail et elle est plus heureuse quand elle rentre à la maison. La vie de Nora semble presque parfaite.

Tout comme Nora a convaincu son mari d’acheter une maison à Dynasty Ranch, elle commence à relier les points sur plusieurs indices dans l’affaire de mars. Tout d’abord, Max Ross, mari du PDG de la technologie et chef de l’association des propriétaires de quartier Alexis Foster-Ross, ne reconnaît pas Nora lorsqu’il la voit pour la deuxième fois. Dans la même scène, Alexis mentionne à Nora que le quartier n’a pas « encore d’avocat », comme s’ils n’accueillaient les résidents que s’ils avaient une carrière qui pourrait profiter à l’ensemble de la communauté. À l’improviste, Sylvia Lamb contacte Nora lorsqu’elle entend parler de l’enquête et confirme ce fait étrange en partageant qu’une fois qu’elle a quitté son emploi de gestionnaire de patrimoine pour devenir une mère au foyer à temps plein, le contrat de logement de sa famille en Dynasty Ranch est tombé à l’eau. Nora interroge les femmes de Dynasty Ranch à ce sujet, mais elles la repoussent en disant: « Les affirmations de Sylvia sont ridicules. »

Couverture du les maris par Chandler Baker (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de MacMillan Publishers)

Mais alors que Nora poursuit des pistes dans la mort de Richard, elle se demande si les nombreuses fins dénouées de Dynasty Ranch ne sont pas vraies après tout. Alors que Nora tente d’équilibrer vie professionnelle et vie familiale, Baker a écrit un roman qui parle à de nombreuses femmes, et c’est ce qui est réellement effrayant dans ce roman. Bien sûr, certaines personnes sont décédées et d’autres sont contrôlées contre leur gré, mais la réalité selon laquelle les femmes d’aujourd’hui se noient sous le poids des tâches ménagères est suffisamment importante pour être horrible. La quantité de travaux ménagers que les femmes effectuent l’emporte encore largement sur les hommes de leur ménage, et la pandémie a révélé tout le travail invisible que les femmes effectuent jour après jour. Cela ne veut pas dire que les hommes ne font aucun travail, mais notre société a élevé les femmes à charger tranquillement la majorité des tâches ménagères pour la paix de la famille au sens large, ce qui est exactement ce que Nora a fait malgré son épuisement. Le thriller de Baker est un commentaire sur le fait que nous ne parlons pas de cette inégalité constante même si nous affichons une société plus égalitaire, comme la mère de Hayden a essayé de le faire lors de leur soirée de révélation du genre. Ce n’est pas parce qu’un mari fait plus que son père qu’il est égal à sa femme. Malheureusement, cela témoigne d’une dépendance encore plus grande de la société à l’égard des foyers à un seul revenu, car à mesure que de plus en plus de familles homosexuelles sont incluses dans les études, nous constatons qu’elles aussi divisent les tâches et travaillent en fonction de ceux qui gagnent le plus. Bien que The Husbands ne confronte jamais les mariages homosexuels ou homosexuels, le commentaire est universel : nous comptons sur une personne pour gagner de l’argent et une personne pour s’occuper de la maison. Baker, au contraire, exhorte les lecteurs à favoriser des foyers plus équitables, en particulier lorsque les deux partenaires travaillent.

les maris laisse les lecteurs s’interroger sur la moralité d’une vie parfaite. Non, vous ne devriez pas contrôler votre conjoint, mais cela facilite la vie des familles de Dynasty Ranch. Non, vous ne devriez pas vous attendre à ce que votre partenaire fasse toutes les tâches ménagères pendant que vous travaillez à l’extérieur de la maison, mais cela rend Nora plus prospère dans sa carrière. En méditant sur cette unique banlieue fictive d’Austin, Baker suggère que la solution aux problèmes conjugaux n’est pas l’hypnose ; ce sont les deux partenaires qui font des compromis, pratiquent le donnant-donnant et écoutent activement les besoins de leur partenaire. Nous ne pouvons pas tous être de parfaits partenaires, parents, employés et amis ; parfois, nous échouons, et ce n’est pas grave. Apprendre à échouer et apprendre à communiquer sont cruciaux pour notre société ainsi que pour nos familles car si nous ne commençons pas, nous ne briserons jamais le cycle des tâches ménagères hypnotiques.

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par Évette Dionne

2 août 2021

Les livres ne cessent d’arriver.

Artiste ASMR devant un micro (Crédit photo : Karolina Grabowska/Pexels)

« Qu’est-ce qui vous amène à la chirurgie aujourd’hui ? » Semide demande avec un sourire. Vous ne répondez pas, bien sûr, car elle est de l’autre côté de votre écran alors que sa voix douce sort de vos écouteurs. « Oh, je suis désolée d’entendre ça », dit-elle, « je vais vous faire vous sentir mieux en un rien de temps. » Semide, connu sur YouTube sous le nom de SemideCoco, est un artiste ASMR, alias ASMRtist. La réponse méridienne sensorielle autonome (ASMR) est une sensation étrange, de picotement, mais relaxante, similaire à la sensation que vous ressentez lorsque vous utilisez un masseur de cuir chevelu à fil. Vous avez peut-être expérimenté l’ASMR lors d’un massage ou d’une coupe de cheveux, en regardant Bob Ross, ou si vous êtes un cinglé comme moi, lors d’un rendez-vous chez le dentiste, sans même vous en rendre compte.

YouTube a maintenant une communauté ASMR croissante, avec des centaines d’artistes ASMR créant des vidéos inventives et uniques qui déclenchent la sensation en faisant des choses telles que chuchoter ou parler doucement dans le micro, masser le micro, ou tapoter et gratter des objets contre lui, pour ne citer qu’un peu. Certains téléspectateurs préfèrent les chuchotements, les voix douces ou ne pas parler du tout ; tout dépend de ce qui fonctionne le mieux pour eux et génère la meilleure réponse corporelle. Les fans d’ASMR ne jurent que par elle, écoutant les vidéos de leurs créateurs préférés pour s’endormir la nuit ou se détendre à la fin d’une journée stressante. « Il existe de nombreux aspects de l’ASMR qui peuvent signaler au système nerveux autonome des téléspectateurs qu’ils sont en sécurité, comme un visage gentil, des gestes de la main accueillants ou le ton calme de la voix », Nicole Villegas, coach en résilience et médecin en ergothérapie. , dit. « Cet effet de relaxation physique et émotionnelle de l’ASMR peut se prêter à un meilleur repos ou à un meilleur sommeil. Regarder ou écouter de l’ASMR peut également faire partie d’une routine du coucher ou de la sieste, et pour certains, c’est comme une méditation parce que l’attention est focalisée sur un objectif.

Les critiques supposent parfois que les fans d’ASMR en tirent un coup de fouet, en particulier parce que certaines vidéos ASMR se tournent vers des territoires sexy, mais la majorité des fans y sont uniquement pour les vibrations froides et le cerveau flou. « Je regarde l’ASMR environ une fois par semaine en moyenne, mais parfois cela peut être beaucoup plus fréquent ou beaucoup moins fréquent », raconte Iris, une Néerlandaise de 25 ans, fan d’ASMR depuis près de deux ans. Chienne. « Cela me fait me sentir détendu, sans souci et totalement heureux. » C’est peut-être pourquoi les sections de commentaires sur les vidéos ASMR sont parmi les endroits les plus agréables et les plus utiles sur Internet. Vous pouvez y trouver des commentaires tels que « J’espère que tout le monde va bien. J’envoie mon amour à tous ceux qui en ont besoin » et « Comment avez-vous connaître J’avais besoin de ça aujourd’hui ? Merci. »

Bien que la popularité de l’ASMR ait explosé ces dernières années, un type spécifique de vidéo – le jeu de rôle d’examen médical – a fait son apparition pendant la pandémie. Les vidéos ASMR « jeu de rôle » peuvent aller de l’ASMRtiste prétendant être un thérapeute du sommeil à l’ASMRtiste incarnant un rat de laboratoire échappé. Le principal attrait des vidéos de jeu de rôle, en particulier médicales, est l’attention personnelle accordée au spectateur. Dans ces vidéos, l’ASMRtist effectue un examen simulé (un examen de la vue, par exemple) à la caméra, comme s’il s’agissait d’un patient, ou sur une deuxième personne dans la pièce avec eux. L’ASMRtist utilisera un ton doux ou un murmure pour parcourir une série de demi-conversations avec le spectateur, lui demandant de faire ce qu’il aurait à faire lors de l’examen réel. Bien que son attrait puisse sembler contre-intuitif à une époque où l’idée de tomber malade est si terrifiante, ce style d’ASMR permet au spectateur de découvrir tout ce qu’il aime à propos des rendez-vous chez le médecin, sans la peur qui accompagne activement besoin aide médicale.

Certains ASMRtists font même du contenu spécialement conçu pour aider à calmer ceux qui ont des phobies ou des anxiétés médicales. Villegas dit que ces vidéos particulières créent une « relation sociale entre le créateur de contenu et le spectateur ». Elle explique en outre que «la performance à sens unique peut même ressembler à un échange pour la personne qui la regarde. Les vidéos sur le thème des soins sont souvent prévisibles et familières, [like being] dans un cabinet médical ou un spa, et peut puiser dans un sentiment de vulnérabilité, mais dans un environnement virtuel contrôlé. Bien que ces jeux de rôle soient souvent une approximation de ce à quoi l’ASMRtiste pense que l’examen ressemblerait, parfois l’ASMRtist est médicalement formé.

De nos commanditaires

Semide, l’ASRMtiste qui joue le rôle de la chirurgie, étudie la médecine naturopathique, un système de médecine qui combine la médecine conventionnelle avec des médecines alternatives telles que la médecine traditionnelle chinoise, l’homéopathie, l’hydrothérapie et la médecine botanique. Elle utilise ce savoir-faire médical pour créer des vidéos ASMR médicalement précises qui obtiennent des centaines de milliers de vues. Elle se spécialise dans les jeux de rôle médicaux et les vidéos de massage, souvent avec des membres de sa famille en tant que spectateur remplaçant. « Pendant une période difficile de ma vie, mon plus grand réconfort était de regarder des vidéos ASMR, principalement itsblitzzz et Gentle Whispering ASMR », a-t-elle déclaré. Chienne. « Leurs voix douces et aimantes m’ont embrassé et apaisé ma souffrance. En 2019, j’ai moi-même franchi le pas et réalisé une vidéo de jeu de rôle pour un examen de la vue. C’était un excellent moyen pour moi de revoir mes compétences en matière d’examen physique tout en donnant, espérons-le, aux téléspectateurs des picotements et un endroit pour se détendre et s’endormir. Depuis, Semide publie presque toutes les semaines. « C’est devenu un refuge pour tant de belles âmes, et pour cela je suis éternellement reconnaissant. »

Semide, comme de nombreux autres ASMRtistes spécialisés dans le domaine médical, a constaté que son nombre d’abonnés a monté en flèche lorsque le monde est entré en lock-out en raison de COVID, passant de 13 500 abonnés en mars 2020 à 150 000 à la fin de l’année. « L’isolement social et les problèmes de santé mentale et physique croissants intensifiés par la pandémie ont attiré de nombreux téléspectateurs sur ma chaîne », dit-elle. «Je crois fermement que l’interaction sociale, en particulier sous forme d’intimité et de contact physique, est essentielle pour notre santé et notre bien-être, et elle a été rare pendant cette pandémie.» Les gens semblent s’être tournés vers les vidéos ASMR pour combler un vide que le manque d’attention personnelle et d’interaction étroite a créé : activités que nous avons appréciées.

Des millions de personnes souffrent de solitude et d’anxiété, et l’ASMR offre un petit moyen de profiter du monde sans craindre de contracter COVID. « L’ASMR peut fournir une attention personnelle dans un environnement contrôlé auquel de nombreuses personnes ne pourraient peut-être pas accéder autrement », explique Villegas. « Nous avons des réponses physiologiques à l’attention qui peuvent nous aider à nous détendre, [generate] émotions telles que la joie ou un sentiment de bien-être et [also create] relations sociales avec les créateurs de contenu ou la communauté virtuelle. En ces temps de chaos et de bouleversements, l’ASMR a été un outil pour aider à apaiser la tension mentale et émotionnelle que ressentent des millions de personnes dans le monde. L’ASMR n’est pas pour tout le monde, bien sûr ; cela peut en fait rendre certaines personnes très mal à l’aise, comme des ongles sur un tableau. Mais pour ceux qui le trouvent efficace, moi y compris, l’ASMR a été une aubaine, agissant comme un baume pour aider à soulager l’anxiété et l’insomnie de notre nouvelle réalité. Et cela a aidé tant de gens à prétendre que, peut-être, tout peut redevenir normal.

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par Naureen Khan

30 juillet 2021

Notre culture – notre temps, notre travail et bien sûr, notre corps – est plus que jamais absorbée par l’optimisation.

Alison Bechdel, auteur de Le secret de la force surhumaine (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Jeanette Spicer)

De nos commanditaires

Contrairement à Bechdel, être une personne qui fait régulièrement de l’exercice et qui aime ça est un développement relativement nouveau et remarquable pour moi. J’ai grandi dans la banlieue du Texas à la fin des années 90 et au début des années 2000, sans même une once de capacité ou d’intérêt athlétique naturel. Comme l’écrivait récemment l’écrivain Anne Helen Petersen dans son bulletin d’information, de nombreuses jeunes femmes blanches de cette époque convoitaient les abdos de Britney Spears dans des jeans taille basse, lisaient avec désinvolture les aliments « à calories négatives » dans les magazines pour adolescents et apprirent à détester chaque parcelle de douceur sur leurs corps. J’étais un adolescent bangladais livresque qui intériorisait aussi ces normes, mais elles étaient si suprêmement inaccessibles pour moi que je n’ai pas hésité à les respecter. J’étais plus détaché de mon corps, mais toujours honteusement embarrassé de son apparence en mouvement. Mais au fil des ans, j’ai surmonté une partie de mon conditionnement, en grande partie grâce à la douce insistance des amateurs d’exercices dans ma vie. J’ai appris à aimer essayer (et échouer) de me transformer en bretzels dans les cours de yoga, puis de m’allonger stupéfait dans la pose de cadavre. Je suis très fier de pouvoir courir trois milles, incroyablement lentement. Je ne veux pas que la chose qui me fait me sentir connectée à mon corps et à son pouvoir devienne juste un autre mécanisme d’auto-flagellation.

Bechdel est convaincue que le problème réside dans son propre esprit névrotique et cherche constamment des moyens de le résoudre. Elle étudie les œuvres des transcendantalistes et des romantiques, et consulte des écrivains Beat et des bouddhistes pour essayer de la sortir de sa propre tête et d’atteindre un équilibre plus durable. Mais le problème pourrait être plus profond et plus répandu que cela. Notre culture – notre temps, notre travail et bien sûr, notre corps – est plus que jamais absorbée par l’optimisation. Malgré les progrès réalisés par les militants de l’acceptation des graisses, les messages destructeurs sur notre estime de soi reposant sur notre apparence physique sont toujours omniprésents. Khloé Kardashian a un E! spectacle appelé Corps de vengeance dont toute la prémisse tourne autour du fait que les gens le collent à leurs ex en perdant du poids et en se faisant branler. Les flux Instagram des légions d’influenceurs du fitness semblent conçus pour vous faire basculer dans la dysmorphie corporelle, avec leurs images de corps parfaitement posés reproduisant l’amour-propre tout en dispensant des conseils sur la façon d’obtenir un cul de bulle. Résister à ces récits et revendiquer notre paix semble impossible certains jours et nous méritons tous un peu de grâce. C’est un travail que nous devons faire encore et encore–un peu comme l’exercice.

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par Dejan Jotanovic

8 juillet 2021

Je n’ai pas pu m’empêcher de me demander : la montée de l’élite queer était-elle un signe de progrès ou de propagande ?

Illustration de WILLOW, à gauche, Doja Cat et Charlotte Day Wilson par Ada Buchholc

L’été est en pleine floraison. Bien que la saison soit généralement associée au fait d’être «dans la rue» et d’avoir un été épique pour les filles, la dernière récolte de sorties d’albums révèle que les gens sont toujours très dans leurs sentiments. Que seraient les gens après plus de 16 mois d’isolement pandémique? WILLOW chante toutes les émotions imaginables, Doja Cat rime sur ses désirs sexuels et Snoh ​​Aalegra, à la manière typique de Snoh ​​Aalegra, chantonne à propos d’avoir le cœur brisé. Si vous craignez d’être trop profondément ancrée dans vos sentiments, ces projets aux teintes féministes vous feront vous sentir moins seule. Bonne écoute !

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par Nylah Burton

28 juillet 2021

La nature étrange de ce livre est ce qui le rend si sacrément intelligent et aussi plus qu’un peu terrifiant.

Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer) et Luca Paguro (Jacob Tremblay) dans Disney / Pixar’s Luca (Crédit photo : avec l’aimable autorisation de Disney/Pixar)

Qu’est-ce qui rend un récit explicitement queer ? Est-ce une scène dédiée où un personnage verbalise qu’il est gay ? Est-ce que ce sont des personnages queer qui s’embrassent, sortent ensemble et finissent par tomber amoureux ? Faut-il impliquer Cate Blanchett braque une arme dans un manteau de fourrure extravagant pendant que Rooney Mara serre sa poitrine ? Ou pourrait-il simplement être Gay Yearning^MT, la marque de fabrique de nombreuses relations LGBTQ à l’écran et en dehors ? L’histoire doit-elle contenir des thèmes homosexuels universels et quels sont les thèmes homosexuels ? Maintenant, pour être plus précis, qu’est-ce qui rend un récit pour enfants étrange ? Connaissant la longue histoire de la censure homophobe dans les médias pour enfants, cela ressemble presque à une question entièrement différente. Lorsque je grandissais dans les années 90 et au début des années 2000, pratiquement aucun média destiné aux enfants de moins de 12 ans n’était explicitement queer. Bien sûr, Ursula de La petite Sirène (1989) était basé sur la drag queen Divine et, rétrospectivement, le Pokémon les principaux méchants de la Team Rocket de l’anime sont clairement queer, mais je ne pense pas avoir rencontré des personnages LGBTQ sans ambiguïté dans des histoires « appropriées à l’âge » avant d’être préadolescent.

Quand j’étais à l’école primaire, Sailor Neptune et Sailor Uranus, le mystérieux duo lesbien du dub de Cartoon Network Sailor Moon, ont été simplement réécrits comme des cousins ​​cishet très affectueux (alias «cousbians»). Quand j’étais à la fin de mon adolescence, la princesse Bubblegum et Marceline (Bubbline) avaient une relation complexe et intime à l’écran, mais n’ont réellement pu s’embrasser que le Temps de l’aventure finale de la série – 10 saisons après le début de la diffusion de l’émission. Et quand j’avais 20 ans, la quatrième saison de Avatar : La Légende de Korra a fait allusion à une relation amoureuse entre Korra et Asami (Korrasami), mais n’a pas réussi à dépeindre leur romance de la même manière que la franchise a dépeint ses nombreuses autres relations hétérosexuelles. Ces exemples n’étaient pas non plus dus au manque d’essai des créateurs ; Temps de l’aventure l’écrivain et scénariste Rebecca Sugar (qui est homosexuelle) a passé des années à faire pression pour une romance Bubbline, Bryan Konietzko et Michael Dante DiMartino ont clairement exprimé leurs intentions Korrasami en ligne, et l’original de Naoko Takeuchi Sailor Moon le manga dépeint plusieurs personnages étranges. Récemment, Alex Hirsch, le créateur de Chutes de gravité et la voix du roi sur La maison de la chouette, une série de Disney Channel qui a été saluée pour avoir donné à son protagoniste un intérêt amoureux étrange, a accusé les dirigeants du studio Disney de couper continuellement des scènes LGBTQ de ses émissions.

Donc, étant entendu que le paysage de l’animation pour enfants grand public est toujours limité par des normes homophobes, je suis généralement obligé de tempérer mes attentes en matière de queerness à l’écran. Les médias pour enfants ont longtemps été perçus comme la dernière frontière de la représentation queer, et à vrai dire, c’est toujours le cas. C’est pourquoi, quand un film comme celui de Disney-Pixar Luca sort, j’ai du mal à le définir en termes de représentation queer. Je ne peux pas imaginer qu’une seule personne homosexuelle regarde Luca et le considérer comme un récit catégoriquement hétérosexuel parce que nous nous cherchons constamment dans des personnages et des histoires queer, codés ou autres. Pendant si longtemps, les représentations sans ambiguïté de la sexualité queer ont été interdites, et les téléspectateurs LGBTQ sont si avides de représentation que nous prendrons toutes les miettes de pain (italiennes) que nous pouvons obtenir. Fait Luca se sentir gay ? Oui. Mais pourrait-il être plus explicitement queer ? Abso-putain-luthly.

Pourtant, malgré sa représentation ambiguë, Luca pourrait être le film le plus étrange de Disney à ce jour. Situé sur la Riviera italienne, Luca raconte l’histoire d’un monstre marin timide de 13 ans nommé Luca Paguro (Jacob Tremblay) qui s’ennuie de son existence sous-marine banale, où il élève des barbus sous l’œil vigilant de ses parents. Lorsqu’il rencontre Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer), un autre garçon monstre marin qui semble intrépide en comparaison, Luca est inspiré pour sortir (nager ?) de sa zone de confort et explorer la vie sur terre. Bien que les parents de Luca l’aient mis en garde à plusieurs reprises contre les dangers d’aller à la surface de l’océan, Alberto lui montre comment prendre une forme humaine, se fondre dans les autres et faire taire son «Bruno» intérieur, alias son homophobie intériorisée. Après une dispute particulièrement violente avec ses parents, qui menacent de l’envoyer dans un endroit parallèle à la thérapie de conversion, Luca s’enfuit avec Alberto et ils commencent à vivre définitivement sur terre en tant qu’humains. Les deux rient ensemble, dorment ensemble dans une cabane dans les arbres et font des plans pour partir ensemble au coucher du soleil sur une Vespa. C’est tres romantique.

Alors que certains téléspectateurs établi des parallèles valables entre Luca et Appelez-moi par votre nom (2017), un film sur le passage à l’âge adulte sur une romance gay qui se déroule également au cours d’un été italien idyllique, la dernière sortie de Pixar m’a rappelé davantage le film d’animation nominé aux Oscars Marcheurs de loups (2020). Produit par Cartoon Saloon, le studio irlandais connu pour Chant de la mer (2014) et Le soutien de famille (2017), Marcheurs de loups raconte l’histoire de Robyn Goodfellowe (Honor Kneafsey), une jeune fille anglaise qui est forcée d’adhérer à la règle stricte de Lord Protector Cromwell (Simon McBurney) après avoir assiégé Kilkenny, en Irlande, au XVIIe siècle. Sous ses ordres puritains, Robyn doit abandonner son amour de la chasse et de l’exploration de la nature avec son père, Bill (Sean Bean), et passer ses journées à cuisiner, nettoyer et récurer la vaisselle dans l’arrière-cuisine avec les autres filles. Étouffée par les attentes sexistes conservatrices placées sur les femmes de Kilkenny et étouffée par le désir bien intentionné de son père de la protéger, Robyn commence à se faufiler pour explorer les bois à la périphérie de la ville.

Semblable à Luca, Robyn rencontre un ami franc et courageux – une fille fougueuse nommée Mebh (Eva Whittaker) – qui lui fait remettre en question le monde dans lequel elle vit. Au lieu d’être un monstre marin devenu humain, Mebh est un marcheur de loups, un être mythique capable de passer de l’humain au loup, de soigner les blessures et de commander d’autres meutes de loups. Sous sa forme de loup, Mebh mord accidentellement Robyn et la transforme en une autre marcheuse de loups, ce qui est à la fois une bénédiction et une malédiction. Robyn a enfin la liberté de chasser, de partir à l’aventure et de passer un temps illimité avec Mebh, mais son apparition en ville conduit le Lord Protecteur à ordonner à son armée de brûler la forêt où vit la famille de Mebh afin d’exterminer enfin la population de loups et d’étendre son colonie. Notamment, les deux récits utilisent la monstruosité pour signifier la différence et la marginalisation : Luca, les habitants de la ville de pêcheurs fictive de Portorosso sont obsédés par la capture de monstres marins, et dans Marcheurs de loups, l’armée du Lord Protecteur se consacre chaque nuit à la chasse aux loups et aux marcheurs de loups. La mythologie des monstres marins est profondément ancrée dans la culture de Portorosso, comme en témoignent ses expositions d’art, notamment la fontaine sculpturale centrale de la ville représentant un pêcheur transperçant violemment un monstre marin.

De nos commanditaires

Selon Giulia (Emma Berman), amie de Luca et Alberto, « Tout le monde à Portorosso fait semblant de croire aux monstres marins ». À Kilkenny, les habitants vivent quotidiennement dans la peur des loups et les murmures sur l’existence des marcheurs de loups se sont répandus dans la ville comme une traînée de poudre. Alors que les deux films présentent les tentatives des protagonistes de s’assimiler à la culture humaine, ils le font aussi en fin de compte sous la menace de violence et de discrimination. Luca et Marcheurs de loups les deux aboutissent à des foules en colère pourchassant, menaçant et commettant des actes de violence contre leurs pistes métamorphosées et codées queer, qui peuvent être lues et interprétées par le public queer comme un raccourci pour l’homophobie et l’hétérosexualité obligatoire. Malgré un désir bien intentionné de protéger leurs enfants de la violence, les parents des deux protagonistes renforcent le sectarisme en inculquant à leurs enfants un sentiment de peur et de honte. Bien qu’il soit joué pour rire, le dégoût du père de Luca (Jim Gaffigan) à l’idée de trouver l’attirail humain secret de son fils – un réveil analogique et une carte à jouer – ressemble à l’équivalent sous-marin d’un parent homophobe trouvant des « preuves » gays dans la chambre de leur enfant. La mère de Luca (Maya Rudolph) a tellement peur qu’elle essaie littéralement d’envoyer son fils au fond de l’océan pour le garder en sécurité, ce qui finit par se retourner contre Luca.

De même, la réticence de Bill à entendre le point de vue de Robyn ou à la laisser s’exprimer est déchirante car il aime et se soucie clairement de sa fille, mais sait qu’ils vivent dans un monde déterminé à briser les filles comme elle. Lorsque Robyn « se révèle » enfin à son père en tant que promeneur de loups, sa réaction est douloureuse à regarder : les larmes aux yeux, Bill plaide : « Non, Robyn. S’il te plaît. » Encore plus déchirantes sont les tentatives de Robyn de réprimer sa vraie nature lorsqu’elle se force à ne pas dormir pour éviter de se transformer en loup la nuit. « Cette peur d’être exposée, de se dévoiler et de révéler sa vérité, est la véritable nature thématique du film », écrit Kevin Johnson dans un article récent pour Repaire de Geek. Mais peut-être que l’interaction la plus obsédante entre Robyn et son père est lorsqu’il admet enfin qu’il a peur – peur du Lord Protecteur, peur d’un monde qui déteste la différence, peur de ne pas pouvoir protéger sa fille. Bill dit : « J’ai tellement peur qu’un jour tu te retrouves dans une cage », ce à quoi Robyn répond : « Mais j’ai déjà un m dans une cage. »

Bien que Marcheurs de loups ne compte pas comme une représentation explicitement queer, une recherche rapide sur Twitter fait apparaître des centaines de tweets chaotiques de téléspectateurs notant les thèmes queer du film, notamment : « marcheurs de loups est tellement gay omg, «  »Marcheurs de loups est littéralement d’être gay », et simplement, « TROUPEURS DE LOUP GAY ??” L’étrangeté de Luca a également été largement débattue sur les réseaux sociaux, ainsi que par des publications telles que Salon de la vanité, Polygone, et Initié, avec ce dernier déclarant: « Bien que l’allégorie du monstre marin parlera aux personnes queer, c’est une occasion manquée pour Disney. » De manière réaliste, je ne pourrai probablement jamais cerner définitivement les qualités inhérentes qui font un récit queer, sans parler de celui créé par une bête d’entreprise comme Disney. Pour l’instant, je chanterai les louanges des films pour enfants comme Luca et Marcheurs de loups pour avoir poussé l’aiguille de la représentation un peu plus en avant et demandé mieux aux studios d’animation qui, comme Bill Goodfellowe, ont encore trop peur de prendre des risques. Et, comme le reste de Twitter queer, je penserai à Robyn mettant une fleur dans les cheveux de Mebh et continuerai à me demander fébrilement : « WOLFWALKERS GAY ??

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par Lena Dean

10 août 2020

Le message pour les jeunes était que les queers et la romance queer n’existent pas.

Fran Drescher comme Fran Fine dans La nounou (Crédit photo : CBS)

Récemment, je suis tombé sur une photo de moi-même adolescent à la fin des années 90. Je suis assis sur un canapé en brocart recouvert d’un protecteur de canapé en vinyle transparent chez un ami de la famille à East Elmhurst, Queens. Je porte un t-shirt noir avec le mot « Sagittaire » gravé dessus en paillettes rouges, un tour de cou noir ébloui de strass et une paire de lunettes œil-de-chat. Mes cheveux sont plats, mais sinon je pourrais être la version adolescente de la fiction Fran Fine (Fran Drescher) de La nounou, un Juif réformé élevé à New York avec un penchant pour les vêtements scintillants et les accessoires géniaux, que l’on pouvait régulièrement trouver assis sur un canapé recouvert de plastique dans le Queens. La sitcom a été diffusée sur CBS de 1993 à 1999, et HBO Max a commencé à diffuser la série en avril 2021. J’ai décidé de revoir quelques épisodes pour voir si cela tenait après 20 ans et, plus précisément, pour confirmer que la série était aussi Juif tel que je me souvenais qu’il était.

En tant que fille juive ayant grandi dans les années 90, je n’ai pas eu l’occasion de voir beaucoup de représentations de femmes juives à la télévision. Les personnages juifs de la télévision ont toujours été des valeurs aberrantes. Et bien qu’il y ait eu des personnages de télévision juifs masculins mémorables avant les années 90—Buddy Sorrell (Morey Amsterdam) sur Le spectacle de Dick Van Dyke, Bernie Steinberg (David Birney) sur Bridget aime Bernie, M. Harold Hooper (Will Lee) le Rue de Sesame, Jerry Seinfeld (Jerry Seinfeld) sur Seinfeld, et Krusty le clown (Dan Castellaneta) sur Les Simpsons— Les femmes juives étaient encore plus rares. Dans un sondage Facebook non scientifique, j’ai posé des questions sur les personnages féminins juifs les plus mémorables de la télévision ; cela a donné une gamme assez étroite de réponses. Mes amis juifs et non juifs ont répondu soit avec des personnages des 10 dernières années – des personnages tels que Rebecca Bunch (Rachel Bloom) sur ex-petite amie folle, Miriam Maisel (Rachel Brosnahan) sur La merveilleuse Mme Maisel, et Ilana Wexler (Ilana Glazer) et Abbi Abrams (Abbi Jacobson) sur Grande ville-ou avec seulement une poignée de personnages féminins juifs d’avant 2000.

Ces personnages d’avant 2000 comprenaient Molly Goldberg (Gertrude Berg) sur Les Goldberg (1949-1956), Rhoda Morgenstern (Valerie Harper) sur Le spectacle de Mary Tyler Moore et Rhoda,, et Grace Adler (Debra Messing) sur Volonté et grâce. Mais le personnage le plus souvent cité par les personnes qui ont répondu à ma question était Fran Fine. Et en effet, sur ma binge-rewatch de La nounou, j’ai découvert qu’elle était encore plus juive que dans mon souvenir. La nounou suit Fran, une femme juive de la classe ouvrière du Queens, alors qu’elle décroche par hasard un travail de nourrice pour les trois enfants de Maxwell Sheffield (Charles Shaughnessy), un veuf britannique et producteur de Broadway. Les Sheffield sont riches, WASP-y, et, comme Fran et moi l’avons dit, fantaisistes. Comme dans de nombreuses sitcoms, La nounouLa comédie de est dérivée du choc des cultures, et le rôle de la judéité de Fran et du gefilte-fish-out-of-water (oy, pardonnez-moi) dans la maison Sheffield est au centre. Drescher et son mari de l’époque, Peter Marc Jacobson, ont créé, écrit et produit le spectacle ; et leur expérience commune en tant qu’amoureux juifs du secondaire dans le Queens a donné au spectacle une vraisemblance qui ne peut naître que d’une expérience vécue.

Et bien que « vraisemblance » ne soit peut-être pas le premier mot que vous attribueriez à une émission dont l’acteur principal ne prend pour la caméra qu’un peu moins que Lucille Ball dans J’aime lucy, La nounou se sent ancré dans la réalité, surtout en ce qui concerne la judéité de Fran et du reste des Fines. Une blague en particulier reste gravée dans ma mémoire d’enfance : Fran a un rendez-vous et son rendez-vous lui demande si elle veut du vin « rouge ou blanc », auquel elle répond nasalement « Myrtille ? » et il produit une bouteille de Manischewitz. C’est peut-être la blague la plus audacieusement juive que j’aie jamais vue dans une sitcom, en particulier celle de cette époque. La série se fichait que quelqu’un qui n’avait jamais rencontré de juif auparavant ne comprenne pas la blague ; ce n’était pas pour eux, et cela n’avait pas à l’être. La blague était destinée à faire un clin d’œil à La nounoules téléspectateurs juifs, comme pour dire : « Nous savons que vous vous êtes saoulé pour la première fois à Manischewitz pendant la Pâque. Fran aussi. Fran n’était pas la seule femme juive éminente à la télévision des années 90, bien sûr : Volonté et grâce avait Grace Adler; Amis avait Monica Geller (Courteney Cox) et Rachel Green (Jennifer Aniston); Buffy contre les vampires avait Willow Rosenberg (Alyson Hannigan).

Mais il y avait quelque chose de spécial et d’uniquement juif chez Nanny Fine. Fran lance des mots yiddish avec une facilité familière à mes amis juifs et à ma famille, moi y compris, et elle mange du bacon mais mentionne le jeûne à Yom Kippour. Fran et sa famille sont extrêmement proches et la querelle est leur langage amoureux. Fran est juif de cette manière juive réformée de New York que je reconnais de ma propre vie et de mon éducation. Mais il y avait eu des discussions sur le réseau que le caractère Fran devrait être italien au lieu de juif, bien qu’il suivait Seinfeld. « Quand j’ai vendu l’idée de La nounou, qui était basé sur les personnages riches et colorés avec lesquels je me sentais identifié en grandissant à Flushing, Queens, le réseau a déclaré: « Procter and Gamble achètera la série, ce qui est une bonne chose, car vous n’aurez alors jamais à vous inquiéter sur la vente d’annonces et de gagner de l’argent pour le réseau », a déclaré Drescher L’Avant en 2017. « La mise en garde était que je devais être italien. Pour des raisons très pratiques, j’ai dit non : « Je suis juif, nous voulons écrire cela avec ma marque de comédie, qui est riche en spécificité et en relativité, et nous ne serions pas capables de l’écrire en italien parce que nous ne sommes pas Italien.’ Nous serions en train de caricaturer ce que nous pensons être l’italien, car nous n’avons pas grandi avec.

Cette spécificité transparaît dans La nounou. Il ne pouvait pas englober tout l’éventail de la judaïté – le judaïsme n’est pas un monolithe, après tout – mais pour le sous-ensemble spécifique de Juifs de New York qui sont ashkénazes et réformés, bon nombre de ses meilleures blagues ressemblaient à quelque chose que votre cousin pourrait dire à Dîner de Chabbat. Mais peut-être la partie la plus convaincante de La nounouLa représentation de la judéité par Fran ne l’a jamais atténuée, même en présence de ses collègues, employeurs et amis non-juifs. Et parce que le personnage était si confortablement et entièrement elle-même, le reste de la distribution est devenu plus conscient de son monde et s’y est imprégné – rejoignant sa famille pour Pessah Seder, l’accompagnant à la synagogue un samedi matin et ajoutant une bonne dose de yiddish à leur vocabulaire. À un moment donné, Maxwell dit à Fran alors qu’elle entre dans son bureau : « Oh, j’espère que vous êtes venu à kibbitz; J’aime quand nous kibbitz.  » Dans l’épisode de la saison 4 « The Passed-Over Story », toute la famille Sheffield se rend chez les parents de Fran pour le Seder.

Niles (Daniel Davis), le majordome de la famille Sheffield et le bon ami de Fran, s’investit dans la cuisine des plats traditionnels ashkénazes, disant à Fran : « J’ai expérimenté des recettes pour le Seder de ta mère. j’ai fait kreplach, kneidlach, tzimmes, et gribenes…Ltd., j’ai mangé comme un chasseur.  » Gracie (Madeline Zima), la plus jeune des enfants de Sheffield, lit les quatre questions, et elles sont toutes d’accord pour dire qu’elles pourraient utiliser « un peu de sucré » après s’être farcies pendant le repas. En d’autres termes, les Sheffield embrassent l’identité juive inconnue de Fran et ne sont pas mal à l’aise ou rebutés par cette méconnaissance. L’épisode qui pourrait servir d’énoncé de thèse pour la série elle-même est « My Fair Nanny » de la saison 1 dans lequel Fran essaie de devenir davantage un membre de la foule goyish de l’Upper East Side de Sheffield pour éviter d’embarrasser l’aîné timide de M. Sheffield, Maggie (Nicholle Tom), lors d’un thé mondain. Elle s’en sort presque, lissant son accent ainsi que ses cheveux et enfilant une robe beige, mais ses tentatives de fréquenter les riches dames étouffantes de l’événement sont démenties par ses sujets de conversation (Fran disant dans son inspiration Mid-Atlantic accent chic, « J’étais au téléphone avec ma mère, et elle peut être une yenta” est un point culminant de la série).

Mais ce qui est plus important, c’est que Maggie indique clairement qu’elle ne vouloir Fran pour changer. C’est ici, dans le troisième épisode de la série, que La nounou nous dit sans équivoque que ce ne sera pas un Ma belle dame situation du tout. À la fin de l’épisode, Fran parle à une femme qui dit : « Mes gens sont venus sur le Mayflower… Nous avons atterri sur Plymouth Rock. Ma famille remonte à 500 ans. À cela Fran répond avec son vrai accent : « Nous avons débarqué sur Ellis Island. Ils ont changé nos noms, et maintenant nous ne savons plus qui nous étions. Fran ne sait peut-être pas qui étaient ses ancêtres, mais elle sait vraiment qui elle est maintenant, et son refus de s’assimiler est une déclaration aussi radicale que n’importe quelle émission des années 90.

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par Marina Watanabe

28 juillet 2021

Alors que les deux films présentent les tentatives des protagonistes de s’assimiler à la culture humaine, ils le font aussi en fin de compte sous la menace de violence et de discrimination.

Sha’Carri Richardson participe à la demi-finale du 100 mètres féminin lors de la deuxième journée des essais de l’équipe olympique américaine d’athlétisme 2020 à Hayward Field le 19 juin 2021 à Eugene, Oregon. (Crédit photo : Patrick Smith/Getty Images)

Le 2 juillet, le sprinter américain Sha’Carri Richardson a déclaré au AUJOURD’HUI Afficher, « Ne me jugez pas parce que je suis humaine », après l’annonce de la nouvelle qu’elle avait été testée positive à la marijuana et qu’elle purgerait une suspension de 30 jours qui la disqualifierait de participer aux Jeux olympiques de Tokyo. Sa déclaration publique a servi de réprimande douce mais honnête à tous les critiques qui l’ont réprimandée pour avoir commis une erreur en pleurant la mort de sa mère et en faisant face à une pression publique sans précédent. Juste avant que Richardson ne participe aux essais olympiques aux États-Unis, un journaliste lui a dit que sa mère biologique était décédée et, alors qu’elle remportait la course féminine du 100 mètres, elle était toujours en deuil alors que le monde l’encourageait publiquement. C’est un paradoxe que peu d’entre nous connaîtront un jour.

Bien qu’elle ait atteint une étape exceptionnelle dans sa carrière, la victoire de Richardson n’a pas effacé la douleur à laquelle elle faisait face de sa perte, alors elle a utilisé de la marijuana pour l’aider à faire face. Alors que de nombreux fans déçus ont offert à l’athlète des mots de réconfort en ligne, d’autres ont profité de la suspension pour lui rappeler que les actions ont des conséquences. « Sha’Carri Richardson connaissait les règles et les a enfreintes » était un refrain courant sur les réseaux sociaux, mais ces sentiments ne tenaient pas compte de sa santé mentale et émotionnelle, une réalité commune pour les athlètes féminines noires. Bien que Richardson ait utilisé de la marijuana pour le confort, l’Agence mondiale antidopage a décidé de la punir dans toute la mesure du possible, car elle est toujours considérée comme une drogue améliorant les performances. Les règles donnent l’impression que Richardson violait «l’esprit du sport», mais un examen plus approfondi révèle que l’établissement sportif, en particulier les Jeux olympiques, n’a jamais été juste envers les athlètes féminines noires.

La coureuse de haies américaine Brianna McNeal n’a pas pu participer aux Jeux olympiques de Tokyo car elle purge une suspension de cinq ans pour avoir manqué un test de dopage deux jours après avoir avorté. La championne de tennis Naomi Osaka a été vilipendée pour avoir choisi de se retirer des conférences de presse cet été, même si elle a déclaré que les questions d’après-match nuisaient à sa santé mentale. Elle s’est finalement retirée de Roland-Garros et de Wimbledon, bien qu’elle représente le Japon aux Jeux olympiques. Les sprinteurs namibiens Christine Mboma et Beatrice Masilingi ont toutes deux été interdites de participation au 400 mètres féminin aux Jeux de Tokyo parce que des tests médicaux ont indiqué qu’elles avaient « des niveaux naturellement élevés de testostérone ». La médaillée d’or olympique Simone Biles a établi un record en tant que première femme de l’histoire à exécuter le mouvement extrêmement dangereux de double carpé Yurchenko dans une compétition, mais les juges l’ont pénalisée pour avoir été si loin devant son concurrent. Discréditer les athlètes féminines noires est tout à fait normal dans le sport, car ces femmes ne correspondent pas aux normes de féminité de la suprématie blanche définies par les capacités des corps féminins blancs et cisgenres, ce qui laisse ces femmes se sentir socialement inadéquates.

Une étude de 2018 menée par la School of Global Journalism and Communication de la Morgan State University a même révélé les facteurs historiques et culturels qui entravent le succès et le respect des athlètes féminines noires. Souvent, leurs apparences l’emportent sur leurs capacités athlétiques à travers le prisme des médias, et ces notions ont un impact sur la façon dont ils commencent à se valoriser. Les athlètes féminines noires ne sont pas traitées comme des individus à traits multiples qui peuvent occuper différents rôles simultanément. Ils sont davantage traités comme des artistes de cirque unidimensionnels qui sont toujours censés monter un spectacle, peu importe ce qu’ils traversent ou à quel point ils sont battus par des commentaires durs, des punitions ou un examen minutieux. Nous avons vu comment les athlètes féminines noires sont traitées dans diverses organisations sportives par rapport à leurs homologues masculins et non noirs. Alors que des stars telles que LeBron James et Kyrie Irving sont reconnues pour leur plaidoyer en faveur de la justice sociale, les joueurs de la WNBA reçoivent peu ou pas de crédit pour avoir amplifié les mêmes causes. Pour les femmes athlètes noires, le racisme et le sexisme sont les déclencheurs sociaux qui les font apparaître comme des êtres invisibles dans les médias sportifs. En conséquence, ces athlètes sont confrontés à des critiques, à des inégalités, à un manque de soutien et à des attentes irréalistes qui sont tous devenus une partie normale de leur lutte en cours.

L’archétype fort de la femme noire prétend que les femmes noires sont anormalement fortes, résistantes, indépendantes et invulnérables. Parce que ces femmes sont physiquement fortes, on s’attend également à ce qu’elles ne s’inclinent pas sous le poids des attentes qui leur sont imposées. Ainsi, lorsqu’elles s’expriment, comme Richardson sur le deuil, Osaka sur la santé mentale et Serena Williams sur la mortalité gestationnelle, elles sont perçues comme des figures problématiques qui perturbent la culture du sport. L’industrie du sport n’a reconnu que récemment les athlètes féminines noires comme des leaders de protestation et des symboles de résistance, mais ces progrès ne suffisent pas à rectifier la façon dont elles ont été mises de côté dans le passé. Ces athlètes paient un prix lorsqu’il s’agit de maintenir leur réputation, notamment de devoir cacher leurs sentiments de peur d’être stigmatisés pour avoir de mauvaises attitudes ou d’être qualifiées de «femme noire en colère» – un trope contre lequel des femmes comme Serena Williams se sont battues. toute leur carrière. Le monde considère souvent les femmes athlètes noires comme un monolithe qui regarde, agissent et parlent d’une manière particulière, et sous le microscope du sport, elles sont soumises à un examen encore plus minutieux sous le regard des spectateurs blancs.

La plupart des Blancs, en particulier ceux des États-Unis, ne comprennent pas la relation entre les politiques antidrogue racistes et répressives et le sport. Ils ne s’intéressent pas à la politique de ce à quoi les athlètes noirs, en particulier les femmes noires, font face en dehors de leurs performances sportives. Ces fans de sport ne se soucient que de la vitesse à laquelle ils peuvent courir, de la distance à laquelle ils peuvent lancer et de la hauteur à laquelle ils peuvent sauter. Pourtant, même dans ces circonstances, il est difficile pour les athlètes féminines noires de dépasser leurs attentes sans être intimidantes dans une certaine mesure – c’est-à-dire disqualifier Richardson au sommet de sa carrière pour avoir utilisé une drogue qui est de plus en plus légalisée aux États-Unis ou punir Biles pour ses performances avancées. mouvements que ses concurrents ne peuvent pas reproduire. Malgré cela, quelqu’un comme Biles ne laisse pas la pression l’atteindre, même si elle s’est retirée de la finale par équipe aux Jeux olympiques de Tokyo. Lorsqu’on lui a demandé pourquoi elle continuerait à faire ses mouvements de haut niveau dans les compétitions, elle a simplement répondu : « parce que je peux. »

De nos commanditaires

Même avec tout ce que les athlètes féminines noires donnent à leurs sports, les médias ont une façon de faire tourner leurs récits. Cela est devenu clair après la médaille d’or historique de la nageuse olympique Simone Manuel en 2016. Au lieu de parler de sa performance exceptionnelle, les articles de presse se sont concentrés sur des sujets qui ont détourné l’attention de sa victoire. Une chaîne d’événements similaire est arrivée à la gymnaste Gabrielle Douglas en 2012 lorsque son apparence physique – et non ses deux médailles d’or olympiques – est devenue le principal sujet de discussion sur les réseaux sociaux. Dans le sport, les athlètes féminines noires peuvent exceller dans les plus grandes compétitions sportives internationales tout en recevant des réactions négatives en raison de la texture de leurs cheveux. « Tant que les athlètes féminines noires seront considérées comme » l’autre « , je douterai qu’elles obtiendront le genre de respect que nous voulons qu’elles obtiennent », Stella L. Hargett, PhD, professeur agrégé de sociologie et d’anthropologie à la Morgan State University, a déclaré L’Invaincu. « Cela ne veut pas dire qu’ils ne seront pas respectés. Plus les athlètes féminines noires deviennent dominantes dans le sport, plus elles sont susceptibles de devenir « l’autre ». Si tu parles de respect [for Black female athletes], ce respect sera toujours conditionnel.

Malgré les inconvénients auxquels les athlètes féminines noires sont confrontées, elles continuent de trouver des moyens de persévérer même face à l’adversité. La médaillée d’or Allyson Felix a été parrainée par Nike jusqu’à ce qu’elle tombe enceinte de sa fille, Camryn, en 2018. Son choix de fonder une famille, qu’elle a décrit comme « le baiser de la mort » pour les femmes dans l’industrie du sport, a conduit à son contrat étant terminé. Bien qu’elle ait initialement signé avec la marque parce qu’elle pensait qu’elle croyait sincèrement aux femmes et aux filles, son expérience lors des négociations de contrat l’a amenée à croire le contraire. « J’ai demandé à Nike de garantir contractuellement que je ne serais pas punie si je ne faisais pas de mon mieux au cours des mois entourant l’accouchement », a-t-elle écrit dans son 2019 New York Times éditorial. « Je voulais établir une nouvelle norme. Si moi, l’un des athlètes Nike les plus commercialisés, je ne pouvais pas obtenir ces protections, qui le pourrait ? » La requête de Felix était une question valable pour une marque qui semblait valoriser les contributions des femmes. « Ma déception ne concerne pas seulement Nike, mais la façon dont l’industrie du vêtement de sport dans son ensemble traite les athlètes féminines », a-t-elle ajouté. « Nous pouvons soutenir les marques que nous soutenons, mais nous devons également les tenir responsables lorsqu’elles nous commercialisent pour attirer la prochaine génération d’athlètes et de consommateurs. »

Comme beaucoup d’athlètes féminines, Felix est restée silencieuse sur les problèmes sociaux tout au long de sa carrière parce qu’elle pensait qu’elle devrait rester dans sa voie et faire son travail : remporter des médailles d’or. Mais sa grossesse était une chance pour elle de faire une différence, pas seulement pour elle-même, mais pour d’autres athlètes féminines. Le mois dernier, Felix a lancé sa propre marque conçue spécifiquement pour les femmes. Elle s’est également associée à son sponsor Athleta et à la Women’s Sports Foundation pour créer un programme de subventions destiné à couvrir les frais de garde d’enfants d’autres mères participant aux Jeux olympiques de Tokyo. Ses initiatives ont été fondées pour faire une déclaration forte : les athlètes féminines ne devraient pas avoir à attendre un parrainage majeur pour leur donner des opportunités. Ils ont déjà le pouvoir de créer leurs propres plateformes. Peu importe combien de gloire et d’honneur les athlètes féminines noires reçoivent, elles sont confrontées à une quantité égale de persécution. Mais ils n’abandonnent pas, même dans des environnements où le racisme et le sexisme règnent en maître. Ces athlètes courent toujours leur propre course, à leur propre rythme, pour leur propre satisfaction, tout cela pour prouver à quel point ils donnent aux sports qu’ils aiment plutôt qu’aux agences qui les dirigent.

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par Dara Mathis

26 juillet 2021

Une survivante conteste la maltraitance institutionnelle des enfants en se faisant passer pour une thérapie.