Chrissy Teigen assiste à la 62e cérémonie annuelle des Grammy Awards au STAPLES Center le 26 janvier 2020 à Los Angeles, Californie. (Photo par Frazer Harrison / Getty Images pour la Recording Academy)

En 2011, Courtney Stodden se préparait pour leur première apparition télévisée avec leur mari de 50 ans, Doug Hutchison. Stodden avait passé les trois jours précédents à s’affamer et à tenter – et, de leur propre aveu, à échouer – de se débarrasser de la pression d’être interviewé sur Bonjour Amérique par Lara Spencer. Les caméras ont capturé Stodden, 16 ans, en train de rebondir dans leur maison dans un haut de bikini à imprimé léopard et un short chaud, attirant l’attention loin de Hutchison et vers eux. L’interview portait sur leur virginité, si leurs seins étaient réels et s’ils avaient été soignés par Hutchison. En revanche, au cours de l’entrevue, l’engouement de Hutchison pour Stodden a été décrit comme venant au milieu de «l’épave de deux mariages ratés et d’un grave problème d’alcool. [where he] touché le fond. » Quand Spencer demande « Quel âge est trop jeune? » et mentionne la communauté en ligne qualifiant Hutchison de pervers, Stodden intervient avec des déclarations protectionnistes sur ceux qui l’ont blâmé pour la séduction illicite.

La prédation de Hutchison, bien que peinte comme une nouveauté, a continué un modèle d’acteurs hollywoodiens établis qui soignent de jeunes femmes. Brad Pitt, Jerry Seinfeld et Luc Besson – trois hommes avec une valeur nette combinée de plus d’un milliard de dollars – ont tous eu des relations très médiatisées avec des mineures. Et, bien que Hutchison n’ait pas une carrière aussi riche que ces hommes susmentionnés, Stodden – un véritable enfant – était toujours la cible de l’attention des médias. «Je sentais que je devais défendre Doug, et c’est à cela que servait cette interview», a récemment déclaré Stodden au Bête quotidienne. «C’était pour rendre Doug plus beau et lui donner l’impression qu’il n’était pas un prédateur. Bien que la puanteur de la perversion n’ait jamais quitté Hutchison, la redirection du blâme a été plus que réussie. ABC n’a fait aucune mention des dangers des menaces de mort et de leur association avec la hausse des taux de suicide chez les adolescents; au lieu de cela, ils incluaient des anecdotes sur la vie sexuelle de Hutchison et Stodden, plus de coups de sein, Stodden riant d’avoir été invité à se suicider et un intérêt partagé pour une émission de télé-réalité. La voix off de Spencer a exploré leur succès possible en raison d' »une ère de renommée à bas prix où la controverse peut être aussi commercialisable que le talent réel ».

Ce concept n’a pas été perdu en 2010 Maillot de bain Sports Illustrated Rookie of the Year, Chrissy Teigen et sa comeuppance au début du pouvoir tectonique des médias sociaux. Twitter, qui a apparemment commencé comme des pensées inoffensives et désinvoltes, est devenu la source de communication la plus puissante du monde moderne. D’août 2009 à août 2010, la base d’utilisateurs de Twitter a augmenté de 76 %, ce qui se traduit par 96 millions d’utilisateurs uniques. En février 2011, le même mois que celui de Stodden GMA interview – Le président égyptien Hosni Moubarak a été contraint de démissionner au milieu d’une révolution déclenchée en partie via Twitter. Et pourtant, pour la plupart (y compris Teigen), la responsabilité n’était guère prise en compte. Depuis qu’elle a créé son compte Twitter en 2009, Teigen a utilisé un ton sarcastique et effronté. Après avoir vu ses amis Kardashian passer de filles de magasin à un spécial de mariage télévisé aux heures de grande écoute, Teigen a tracé la voie vers la célébrité de la réalité, en utilisant des mots d’esprit et une désinvolture sur les réseaux sociaux pour propulser sa carrière. Et, à l’apogée de la sphère sociale de Perez Hilton et de l’album de retour de Britney Spears, Teigen, comme la plupart d’Hollywood, a compris la gratification associée à abattre d’autres célébrités, en particulier celles considérées comme «infâmes».

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Avoir une plate-forme publique n’a pas empêché les célébrités de s’engager dans le discours social toxique de Twitter : Teigen, Hilton, Rihanna et les Kardashian font partie du quart des Américains qui se sont lancés dans la pêche à la traîne. Ils ont reconnu que la pêche à la traîne engendre l’engagement et l’engagement engendre la renommée. Ainsi, en février 2011, alors que la roue de la controverse naissante se solidifiait, Teigen a lancé les tweets suivants:

Teigen n’était pas la seule à persécuter Stodden : elle a sauté dans un dangereux train en marche pour se rapprocher un peu plus de la gloire. Cependant, les trolls de célébrités sur Twitter, en particulier ceux qui sont sur le point de devenir la génération X et les milléniaux (ci-après dénommés « X-cuspers »), ont souvent ciblé les jeunes femmes, y compris Stodden. Alors que les jeunes générations reconnaissent notre présence en ligne comme une extension directe de notre réalité, les X-cuspers ont passé leurs années de formation loin de la force omniprésente encore à inventer des médias sociaux. X-cuspers – les premiers à adopter les médias sociaux – ont utilisé Twitter, Myspace et Facebook comme un exutoire détaché de la réalité. Leur rôle a contribué à façonner la façon dont nous utilisons Internet, établissant l’effet de désinhibition en ligne (ODE) répandu, tel que décrit par Filaire, où « les gens sont plus agressifs, grossiers et directs en ligne parce qu’ils sont anonymes et peuvent agir aussi désagréablement qu’ils le souhaitent sans conséquence immédiate ».

Les superstars X-cusper originales de l’application, Teigen inclus, ont reconnu que la célébrité et Twitter – une ligne directe vers leurs fans – sont intrinsèquement liés. Soudainement, un flux constant de pensées et de conscience était facilement accessible aux fans. Dans un article de 2015 pour Santé publique Arch, les chercheurs ont découvert que l’accès sans entrave affecte la « conception de soi », qui « inclut les pensées et les attitudes que les gens ont de leur moi réel, celles qu’ils aimeraient pour leur moi idéal et ceux qu’ils utilisent pour présenter leur moi social ». Pour les célébrités qui se présentent comme « racontables » à leurs fans, leurs tweets et leurs idées ont déclenché le « motif d’auto-cohérence » des fans, où le motif est de « maintenir son moi réel ». Teigen, l’une des reines de Twitter, a toujours utilisé ce type de relatabilité. Même ses excuses à Stodden comprenaient cette idée : « J’ai toujours essayé d’être aimé. »

Bien-aimé est un mot clé. Teigen ignore de qui elle est aimée ; au lieu de cela, elle comprend l’amour à travers l’engagement. le Santé publique Arch l’article cite les résultats de «trois études sur les interactions parasociales – les connexions unidirectionnelles que les fans établissent avec des personnalités des médias – les personnes ayant une faible estime de soi ont utilisé des relations de célébrités pour se rapprocher de leur moi idéal, un avantage que les personnes ayant une haute estime de soi tirent de leurs véritables partenaires. . » Ainsi, alors que la base de fans de Teigen augmentait, un engagement désagréable – à la limite de la cyberintimidation – était un comportement qui a trouvé une récompense. Teigen a elle-même été victime de cyberintimidation, notamment par Donald Trump, mais elle a perpétué le cycle avec du vitriol impardonnable. Bien que souhaiter la mort d’un adolescent soit particulièrement épouvantable, des célébrités du groupe démographique de Teigen ont intimidé des femmes plus jeunes en fanfare retentissante. En 2014, Rihanna a tweeté une photo de comparaison d’elle et d’une fan de 16 ans qui avait confectionné sa robe de bal en hommage à l’ensemble des Echo Awards 2010 de Rihanna. Rihanna a sous-titré la photo modifiée comme «Instagram vs Real Life» pour se moquer de la version de l’adolescent. La photo a été retweetée plus de 9 000 fois. Plus tard, elle a tweeté une image comparant le fan au logo du Wu-Tang Clan en utilisant le hashtag #PromBat.

En 2016, en réponse à la viralité de la vidéo Kardashian-Swift où le premier a fourni des « preuves » trafiquées de l’accord de ce dernier avec les paroles de Kanye West dans « Famous » (qui a ensuite provoqué une tempête de relations publiques), l’acteur Chloë Grace Moretz a tweeté « Tout le monde dans cette industrie doit sortir la tête du trou et regarder autour de lui pour se rendre compte de ce qui se passe RÉELLEMENT dans le monde RÉEL. » En réponse, Khloé Kardashian a publié une photo du vagin et de l’anus d’une femme anonyme révélée accidentellement. La photo, où la femme portait un bikini rouge, était incorrectement liée à Moretz. Kardashian a légendé la photo: « Est-ce le trou auquel vous faites référence @ChloeGMoretz ??? » Le vagin de la femme anonyme a reçu plus de 11 000 retweets. Kim Kardashian a également tweeté : « Accueillons tous @ChloeGMoretz sur Twitter, car personne ne sait qui elle est. ta housse en nylon est mignonne boo. Ni l’un ni l’autre n’a été supprimé, bien que Moretz soit un adolescent à l’époque.

De toute évidence, les innocents de la cyberintimidation peuvent rapporter de grands bénéfices, et même si nous nous déclarons éclairés, même le critique culturel le plus progressiste participe à cet écosystème. Même en 2021, nous nous retrouvons à séparer des enfants devenus célèbres ou infamants, dénonçant leurs actions comme s’ils étaient capables de prendre les décisions que nous attendons d’eux. Charli D’Amelio, un TikToker de 16 ans, a perdu un million d’adeptes et a fait face à d’innombrables menaces de mort après un test de goût d’escargots qui a mal tourné. Dans la vidéo, Charli dénonce le plat d’une manière qui pourrait être mieux décrite comme «bratty». Et, bien que ce ne soit pas un comportement idéal à mettre en évidence et à transmettre aux fans, parfois les jeunes de 16 ans agissent de manière agaçante comme des gosses – on ne devrait pas leur dire de mourir. Alors que de nombreuses personnes sont choquées par les remarques de Teigen, nous devons nous rappeler que sa barbarie inacceptable a été agréablement accueillie par une société qui se hait d’elle-même coincée dans une boucle de malveillance constante. Plus important encore, nous devons nous rappeler que la société aime toujours attaquer les adolescentes, considère rarement l’impact de la prédation hollywoodienne si le prédateur est sympathique, et « Internet n’est pas écrit au crayon… c’est écrit à l’encre ».

Lisez ceci ensuite: Avons-nous besoin d’un test de Bechdel féministe noire? Moya Bailey le pense.

par Mary Retta

19 mai 2021

Nous avons besoin de plus de féministes noires partout.

Zakiya Dalila Harris, auteur de L’autre fille noire (Photo credit: Nicole Mondestin)

Dans son premier roman, L’autre fille noire, Zakiya Dalila Harris examine le racisme, la microagression et le tokenisme à travers le prisme de l’industrie de l’édition obsédée par l’optique. Harris, qui travaillait auparavant en tant que rédactrice adjointe chez Penguin Random House, apporte des connaissances de première main et un scepticisme conscient à un roman d’horreur psychologique contemporain sur l’industrie qu’elle connaît de fond en comble. Au cours des deux dernières années, Nella Rogers, 26 ans, a été assistante éditoriale chez Wagner Books, une maison d’édition d’élite qui a utilisé sa main-d’œuvre aveuglément blanche pour créer une liste de livres très importants. Nella est la seule assistante noire de Wagner; bien qu’elle soit ambitieuse et travailleuse, elle se sent comme si elle était au point mort dans sa carrière. Nella craint de ne jamais être promue au poste de rédactrice adjointe, car elle plaide ouvertement pour que son entreprise devienne plus inclusive. Perturber le statu quo dans «un environnement de mesquinerie et de jeux de pouvoir» garantit presque qu’elle ne gravira jamais les échelons de carrière.

Lorsque Wagner engage Hazel-May McCall – l’autre fille noire – une rédactrice en herbe née à Harlem, Nella pense qu’elle a gagné un allié de bureau. La patronne de Hazel, une rédactrice très estimée du nom de Vera, a critiqué Nella, lui disant même: «J’aurais aimé que vous mettiez la moitié de vos efforts dans ces réunions sur la diversité extrascolaires pour travailler sur les exigences fondamentales. Peu de temps après l’arrivée de Hazel, cependant, Nella risque de perdre à la fois son travail et sa santé mentale lorsque Hazel utilise une campagne calculée de duplicité et de manipulation pour la transformer en une paria de bureau. Nella commence également à recevoir des notes anonymes qui la poussent à quitter son emploi. Qui veut sa sortie – et pourquoi? Le malheur suit Nella alors qu’elle tente de découvrir l’identité de l’expéditeur de la note. Au fil du temps, Nella se rend compte que Hazel est plus qu’une simple feuille de personnage; en fait, sa loyauté est alignée sur les mêmes systèmes oppressifs que Nella se bat pour démanteler. La descente déconcertante de Nella dans la paranoïa ressemble au film de Jordan Peele en 2017 Sortez, mais L’autre fille noire a une fin troublante qui traite la résilience comme une ressource finie en danger de s’épuiser.

La représentation par Harris du monde de l’édition n’est ni malhonnête dans sa satire ni exagérée dans sa critique du racisme libéral blanc. Le contrôle de l’industrie a déjà été documenté, mais les critiques ont atteint leur paroxysme à la suite du meurtre de George Floyd en mai 2020. Le hashtag viral #PublishingPaidMe met en lumière les disparités raciales de longue date de l’industrie, en particulier en ce qui concerne les avancées apportées aux auteurs. Dans l’ensemble, les progrès accordés aux Noirs et aux non-Noirs de couleur sont généralement inférieurs à ceux accordés aux auteurs blancs. Une telle disparité incarne le double standard des personnes marginalisées qui doivent travailler deux fois plus dur pour obtenir la moitié moins que leurs pairs blancs. Par exemple, l’auteur à succès Roxane Gay a obtenu un Avance de 15000 $ pour 2014, acclamée par la critique Mauvaise féministe. Cela contraste nettement avec les auteurs blancs qui reçoivent plus souvent des avances à six chiffres, en particulier en ce qui concerne les débuts publiés par les grandes maisons d’édition. Compte tenu de l’oppression systémique à laquelle elles sont confrontées, il n’est pas surprenant que de nombreuses femmes de couleur dans l’édition se retrouvent désillusionnées et épuisées. Et les femmes noires comme Nella qui résistent au rôle d ‘«animal de compagnie» font face à l’ostracisation et aux représailles.

De cette façon, l’arrivée de Hazel expose les profondeurs sinistres de la suprématie blanche. Son tour de talon est une incarnation exagérée de la phrase: «Tous les skinfolk ne sont pas des parents.» Qu’y a-t-il de plus effrayant qu’un méchant qui prétend penser comme vous et vous ressemble? Hazel, qui a des locs et porte une ambiance «très Erykah-rencontre-Issa», s’avère être un cheval de Troie. Elle valide d’abord puis nourrit le sentiment d’isolement de Nella au travail. Lors d’un déjeuner en dehors du bureau, Nella fait allusion à la façon dont les microagressions deviennent une forme d’éclairage au gaz. Elle se demande: «Suis-je juste folle? Est-ce que je réagis de manière excessive? » Enhardie par la validation de Hazel, Nella dénonce diplomatiquement une caricature raciste dans le roman de fiction de Colin Franklin – la vache à lait de Wagner Books – sur la crise des opioïdes en Amérique centrale. La seule protagoniste noire du roman, Shatricia, est une héroïnomane de 19 ans et mère célibataire de cinq enfants. Lorsque Nella exprime ses inquiétudes au sujet de la représentation de Shatricia lors d’une réunion avec Franklin et Vera, il devient défensif et accuse Nella de le qualifier de raciste. La réaction de Franklin est une fragilité blanche maximale, et le faux pas de Nella devient le gain de Hazel, lui permettant de passer rapidement du statut d’humble de l’autre fille noire à l’enfant d’or du bureau. Dans le processus, Hazel détruit efficacement le bien-être mental et la réputation professionnelle de Nella, la préparant pour la prochaine étape du sinistre plan de Hazel.

L’autre fille noire arrive pendant une renaissance de l’horreur noire: bien que des films tels que Antebellum (2020) et Mauvaise chevelure (2020) et des émissions de télévision telles que Amazon Prime Video Eux et HBO Pays de Lovecraft, ont été critiqués pour une série de faux pas flagrants, Sortez ainsi que Peele’s Nous (2019) évitent certaines de ces mêmes erreurs. Des classiques tels que Ganja et Hess (1973), Candyman (1992), et Contes du capot (1995) a ouvert la voie à Peele, s’adressant directement au public noir et positionnant la blancheur comme une allégorie de la destruction. Satire d’horreur de Wes Craven Les gens sous les escaliers (1991), que Peele envisage de refaire et de produire, est également cité par la critique comme un film d’horreur sociopolitique qui réussit à déconstruire la gentrification et la suprématie blanche. Plutôt que d’employer une narration maladroite et de se concentrer sur l’éducation du public, ces films d’horreur sociale acclamés ne définissent pas la noirceur uniquement dans le contexte de la victimisation. Les meilleures offres du genre poussent au-delà de la valeur de choc de la brutalité à l’écran et confrontent les «terreurs existentielles» qui surgissent dans une société suprémaciste blanche.

L’autre fille noire n’exploite pas le traumatisme et n’inclut pas la violence gratuite. Au lieu de cela, le suspense au niveau hitchcockien du récit intensifie l’horreur de l’expérience de Nella. Comme l’écrit Hannah Giorgis dans un article pour L’Atlantique à propos de Eux, « Cela compte comment les créateurs déploient la violence, pas seulement si elle existe. » L’autre fille noire maîtrise ceci: Au début, les méchants de l’histoire semblent clairement définis, mais Hazel se révèle être une infiltrée qui conspire spécifiquement contre Nella. Elle est capable d’entrer dans la tête de Nella – et dans l’esprit des autres femmes noires – grâce à une tactique unique de contrôle de l’esprit qui dissout leur moralité et leurs convictions personnelles. Utiliser les soins capillaires des femmes noires comme outil de lavage de cerveau n’est pas un dispositif narratif bizarre ou impensable, en particulier lorsque les soins capillaires sont une industrie de 2 milliards de dollars. Dans la vraie vie, certains produits de soins capillaires noirs sont nocifs, voire mortels. Une étude menée en 2018 par des chercheurs du Silent Springs Institute et du Battelle Memorial Institute a découvert un lien entre les ingrédients toxiques dans les produits de soins capillaires noirs populaires et les maladies liées aux hormones et à l’asthme.

L’autre fille noire par Zakiya Dalila Harris (Crédit photo: Atria Books)

De cette façon, L’autre fille noire– tout comme les autres horreurs noires – transforme le racisme en une entité vivante. Par exemple, il y a une scène déchirante dans Sortez où Chris (Daniel Kaluuya) est montré assis en silence sur une chaise, les larmes coulant sur ses joues, alors qu’il est entraîné dans un emprisonnement conscient connu sous le nom de «Sunken Place». Comme Peele a tweeté, «The Sunken Place signifie que nous sommes marginalisés. Peu importe à quel point nous hurlons, le système nous fait taire. L’utilisation par Peele du collectif «nous» délimite le héros du film, Chris, des monstres, Rose Armitage (Allison Williams) et sa famille. The Sunken Place est devenu un raccourci pour décrire les Noirs perpétuellement perdus dans la sauce de la suprématie blanche, et L’autre fille noire représente le lieu englouti comme un état de conscience induit par l’endoctrinement. Dans l’acte final du livre, Hazel avoue qu’elle fait partie d’une organisation nationale dédiée à cibler les créatifs noirs réussis et intelligents et à leur laver le cerveau pour les rendre plus agréables et moins «menaçants» pour leurs collègues blancs.

Elle brise alors Nella en lui promettant: «Ça va vous submerger si vite, vous ne le sentirez même pas. Vous ne ressentirez pas la douleur, la suprématie blanche…. Vous nagerez jusqu’au sommet et serez libre. » Pourtant, cette liberté n’est pas un cadeau; c’est une forme de captivité. L’autre fille noire ne se termine pas sur une note festive; personne n’est sauvé et Nella n’est pas la fille finale. Hazel et l’organisation anti-noire anonyme revendiquent une autre victime, permettant au cycle de sabotage et d’abus de se poursuivre. Comment les femmes noires peuvent-elles déjouer un système programmé contre nous? Comment pouvons-nous être libres alors que la liberté est parfois au mieux un luxe et au pire une affaire faustienne? Le roman de Harris n’offre pas de réponses simples mais amplifie au contraire le mythe infatigable de la méritocratie de notre pays. La disparition obsédante de Nella sert de récit édifiant, et comme les tueurs les plus prolifiques de l’horreur, les monstres réels et métaphoriques de L’autre fille noire rester insensible à la mort.

Lisez ceci ensuite: «L’autre fille noire» verbalise l’horreur du racisme sur le lieu de travail

par Evette Dionne

28 mai 2021

Zakiya Dalila Harris met une lentille sociale contemporaine sur l’horreur de son livre.

Grace Perry, auteur de Les années 2000 Made Me Gay: Essais sur la culture pop (Crédit photo: Kort Havens)

Il y a la télévision pour adolescents avant Joie, et puis il y a la télévision pour adolescents après Joie. Permettez-moi de prendre une grande inspiration caricaturale. D’accord. Prêt.

Joie est une démonstration de contradictions. C’est à la fois Kidz Bop et un sexy GQ pli central (Kidz Bop pour les adolescents excités, un juste milieu en effet). C’est à la fois sarcastique et sincère; à la fois conscient de soi et minutieusement naïf; tous deux parsemés de monologues lapidaires se moquant des enfants sourds et trempés de monologues sableux implorant les adolescents d’être eux-mêmes. C’est une émission qui exige des suspensions gigantesques d’incrédulité de la part de ses téléspectateurs. La grande étendue de Joie est un slog à endurer. Et puis, l’un de ces cornballs de chorale de spectacle dira quelque chose qui vous semble si fidèle à vous-même à 16 ans, vous ressentirez une envie irrésistible de journal. Joie est à la fois bon et surtout mauvais.

Et pourtant, j’ai regardé les saisons deux à quatre en temps réel, chaque semaine. Je ne suis pas meilleur que Joie. Et, aussi ennuyeux que cela puisse paraître à admettre, Joie a changé le jeu de représentation des enfants queer à la télévision, ce qui, à son tour, a changé le jeu réel des enfants queer à la télévision. Que vous aimiez ou détestiez ou ignoriez totalement le phénomène culturel de Joie, on ne peut nier que c’était une émission de télévision très gay. Je veux dire, c’était une série sur les enfants de la chorale de spectacles apprenant à être eux-mêmes – comment est-ce possible? De son pilote, le glee club de McKinley High School est ridiculisé, d’une manière oh-so-aughts, pour être, comme, si putain de gay: les gars du football l’appellent «explosion homo», la pom-pom girl Quinn Fabray (Dianna Agron) appelle Rachel Berry (Lea Michele) «RuPaul» et l’ancien superviseur du club, Sandy Ryerson (Stephen Tobolowsky), drapent des chandails pastel sur ses épaules et jure il a une petite amie à distance à Cleveland.

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Compte tenu de la richesse comparative des histoires LGBTQ racontées à la télévision et au cinéma maintenant, il est facile de tenir pour acquis à quel point l’attention Joie payé ses gosses gays. Nous regardons un personnage gay, Kurt Hummel (Chris Colfer), sortir avec un père de la classe ouvrière aimant et solidaire. Nous regardons Blaine Anderson (Darren Criss) avoir le béguin et tomber amoureux, s’embrasser pour la première fois et perdre leur virginité l’un pour l’autre – ce que nous avons vu des enfants hétérosexuels faire depuis des décennies Les belles années et Dawson’s Creek et Les lumières du vendredi soir. Nous regardons les filles passer de la connexion désinvolte à la résolution de leurs sentiments confus pour devenir des petites amies.

Mais JoieLa pure gaieté n’est pas ce qui a changé le jeu; sa rentabilité a fait. Joie a été un succès retentissant dès le départ: le pilote a attiré 9,62 millions de téléspectateurs et les épisodes ont été en moyenne à peu près identiques tout au long de la première saison. Toute télévision narrative est dans une certaine mesure de la fantaisie. Une partie de ce fantasme implique des dragons et des loups-garous et l’inceste; d’autres sont des représentations graveleuses d’adolescents britanniques de la classe ouvrière constamment sous MDMA. Joie, certainement, est un fantasme. Un monde où les gosses gays sont au top et où tout le monde a des timbres de calibre Broadway et une piste d’accompagnement est un fantasme évident, de par sa conception. Les fantasmes sont essentiels, oui, et les histoires de masse ont le pouvoir de faire avancer les choses sur les questions sociales, de changer la conversation, de façonner la culture. Ils nous donnent de l’espoir, une perspective et des amis que nous n’aurions peut-être pas la chance de connaître autrement. Mais les moments où ces fantasmes se heurtent à nos réalités décevantes sont vraiment douloureux.

Telle est la caractéristique déterminante des milléniaux gays: nous chevauchons les pré-Joie et post-Joie mondes. Nous sommes allés au lycée quand fagot n’était même pas considéré comme un mot F, alors qu’être lesbienne signifiait que les garçons ne voulaient tout simplement pas de vous, alors qu’être non binaire n’était même pas une option éloignée. Nous avons grandi sans personnages queer dans nos dessins animés ou nos sitcoms Nickelodeon ou Disney ou TGIF. Nous avons grandi dans l’homophobie, avons grandi à mesure que le monde changeait autour de nous et élevons des enfants à une époque où il n’a jamais été aussi facile d’être des parents de même sexe. Nous sommes à la fois chanceux et jaloux. Au fur et à mesure que l’état des homosexuels évoluait culturellement et politiquement, nous étions assez vieux pour le voir et le traiter et ne pas le prendre pour acquis – assez vieux pour savoir à quoi ressemblait le monde sans lui. Malgré le succès de Course de dragsters, l’existence de comédies romantiques lesbiennes de Noël et de nominés aux Oscars ouvertement transgenres, nous ne sommes pas sortis du traumatisme de grandir dans une culture qui nous déteste. Nous ne passez d’un traumatisme, vraiment. On ne peut pas vraiment le laisser dans le passé. Cela devient une partie de nous, et nous allons de l’avant avec lui.

Les années 2000 Made Me Gay: Essais sur la culture pop par Grace Perry (Crédit photo: St.Martin’s Griffin)

Pour les milléniaux LGBTQ, notre fierté repose sur des souvenirs douloureux d’une culture repoussée et effrayée par la queerness. Cela nous rend nerveux. Cela nous rend bruyants. Cela nous fait craindre que tous ces progrès, toute cette tolérance, tous les looks du tapis rouge de Billy Porter puissent disparaître aussi vite qu’ils sont apparus. Cela nous rend frustrés par ceux qui n’évolueront pas sur d’autres problèmes sociaux – les soins de santé, les inégalités de revenus, le changement climatique – aussi vite que nous les avons vus changer d’attitude sur l’homosexualité. Cela nous rend optimistes ou avides, selon à qui vous demandez. Nous avons faim, impatience et envie. Cela rend les milléniaux gays profondément ennuyeux pour beaucoup de gens. Nous avons une supériorité particulière sur les brutes et les fanatiques de nos jeunes. Nous Gagné, après tout, nous sommes du bon côté de l’histoire. Bien que cette voix persiste, tapie, un parasite dans nos esprits, s’exprimant à de rares occasions pour demander: Et si ces connards avaient raison, cependant?

Je ne pense pas que cette position signifie que les milléniaux queer sont plus forts que les générations futures ou intrinsèquement plus progressistes que les générations plus âgées. Malgré mon éducation catholique, je ne crois pas que la douleur ait une valeur morale essentielle. Mais notre double existence nous donne un point de vue unique. C’est le problème d’être un millénaire queer: il ne s’agit pas de s’améliorer de manière linéaire, mais de maintenir ensemble un passé douloureux et un avenir optimiste, un dans chaque main, en même temps.

Depuis les années 2000, Made Me Gay de Grace Perry. Copyright 2021 par l’auteur et réimprimé avec la permission de St. Martin’s Publishing Group.

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par Jenna Mahale

14 mai 2021

«Tout le monde est assez désordonné, tout en étant très bien intentionné.»

Lena Waithe comme Denise, à gauche, et Naomi Ackie comme Alicia dans Maître de Aucun (Crédit photo: avec l’aimable autorisation de Netflix)

La deuxième saison de Maître de Aucun—Une émission créée par l’acteur et comédien Aziz Ansari — a démontré que les hommes peuvent être plus doux et émotionnellement disponibles lorsqu’ils abandonnent la masculinité toxique. En décrivant les relations platoniques de Dev (Ansari) et en explorant des histoires sur la solitude et les processus émotionnels, Maître de Aucun était une bouffée d’air frais. La réputation d’Ansari en tant que féministe masculine innovant notre compréhension de la masculinité, cependant, a pris un énorme coup en 2018 lorsqu’une femme l’a accusé de la forcer à avoir des relations sexuelles. «Grace» a allégué qu’Ansari avait ignoré ses signaux verbaux et non verbaux alors qu’il la poursuivait agressivement dans son appartement après un rendez-vous. Les allégations contre Ansari ont certainement empiré Maître de Aucun: Ce qui était auparavant un véhicule merveilleux pour Ansari, qui avait été classé comme personnage secondaire pendant la majeure partie de sa carrière, a été entaché à cause de ses actions.

La troisième saison de Maître de Aucun, sorti le 23 mai, détourne clairement l’attention des controverses de son leader, mettant en lumière Denise (Lena Waithe) et sa femme Alicia (Naomi Ackie) alors que nous suivons leur relation amoureuse – du bonheur domestique à la rupture – à travers un style cinématographique beaucoup moins frénétique que les saisons précédentes. La plupart des cinq épisodes de la saison se déroulent dans une maison du pays, où Denise et Alicia construisent leur vie ensemble, plutôt qu’à New York. Comme pour montrer que les personnages ont mûri, la cinématographie est plus lente, plus poétique et cinématographique plutôt que centrée sur le récit et les personnages. La caméra s’attarde, par exemple, sur différentes parties de la maison et comment elles changent en fonction de ce qui arrive aux personnages. Dev n’apparaît que quelques fois à l’écran pour offrir un soutien émotionnel.

Ce décentrage du personnage d’Ansari est quelque peu choquant: alors que Dev était auparavant caractérisé comme un homme capable de traiter émotionnellement et de se connecter profondément, cette saison, il apparaît simplement comme la confidente de Denise, ne révélant pas grand-chose sur sa vie ou sur les personnages précédents de la série. Denise écrit son deuxième livre en descendant du sommet d’une première acclamée par la critique, et Alicia travaille dans un magasin d’antiquités. Il y a des moments de bonheur domestique où les deux femmes se déplacent dans les mouvements quotidiens de vivre ensemble joyeusement, dansant en pliant le linge et en ayant des conversations nocturnes insensées au lit. S’il est clair que Denise et Alicia ont de la chimie, elles finissent par se retrouver dans une impasse: Alicia veut être mère, mais Denise ne sait pas si la parentalité est dans les cartes pour elle. Ce conflit expose l’indisponibilité émotionnelle de l’émission: Denise n’est pas disposée à avoir une conversation honnête avec Alicia au sujet de ses réserves.

En fait, Denise n’est jamais vraiment partante pour des conversations honnêtes sur les émotions: on a presque l’impression que les silences entre le couple sont censés en dire beaucoup, mais nous ne comprenons jamais vraiment pourquoi Denise est si indisponible pour sa femme. Le résultat est que Maître de Aucun perd l’un de ses éléments les plus convaincants: l’honnêteté émotionnelle sans faille qui était si présente dans les saisons précédentes. C’est peut-être pourquoi le quatrième épisode, qui se concentre sur les tentatives d’Alicia de subir une fécondation in vitro par elle-même, se démarque des quatre autres. Après une fausse couche qui catalyse sa rupture avec Denise, Alicia est déterminée à avoir un bébé seule et à ne pas laisser son rêve d’avoir une famille dépendre d’un partenaire. Le parcours d’Alicia détaille les difficultés de la fécondation in vitro en solo, un choix reproductif fait par un nombre croissant de personnes atteintes d’utérus, et le remarquablement talentueux Ackie ne se retient pas de dépeindre les réalités émotionnelles et logistiques de l’entreprise d’Alicia – parmi lesquelles l’énorme les frais de FIV (et les polices d’assurance maladie queerphobe qui refusent souvent de la couvrir) et les conséquences émotionnelles et mentales que la procédure peut supporter pour ceux qui la subissent.

Après qu’Alicia ait compris comment aller de l’avant avec le processus, elle a du mal à se donner une injection d’hormone sous-cutanée. À la recherche d’un soutien, elle appelle sa mère qui vit au Royaume-Uni pour obtenir de l’aide, exprimant à quel point elle se sent seule à ce moment-là. Dans une scène qui illustre à la fois la solitude d’Alicia et l’amour et le soutien de sa mère, ils parlent du processus d’injection jusqu’à ce qu’elle soit suffisamment à l’aise pour se faire vacciner. C’est un moment qui rappelle la proposition originale de l’émission. Contrairement aux parents qui passent par la FIV ensemble, Alicia est responsable de tout: financer le processus, s’injecter, se rendre à la clinique pour les procédures et travailler. Dans les moments volés lors de ses quarts de travail au magasin vintage, Alicia se fait des injections d’hormones et reçoit des nouvelles du cabinet du médecin, surmontant tout cela principalement par elle-même, avec le soutien d’amis et de la famille à qui elle parle au téléphone. Le message persistant est que prendre le contrôle de votre vie en vaudra la peine, mais cela peut aussi être solitaire, difficile et plein de hauts et de bas.

Le voyage FIV d’Alicia est la meilleure partie de Maître de AucunLa nouvelle saison parce qu’elle rappelle au spectateur ce que la série représentait autrefois: les joies et les difficultés de vivre une vie pleine d’émotions. Le changement de rythme et de portée de la série est certainement intéressant – et parfois la cinématographie est vraiment merveilleuse à regarder – mais c’est aussi quelque peu choquant et remarquable d’éloigner le récit de Dev étant donné le contexte des allégations contre Ansari. L’indisponibilité émotionnelle de Denise est également déconcertante. C’est presque comme si Ansari et Waithe ne voulaient plus être honnêtes avec leur public à travers les personnages que nous avons appris à les connaître. En ce sens, le scénario d’Alicia ressemble à celui qui sauve la série d’elle-même.

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par Andréa Becker

20 avril 2021

Emily JH Contois nous donne le langage et le contexte historique d’un phénomène omniprésent que nous avons tous sûrement remarqué.

Illustration par Simone Noronha

« SYNDROME IMPOSTER » est souvent citée comme un obstacle à la promotion des femmes et des personnes de couleur à des postes de direction dans la technologie, malgré un nombre croissant de preuves montrant que les raisons de l’écart persistant de leadership entre les sexes et la race sont multiformes. Inventé par les psychologues Pauline R. Clance et Suzanne A. Imes en 1978, le terme décrit un schéma psychologique consistant à douter de ses propres réalisations ou compétences malgré des niveaux élevés de réussite. Utilisé sans critique, le syndrome de l’imposteur impose à ceux qui le vivent la tâche de le réparer, favorisant un écosystème qui met à l’écart les femmes et les personnes de couleur avant même de tenter de gravir les échelons truqués de l’entreprise. Deuxième roman de Kathy Wang, Syndrome de l’imposteur, utilise un amusant jeu de chat et de souris pour satiriser le bouc émissaire de la Silicon Valley.

Julia Lerner est la directrice des opérations du remplaçant Facebook de l’histoire, Tangerine, et c’est exactement le genre de cadre qui donnerait un TED Talk sur le syndrome de l’imposteur. En tant que directeur de l’exploitation, Lerner marche sur la corde raide, équilibrant le fait d’être une épouse, une mère et une défenseure publique des femmes dans la technologie. Voici la tournure: Lerner est également une espionne russe, alors même si elle «dénonce publiquement l’inégalité entre les sexes», elle est aussi «calmement le flambeau».[ing] le chemin de toute femelle montante à Tangerine. L’appropriation par Lerner du langage progressif et la militarisation de la féminité blanche critique habilement le spectacle de fumée et de miroirs des initiatives de diversité technologique. Menant une double vie, Lerner est flanquée des restrictions tout aussi sexistes qui régissent la Silicon Valley et l’agence russe dont elle fait rapport, cette dernière soulignant de manière évocatrice ces problèmes dans la première.

Bien que l’intrigue d’espionnage fournisse les tensions les plus impérieuses du roman, elle extériorise également les problèmes éthiques auxquels la technologie est confrontée d’une manière qui minimise les risques locaux qu’ils posent à ses utilisateurs. Par exemple, une grande partie des problèmes liés à la confidentialité de l’industrie de la technologie peuvent être attribués à des modèles commerciaux qui reposent sur la collecte et la vente d’informations sur ses utilisateurs et qui donnent la priorité à l’engagement par rapport à la précision. Ces faux pas ont conduit à la prolifération de fausses informations sur des questions d’intérêt public, telles que le nouveau coronavirus, qui pose un risque plus immédiat que les espions russes infiltrant la Silicon Valley. Alice Lu, diplômée du MIT âgée de 35 ans et fille d’immigrants chinois de la classe ouvrière, est une jeune ingénieure chez Tangerine travaillant dans le support technique. En tant que l’une des rares femmes ingénieurs couleur de l’entreprise, Lu marche sur sa propre corde raide alors qu’elle tente maladroitement de défier les stéréotypes racistes et sexistes qui entravent sa carrière.

La corde se rétrécit après que Lu attrape Lerner en utilisant le mode Dieu – une fonction qui donne aux dirigeants de Tangerine accès aux informations de toutes les utilisateurs de l’application et que Tangerine ment sur le démantèlement pour courber les abus – et se débat avec le dilemme moral de signaler Lerner ou de garder son travail. Malgré une intrigue convaincante, le personnage de Lu reste terriblement plat. Alors que Wang décrit soigneusement les enjeux de ses personnages, elle n’interroge pas leurs motivations. Mémoire 2020 d’Anna Wiener, Uncanny Valley, est un prédécesseur spirituel du roman de Wang qui offre également un portrait brûlant de l’excès de la Silicon Valley. Comme Lu et Lerner, Wiener a du mal à trouver sa place dans l’industrie de la technologie, et elle écrit franchement qu’elle est une travailleuse technologique non technique mais bien rémunérée. Elle décrit également comment sa blancheur, ses illusions personnelles et ses justifications artificielles lui ont permis de continuer à travailler et à bénéficier du secteur malgré des expériences humiliantes et d’exploitation, évitant un récit de transformation individuelle qui sous-tend la façon dont les entreprises ont redéfini le syndrome de l’imposteur.

En 2020, Timnit Gebru, responsable technique de l’équipe Ethical IA de Google, a co-écrit l’article «Sur les dangers des perroquets stochastiques: les modèles de langage peuvent-ils être trop grands?» Le document critique les systèmes d’intelligence artificielle à grande échelle – une source importante de revenus pour Google – et la façon dont ces systèmes extraient sans discernement autant de données textuelles d’Internet que possible, y compris les propos racistes et les discours de haine. Les programmes qui s’appuient sur cette technologie, conclut l’article, risquent de perpétuer les mêmes biais. L’intelligence artificielle étant intégrée à l’éducation, à la santé et à la police, ces programmes peuvent avoir un impact extrêmement négatif sur la vie des femmes et des personnes de couleur. Jeff Dean, responsable de l’intelligence artificielle chez Google, a demandé à Gebru de retirer son nom du journal, arguant qu’il «ne s’était pas réuni [their] barre de publication. » Lorsqu’elle a refusé, Google l’a renvoyée. Le travail révolutionnaire de Gebru s’attaque à l’un des problèmes les plus urgents de la technologie tout en comprenant implicitement les enjeux de l’exclusion. Son désir de rendre des entreprises telles que Google plus responsables envers leurs utilisateurs les plus vulnérables change beaucoup plus de paradigme que les motivations des protagonistes de Wang, qui désirent farouchement conserver la vie qu’ils ont construite pour eux-mêmes. Bien que le lecteur puisse sympathiser avec les personnages de Wang, leurs désirs reflètent toujours le solipsisme myope de l’industrie, une pathologie avec laquelle la technologie n’a pas encore pleinement pris en compte.

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par Andi Zeisler

20 mai 2021

La misogynie n’a pas été inventée par les applications de rencontres. Il a simplement été armé par eux.

fille en rouge (Crédit photo: Jonathan Kise)

Le monde commence à rouvrir, car les gouvernements locaux adhèrent à des directives fédérales douteuses sur la levée des mandats de masques. Pitchfork, Lollapalooza et d’autres festivals musicaux bien-aimés ont publié leur programmation de concerts d’été et un coup d’œil sur Instagram donne l’impression que la pandémie est terminée. C’est une période déroutante mais pleine d’espoir alors que la société revient lentement à une vie normale de style prépandémique. Comme toujours, la musique offre une évasion indispensable de la confusion de notre époque, et ces albums ont certainement amélioré le mois dernier.

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Lisez ceci ensuite: Tous grandis

par Elly Belle

12 mai 2021

Il y a une maturité évidente dans leur nouvelle musique.

Donkey et Shrek dans Shrek (Crédit photo: DreamWorks)

Le film de 2001 Shrek commence par une main invisible ouvrant un livre doré. Ses pages remplies de calligraphies racontent l’histoire d’une belle princesse assiégée qui a été sauvée par le baiser du véritable amour. La plupart d’entre nous reconnaissent ces images et ce scénario comme un élément de base de la marque de princesse Disney, une tradition qui a commencé avec Blanche-Neige et les sept nains, le premier long métrage d’animation du studio. C’est aussi l’archétype qui Shrek– le conte animé d’un ogre adorable et incompris – exploite dans ses premiers instants. La torsion dans Shrek vient immédiatement après que la voix off écossaise de Mike Meyers ait terminé l’histoire. Nous voyons une main verte épaisse pénétrer dans le cadre. «Comme si cela n’arriverait jamais», grogne la voix, déchirant la dernière page du livre alors que la scène passe à une dépendance dans un marais, où notre protagoniste est sur le point d’utiliser la fin du conte de fées pour essuyer son gros cul vert. Je t’ai eu!

Renverser le genre des contes de fées était une notion intelligente, sinon totalement nouvelle à l’époque, et Shrek conserve encore une grande partie de son charme ironique 20 ans plus tard. Les arguments selon lesquels le film n’est pas drôle parce qu’il repose sur l’humour du pot pour ses gags semblent contrecarrés par l’hilarité permanente et démocratique de l’humour de pot lui-même. Cette critique générale ignore également certains des moments les plus sophistiqués du film, y compris une parodie parfaite de la balade gaie de Disneyland Small World et de l’humour effronté et référentiel et du timing parfait de son morceau Muffin Man. Mais plus important encore, les critiques décroissantes passent à côté de la façon dont le film nous donne un regard en arrière sur un moment spécifique entre l’ère de l’ironie et le moment où nous vivons maintenant. Vingt ans plus tard, Shrek marque le carrefour entre un monde de la culture pop dans lequel le simple fait de reconnaître un problème vous a valu une tape dans le dos et un tir à la Palme d’Or, et un dans lequel nous sommes censés travailler continuellement pour éradiquer les maux systémiques qui nous retiennent. tous de retour.

Pour revendiquer, comme une opinion récente et très méprisée Le gardien fait ça Shrek «Encourager une attitude destructrice et savoir-tout à l’égard des classiques qui font que tout engagement sérieux avec eux semble être une perte de temps», c’est lui donner à la fois trop et pas assez de crédit. Contes de fées fracturés, des courts métrages animés qui satiraient maladroitement ces histoires bien-aimées, ont fait leurs débuts en 1959 sur Le Rocky et Bullwinkle spectacle, engendrant un nouveau genre de classiques pour enfants retournés sur leur tête. Suggérant que Shrek pionnier cette tradition moderne n’est pas exacte; bien sûr, il a poussé l’enveloppe avec son cadrage et son ton, mais à cet égard, il était solidement dans le zeitgeist de son temps. Pourtant, le prétendre comme totalement inconnu vend également le court métrage. Shrek lui-même est un personnage nuancé avec des couches, comme un oignon, si vous voulez, et le sous-texte du film considère le rôle des archétypes de contes de fées dans notre imaginaire collectif.

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Les questions qu’il pose – à qui «appartient» nos histoires? Et qui pourrait exploiter sa tradition culturelle à des fins financières et culturelles? – sont sincères et superposés même en extrayant l’humour de ces mêmes archétypes. Bien sûr, chaque fois que nous invoquons «les classiques» avec une révérence silencieuse, tout en les opposant à une version contemporaine «dépréciée», nous ignorons la réimagination historique constante que ces histoires ont toujours subie. Walt Disney lui-même a entrepris de recadrer les contes sombres et souvent violents des frères Grimm pour un public américain moderne; les Grimms, quant à eux, avaient adapté leur contes de traditions folkloriques orales beaucoup plus bavardes et désordonnées de leur Allemagne natale. Comme l’écrit Jack Zipes dans l’introduction de son Les contes de fées complets des frères Grimm (1986), les frères ont librement «éliminé les éléments érotiques et sexuels qui pourraient être offensants pour la morale de la classe moyenne, ont ajouté de nombreuses expressions et références chrétiennes, [and] a mis l’accent sur des modèles de rôle spécifiques pour les protagonistes masculins et féminins selon le code patriarcal dominant. »

En d’autres termes, il n’y a jamais eu de version pure et définitive de ces histoires, et elles n’ont jamais été épargnées par des points de vue spécifiques ou des arrière-pensées. Il n’y a donc vraiment aucune raison de se tordre la main pour qu’ils soient bâtardés par Mike Meyers et Smash Mouth au début du 21e siècle. Pour toutes ses blagues de pet et son ironie effrontée, Shrek en fait Est-ce que se fonder sur de sérieuses critiques des maux de la société, le capitalisme tardif et la marchandisation de la beauté étant ses principales cibles. Sa torréfaction du complexe industriel Disney est à l’avant-plan, et en renversant la mythologie de la princesse, le film défie implicitement des hypothèses de longue date sur qui mérite une fin heureuse. C’est également extrêmement efficace pour amener le spectateur de son côté de l’argument. Lorsque Lord Farquad (John Lithgow) remplace les créatures de contes de fées réelles et désordonnées par des représentations nettes et vides de la perfection, nous nous enracinons pour les créatures déplacées et prions pour l’échec de Farquad.

Lorsque la princesse Fiona (Cameron Diaz) se débat avec sa propre relation avec les normes culturelles de la beauté, se jugeant elle-même et, par extension, son compagnon de voyage, nous avons de l’empathie pour son haine de soi intériorisée et aspirons à la voir se libérer de son emprise. Mais remettre en cause le statu quo est toujours un piège: en signalant les problèmes de la société, vous attirez également plus d’attention sur eux, un cycle qui peut amener le problème même que vous cherchez à critiquer à être mis en lumière et renforcé. Nous voyons cela aujourd’hui dans la manière dont la «positivité corporelle» peut en fait redéfinir les paramètres de la beauté d’une manière qui culpabilise les femmes. ne pas se sentir «positif» à propos de leur corps – ainsi que peaufiner les arguments de vente pour les produits coûteux et inutiles afin que «l’amour de soi», plutôt que l’insécurité ou la honte, entraîne nos dollars. Vous pouvez voir le statu quo politique dangereux renforcé chaque jour sur Twitter, où les retweets réflexes d’extrémistes violents ou de wackjobs de QAnon ne font que porter plus d’attention à leurs revendications toxiques. («Regardez comme c’est stupide!» Nous pleurons alors que nous fournissons une plate-forme en constante expansion pour leur message.)

Et Shrek n’est pas à l’abri de ce piège, notamment parce qu’il refuse de prendre quoi que ce soit – même ses propres arguments – trop au sérieux. Cela signifie que ça ne dérange pas de virer vers les archétypes mêmes qu’il semble, au premier abord, embrouiller, surtout quand cela devient opportun sur le plan narratif. La princesse Fiona obtient la fin de son conte de fées, l’implication étant que des fins heureuses sont accessible à tous s’ils restent dans leurs couloirs. Les personnes grosses et laides sont heureuses ensemble, mais seulement parce qu’elles se révèlent maintenant toutes les deux laides et grosses. Il était peut-être possible qu’une telle tournure cynique passe plus ou moins inaperçue il y a deux décennies, mais c’est un message qui ne passe plus. Tout comme d’autres films, encore plus récents, qui déforment les lieux de conte de fées ou de romance mais retombent finalement sur des hypothèses néfastes, telles que Accident ferroviaire (2015) ou Passagers (2016), des films comme Shrek peut être lu comme cynique, voire opportuniste. Après tout, Shrek lui-même a engendré une franchise multifilm, une comédie musicale de Broadway et près de 300 millions de dollars de ventes de marchandises.

Ainsi est Shrek un bon film? Oui. Est-ce un film drôle? Enfer Oui. Est-ce que ça réussit comme satire? Partiellement. Résiste-t-il à l’examen minutieux des normes actuelles du statu quo qui défie les médias? Absolument pas. Et honnêtement, ça va. C’est formidable que nous vivions à une époque où un nombre croissant de personnes, en particulier les jeunes, reconnaissent que la classe milliardaire, le féminisme des filles et le mouvement de positivité corporelle peuvent renforcer les notions toxiques de culture, de travail et de beauté. C’est fantastique que nous commencions à aller au-delà de la représentation symbolique ou des messages corporatisés d’amour de soi. Shrek était un film de son temps, et en tant que tel, il avait les bons instincts mais une exécution qui ne assez résister à l’épreuve du temps. Non pas parce que ce n’est pas drôle (ça l’est), et pas parce que ce n’est pas sur la bonne voie (c’était), mais parce que le monde a dépassé sa position de retrait ironique et a évolué vers une politique plus engagée et transformatrice. Bien sûr, il est responsable d’une surabondance de restitutions saccharines de «Hallelujah» de Leonard Cohen, et peut-être pour cette seule raison, il mérite d’être jugé à La Haye. Mais sur tous les autres points, je choisis de voir Shrek dans son contexte et ses limites et appréciez-le pour ce qu’il est: des blagues de pet et tout.

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par Dejan Jotanovic

21 avril 2021

C’est un film qui chatouille les absurdités du passé et, ce faisant, a réussi à déterminer les malheurs de notre avenir.

Emily Kuroda comme Mme Kim (à gauche), Keiko Agena comme Lane Kim et Alexis Bledel comme Rory Gilmore dans Gilmore Girls: une année dans la vie (Crédit photo: Netflix)

Dans le générique d’ouverture de Gilmore filles, Carole King chante: «Si vous êtes sur la route, que vous vous sentez seul et si froid / Tout ce que vous avez à faire est d’appeler mon nom, et je serai là dans le prochain train. Depuis deux ans, je suis en campagne électorale, passant d’un État à l’autre afin de gagner une Maison Blanche et un Sénat démocratiques. Pendant de longues heures à appeler les électeurs à froid, j’ai gardé la télévision allumée comme bruit de fond. En tant qu’organisatrice, je me suis appuyée sur l’émission de télévision féministe du début des années 2000 Gilmore filles pour m’aider à me sentir réconforté et en sécurité. Quand j’étais sur la route et que les électeurs me disaient de me perdre (ou en utilisant un langage un peu plus coloré), je me suis ancré dans Stars Hollow.

En tant que femme sud-asiatique élevée dans une culture à l’esprit vif par une mère brillante et drôle, Gilmore filles«La dynamique mère / fille qui parle vite m’a rappelé la maison. Bien que je trouve du réconfort dans Gilmore filles, la représentation de la culture sud-asiatique dans le spectacle est tout sauf réconfortante. Les personnages de la série font des remarques désinvoltes sur ma culture et ma maison, la situant comme étrange, étrangère et rebutante. Peu de choses capturent cette dynamique ainsi que l’épisode de la saison 2 «There is the Rub». Lorelai Gilmore (Lauren Graham), la matriarche aux yeux bleus de l’émission, se plaint du choix de sa fille Rory (Alexis Bledel) de plats à emporter indien. «Oh, vous commandez la nourriture indienne…. Pouvez-vous brûler la maison après? Parce que c’est la seule façon d’éliminer l’odeur. Plus tard dans l’épisode, la même blague raciste et périmée est à nouveau jouée lorsque Jess (Milo Ventimiglia), l’intérêt amoureux de Rory, dit: «Vous prévoyez d’incendier la maison après? La seule façon de tuer l’odeur!

Le trope de la «nourriture malodorante pour les immigrants» est une épithète raciale courante, lancée non seulement contre les Indiens, mais aussi contre les membres d’autres communautés américano-asiatiques. Les enfants américains d’origine asiatique rencontrent souvent des commentaires racistes de la part de leurs camarades de classe – à tel point que l’expérience de se moquer de nos repas faits maison a été surnommée « le moment de la boîte à lunch. Cette expérience va au-delà de l’heure du repas et s’applique également aux corps américains d’origine asiatique. Vous vous souvenez du professeur de l’Université de Houston qui, il y a deux ans, a jugé approprié de dire à ses étudiants que la soi-disant «forte odeur corporelle» des étudiants sud-asiatiques l’offensait? Ou ce barman, qui a raconté son histoire d’avoir été renvoyé de son travail pour avoir «senti le curry?» L’idée que la nourriture et le corps des Sud-Asiatiques «sentent mauvais» est un stéréotype nuisible utilisé pour humilier, marginaliser et discriminer la communauté dans son ensemble.

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Compte tenu du contexte culturel tendu qui situe la nourriture sud-asiatique, les commentaires jetables sur «brûler la maison» ne semblent plus drôles ou inoffensifs. Au mieux, ces blagues sont insensibles, et au pire, elles indiquent un manque de respect profondément problématique pour les Américains sud-asiatiques. Si Lorelai et Jess étaient de vraies personnes, je leur expliquerais que la nourriture de cultures inconnues peut sentir mauvais pour tout le monde – que l’odeur de la viande peut rendre les végétariens à vie nauséeux et que l’odeur des produits laitiers peut être déconcertante pour de nombreux Asiatiques. Je leur dirais que malgré leur conviction que la nourriture indienne a une odeur désagréable, il est incroyablement irrespectueux de rejeter la cuisine de toute une culture, surtout compte tenu des dommages que le stéréotype de la «nourriture des immigrants malodorante» cause à la vraie vie des Américains sud-asiatiques.

Mais, bien sûr, Lorelai et Jess sont des personnages fictifs. Et, en théorie, Lorelai ne devrait pas avoir besoin d’apprendre la tolérance et le respect pour les communautés américano-asiatiques – du moins, pas sur la base de la compréhension et de l’empathie qu’elle démontre régulièrement envers les autres personnages. Tout au long de la série, les téléspectateurs voient Lorelai interagir avec amour avec la communauté coréenne américaine avec laquelle elle vit, y compris la meilleure amie de Rory, Lane Kim (Keiko Agena). Lorelai et Rory assistent à des événements culturels coréens avec Lane, sont amicaux avec la famille coréenne élargie de Lane et encouragent même Lane à rester connectée à sa culture coréenne dans les moments où elle remet en question sa relation avec elle. Lorelai et Rory embrassent chaleureusement Lane, sa mère Mme Kim (Emily Kuroda) et leurs voisins coréens. (Il convient de noter que le personnage de Lane Kim a été écrit dans la série basé sur la vie de Gilmore filles producteur, Helen Pai.)

Alors qu’Agena et Kuroda sont d’origine japonaise, le spectacle a veillé à ce qu’ils dépeignent respectueusement la communauté coréenne américaine. Les parents de Pai ont été amenés à entraîner Kuroda sur son portrait de Mme Kim, y compris ses compétences en coréen. L’émission a maintenu des consultants coréens au moins jusqu’à la saison 6, principalement afin de dépeindre avec précision le mariage bouddhiste coréen traditionnel de Lane. Le portrait de Lane a été annoncé comme une victoire pour la représentation des Américains d’origine asiatique à l’écran. Cela dit, même le portrait de la famille Kim peut être troublant. Lane et Mme Kim servent de repoussoirs à Rory et Lorelai, mais alors que le scénario de Rory consiste à atteindre une éducation de la Ivy League et à poursuivre ses rêves professionnels, le scénario de Lane se termine par le décrochage de Lane, la grossesse inattendue et l’abandon de ses rêves musicaux. Les fans désapprouvent massivement l’arc de caractère de Lane et se demandent pourquoi le personnage blanc américain parvient à vivre ses rêves, alors que les rêves de son amie asiatique américaine sont ignorés. Les créateurs de l’émission ont apparemment fait des efforts pour représenter la communauté coréenne de Lane avec respect – mais l’arc de Lane dit aux fans asiatiques que leurs espoirs et leurs rêves n’étaient pas une priorité.

De cette façon, Gilmore filles est une contradiction en soi: c’est une émission qui veut aimer sa distribution américaine d’origine asiatique tout en se délectant d’un humour anti-asiatique insipide – une émission qui a essayé de bien représenter les Asiatiques mais qui n’a jamais tout à fait donné à la tâche son dû. je trouve Gilmore filles réconfortant en tant que fille et autonomisant en tant que femme, mais comment puis-je être réconforté et valorisé par une émission dont le féminisme supposé ne parvient pas à être vraiment intersectionnel d’une manière qui déclenche mes propres expériences personnelles de racisme? Bien que certains fans rejettent les problèmes de la série parce que beaucoup de son temps incluait des sentiments anti-asiatiques, elle est toujours assez populaire pour résonner – à tel point que Netflix a relancé la série en 2016. Cela signifie également que le message de l’émission continue d’avoir un impact sur la compréhension du public. monde qui les entoure et reflètent le fanatisme de longue date des Américains. C’est pourquoi le racisme occasionnel de l’émission – ainsi que l’homophobie, la transphobie et la fatphobie – ont particulièrement touché ses fans marginalisés.

Je pourrais dire que c’est facile d’aimer Gilmore filles parce que ses blagues anti-indiennes et le traitement global des personnages asiatiques sont si petits et insignifiants qu’ils ne causent pas vraiment de douleur – mais ce n’est tout simplement pas vrai. J’ai eu mes propres moments de boîte à lunch; Des colocataires blancs m’ont insinué que la maison de ma famille sentait mauvais; J’ai fait moquer ma nourriture et ma culture jusqu’à ce que je me sente trop petite et trop seule pour manger en public. Les blagues de Lorelai et Jess sur la cuisine indienne ne sont pas insignifiantes pour moi, et je rejette l’idée que les Américains d’origine asiatique doivent minimiser le racisme qui nous est lancé afin de s’assimiler à la culture américaine blanche, même en ce qui concerne les médias que nous consommons. Après Atlanta, après tout ce que nous avons vécu en tant que communauté, cette idée est morte. Nous ne prétendons pas que ces fouets ne piquent pas.

J’adore ce spectacle sans céder ma fierté, et j’y trouve du réconfort sans en écarter les implications actuelles. Malgré l’inspiration, l’amour et la sécurité dans une émission féministe blanche, en tant que femme de couleur aux États-Unis, je suis obligée de naviguer dans les nuances de complexité enracinées dans toutes les façons dont les femmes blanches comme Lorelai Gilmore peuvent nous nuire. Lorelai Gilmore est une chanoine démocrate, mais c’est aussi une femme blanche avec des préjugés raciaux. Les femmes comme Lorelai peuvent aimer une personne marginalisée comme moi ou comme Lane, mais elles sont à quelques pas d’aimer et de comprendre ma communauté dans son ensemble – et cela fait mal viscéralement. Comme Gilmore filles, la féminité blanche en Amérique est cette contradiction très réelle dans les termes.

En tant qu’organisatrice, on m’a appris à rencontrer des gens là où ils se trouvent, et de nombreuses femmes blanches sont au même endroit que Lorelai Gilmore. Même si cela me fait encore mal dans la vraie vie d’essayer de les rencontrer là-bas, je peux le faire en toute sécurité dans les médias que j’aime et dans le dialogue communautaire que je construis autour de cela. Aimant Gilmore filles m’apprend à aborder le lieu où se trouvent les femmes blanches, à valoriser ce qu’elles apportent à la table de la solidarité féministe, tout en reconnaissant en même temps les dommages qu’elles causent à ma communauté. Être un fan sud-asiatique de Gilmore filles me permet de m’entraîner à être une féministe de couleur aux côtés de femmes blanches qui pensent aimer les Américains d’origine asiatique, mais qui ont en réalité un très long chemin à parcourir.

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par Marina Watanabe

19 février 2021

Pour comprendre le reconditionnement ringard de Joss Whedon sur les droits envers les femmes et leur corps, il ne faut pas chercher plus loin que le sous-texte de «Buffy contre les vampires».

Amy Adams comme Anna Fox dans La femme à la fenêtre (Crédit photo: Melinda Sue Gordon)

L’adaptation de Joe Wright du roman 2018 d’AJ Finn, La femme à la fenêtre, n’est pas particulièrement bon, mais il présente un thriller intéressant sur les oppressions existant à l’intersection du handicap et du genre. Le film, sorti sur Netflix le 14 mai après plusieurs retards de distribution, suit Anna (Amy Adams), une psychologue pour enfants agoraphobe vivant dans un somptueux brownstone de New York avec un locataire vivant dans son appartement au sous-sol. Anna n’a pas quitté sa maison depuis des années, donc sa connexion principale avec le monde extérieur passe par l’observation des gens devant ses fenêtres. Nous apprenons très tôt qu’elle est «séparée» de son mari et de son enfant, qu’elle prend de nombreux médicaments psychiatriques, qu’elle boit beaucoup et qu’elle surveille de près les nouveaux voisins suspects qui ont récemment emménagé de l’autre côté de la rue.

Bien que l’intrigue soit simple, elle prépare le terrain pour une série d’événements horribles qui se déroulent alors que les avertissements d’une femme handicapée sont ignorés à plusieurs reprises. Situé presque entièrement dans la maison d’Anna, La femme à la fenêtre se sent parfois comme une pièce de théâtre, et pas seulement à cause du cadre relativement statique. Le jeu d’acteur est également un peu surmené et excessivement démonstratif, Adams, en particulier, le martelant pour la caméra d’une manière qui se déroulerait bien sur scène, mais qui n’est pas aussi efficace sur le film. Il y a parfois le sentiment que toutes les personnes impliquées ont eu l’impression de devoir suragir pour compenser le cadre claustrophobe alors qu’Anna passe à nouveau de la chambre à la cuisine, puis au couloir. Mis à part la suraction, le film a un sentiment persistant de tension et de danger constant amplifié par une échelle de temps accélérée et une partition inquiétante.

Alors que l’obsession d’Anna pour ses nouveaux voisins s’approfondit, elle est témoin de violence et de cris alors que le mari, Alistair Russell (Gary Oldman), abuse de sa famille. Elle entraîne son locataire dans ses théories selon lesquelles la femme, Jane (Jennifer Jason Leigh, mais aussi Julianne Moore – plus à ce sujet dans un instant), et son fils, Ethan (Fred Hechinger), sont en difficulté. Elle appelle la police plusieurs fois lorsqu’elle entend des cris ou pense que quelqu’un est dans son appartement, mettant en place un point central de l’intrigue: personne ne croit ses rapports, et plus elle sonne l’alarme, plus ils sont dédaigneux. Après tout, c’est une femme sous traitement psychiatrique qui vit avec son chat, donc la police la traite d’abord avec pitié puis comme une nuisance: peu fiable, hallucinante et tourmentée par les théories du complot. Un grognement de vérité, de mensonges et de tromperie émerge, ce qui est certainement familier à Daniel Mallory (l’homme derrière «AJ Finn»), un auteur qui a perpétré une série d’escroqueries vraiment sauvage et expansive.

Le locataire d’Anna se moque d’elle, la rabaissant pour son incapacité à quitter la maison. Mais elle est confinée à la maison pour des raisons qui sont utilisées tout au long du film pour saper sa fiabilité – cette «séparation», par exemple, était un accident de voiture mortel avec Anna au volant qui a tué son mari et sa fille. Les conversations que nous pensons avoir avec son mari sont en réalité des conversations avec elle-même. Le récit de la «femme voit quelque chose de terrible et est ignoré quand elle appelle à l’aide» est un trope de la culture pop qui remonte à Cassandra, la voyante qui a averti de la chute de Troie dans Eschylus. Orestia. Mais c’est plus stratifié et complexe dans ce cas: au lieu d’être appelé folle, Anna est littéralement malade. Elle a un trouble anxieux si grave qu’elle peut à peine se résoudre à ouvrir sa propre porte, sans parler de sortir, et est connue dans tout le quartier comme un enfermé.

Anna était un choix calculé et brillant de protagoniste pour un thriller en partie parce que les téléspectateurs sont prédisposés à ne pas la croire; elle est la quintessence d’une femme tragique et hystérique – le genre de personnage qui est facile à ignorer et qui devrait être une victime plutôt qu’une héroïne. Rejeter les voix des femmes sous prétexte qu’elles sont «folles» est trop courant, ce dont les femmes atteintes de maladie mentale dans le monde réel sont très conscientes lorsqu’elles se surveillent elles-mêmes afin d’être prises au sérieux. Ceux qui souffrent d’agoraphobie et d’autres conditions mal comprises et souvent moquées deviennent souvent la cible de blagues et la cible de commentaires grossiers et méprisants. Anna n’est pas différente; elle est aux prises à la fois avec les difficultés de sa condition – comme essayer et échouer de sortir de la maison pour aider Jane ou se sentir impuissante à agir lorsque les enfants lui enfoncent la maison à Halloween – et le refus des gens autour d’elle de la croire. Une policière la regarde avec pitié alors qu’elle insiste sur le fait que la femme juste en face d’elle n’est pas Jane parce que Jane a été assassinée.

Tout ce qu’Anna dit est radié, notamment parce que Jane (Moore) semble bien vivante. Ceci est utilisé comme une preuve supplémentaire de l’état dérangé d’Anna, mais il s’avère que la vérité est plus compliquée. La femme qu’Anna connaît sous le nom de Jane était en fait quelqu’un d’autre – la mère biologique d’Ethan (Leigh), qui a en effet été assassinée par Ethan. Le dénouement du film implique qu’Ethan poursuit Anna à travers la maison après avoir tué son locataire, et une lutte acharnée entre les deux se termine avec Anna jetant Ethan à travers une lucarne en légitime défense. En ce moment, elle est validée et justifiée, la police exprimant des remords de ne pas l’avoir prise au sérieux, et un changement stylistique dramatique alors qu’Anna entre dans une nouvelle vie. L’éclairage change, les arbres apparaissent et les derniers instants du film – dans lesquels Anna émerge de sa maison vide au soleil – est un moment symbolique de transition pour un personnage qui a enfin trouvé la paix.

Cette fin ordonnée est tout à fait un changement par rapport au reste de l’interaction réfléchie du film sur le handicap, les attitudes sociales et les conséquences. L’agoraphobie, les formes particulièrement sévères, ne peut être guérie en évitant la mort aux mains d’un adolescent meurtrier. En effet, cette catharsis apparente renforce l’idée préjudiciable qu’il est possible de simplement «sortir» d’une anxiété et d’un traumatisme graves. La femme à la fenêtre explore le handicap de manière intime, mais revient finalement à un statu quo culturel. Le film ne touche pas non plus à un élément racial: une femme de couleur souffrant de maladie mentale, peu importe sa richesse, quelle que soit la beauté de sa maison, ne serait pas traitée comme elle est et serait beaucoup plus susceptible de finir par mourir. une rencontre avec la police.

Étant donné que beaucoup de La femme à la fenêtre parle de l’intériorité et du voyage d’Anna, il pourrait être difficile d’introduire ce fil, mais pas nécessairement impossible, d’autant plus que le mari et l’enfant d’Anna étaient noirs. Alors que le film explore les façons dont les femmes atteintes de maladie mentale sont marginalisées, il est essentiel de reconnaître que l’expérience de la maladie mentale est influencée non seulement par le sexe, mais aussi par la race. En tant que récit sur la façon dont nous traitons les femmes, en particulier les femmes atteintes de maladie mentale, La femme à la fenêtre réussit presque. Mais à la fin, il s’effondre dans sa hâte de revenir en terrain familier et le désir de terminer l’histoire sur une note positive qui consiste à s’échapper de la prison de la maison, laissant les femmes dans ces positions se sentant encore plus isolées et solitaires. qu’avant.

Moya Bailey, auteur de Misogynoir transformé: résistance numérique des femmes noires (Crédit photo: avec l’aimable autorisation de l’auteur)

Aujourd’hui, le mot «misogynoir» – utilisé pour décrire l’intersection spécifique du racisme et du sexisme auquel les femmes noires sont souvent confrontées – est utilisé familièrement dans tous les types de contextes académiques, culturels et occasionnels. Mais lorsque Moya Bailey, chercheuse et professeure adjointe à l’Université Northeastern, a inventé le terme pour la première fois dans sa thèse en 2008, puis l’a utilisé dans ses écrits sur le Crunk Feminist Collective Blog tout au long des années 2010, elle n’aurait pas pu prédire sa popularité grand public. Dans son nouveau livre, Misogynoir transformé: résistance numérique des femmes noires, Bailey examine en profondeur les histoires et les manifestations contemporaines de la misogynie raciste envers les femmes noires dans les médias, en analysant tout, des séries Web YouTube et des archives Tumblr aux femmes noires à Hollywood. Grâce à une combinaison de recherches approfondies et de critiques culturelles nuancées, Bailey analyse comment diverses formes de médias ont soutenu, troublé et transformé le misogynoir. Chienne a parlé à Bailey de son nouveau livre, Les femmes noires dans les médias, et si le misogynoir peut être transformé en quelque chose de significatif.

Vous avez d’abord écrit le mot «misogynoir» dans votre mémoire. Qu’avez-vous ressenti pour que le terme devienne viral? Comment le fait d’avoir un mot pour décrire l’intersection entre le racisme et la misogynie a-t-il changé votre étude et vos conversations sur le racisme et le sexisme?

Lorsque j’ai écrit «misogynoir» dans ma thèse, il me semblait nécessaire d’essayer de décrire des représentations négatives de femmes noires uniquement ciblées. Je n’y pensais pas au-delà de la thèse en soi. Je l’ai simplement utilisé sur le blog de Crunk Feminist Collective quand j’étais membre de ce collectif, et d’autres membres du collectif l’ont vraiment repris et [it went] De là. Quand il est devenu viral, j’ai été très surpris. C’est ce sentiment étrange et mixte d’excitation que les gens trouvent le mot utile, et puis aussi juste une tristesse extrême que le mot doive être utilisé si souvent. En tant qu’étudiant diplômé, j’ai vraiment eu l’impression que la vraie bourse d’études se produit lorsque vous êtes professeur. Je me sens donc habilité à certains égards à savoir que l’érudition, en termes de création de choses utiles aux gens, ne vient pas toujours de l’académie ou de la tour d’ivoire. J’espère que cela donne aux autres le sentiment qu’ils peuvent également créer les termes et le langage dont ils ont besoin.

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Chaque chapitre du livre examine une forme différente de médias sociaux tels que Twitter, YouTube et Tumblr. Pourquoi avez-vous décidé d’examiner le misogynoir à travers ces médiums?

J’ai été l’un des premiers à adopter de nombreuses plates-formes; J’étais sur Twitter quand il y avait très peu de monde sur Twitter. Parce que c’était un si petit groupe, cela a permis à beaucoup de femmes noires sur Twitter qui étaient des utilisatrices régulières de se connecter les unes aux autres. J’étais l’un des premiers amis Twitter et un adepte de Janet Mock, alors j’ai vu les #GirlsLikeUs se développer et se déplacer en temps réel. Étant également une personne queer noire à Atlanta, je connaissais certaines des personnes qui étaient sur ces émissions Web YouTube que j’ai examinées dans le livre. Tout cela a créé une opportunité pour moi de plonger d’une manière que je me sentirais moins à l’aise de faire si j’avais travaillé avec des communautés auxquelles j’avais moins d’accès ou de connexion.

Dans le texte, vous parlez de l’utilisation des médias sociaux par les femmes noires comme forme de réduction des méfaits. Pensez-vous que des plates-formes comme Twitter fonctionnent toujours comme une réduction des risques de la même manière aujourd’hui qu’elles le faisaient lorsque vous vous êtes joint pour la première fois il y a des années?

Absolument pas. Je suis fou de voir à quel point les choses ont changé en un laps de temps relativement court. Il n’y a pas le sentiment de communauté sur Twitter ou la plupart des formes de médias sociaux et de hubs Internet qui existaient auparavant. Sur le plan social, nous évoluons à un rythme toujours plus rapide et il ne semble pas y avoir le type de réflexion qui existait il y a encore quelques années. Les médias sociaux peuvent encore fonctionner comme une réduction des méfaits pour les femmes noires aujourd’hui, mais pas de la manière dont ils le faisaient auparavant, et pas aussi systématiquement. Je pense qu’il y a quelque chose de vraiment merveilleux à entrer en contact avec des personnes auxquelles vous n’auriez pas accès autrement, qui ont vos valeurs similaires. C’est l’une des choses que j’aimais à propos de Tumblr: c’était un site où vous pouviez avoir beaucoup d’affinités avec quelqu’un autour de différentes émissions, et toutes les choses que vous pourriez imaginer. Il y avait toujours de la place pour trouver quelqu’un qui aimait ce que vous aimez.

Dans votre chapitre sur Tumblr, vous écrivez que les personnes qui utilisent cette plate-forme «sont capables d’avoir une conversation qui crée les réseaux nécessaires pour lutter contre cette misogynie raciste anti-Noir à la fois en ligne et hors ligne». Pourquoi pensez-vous que cela se produisait spécifiquement sur Tumblr?

Sur de nombreuses plateformes de médias sociaux, tout est tellement organisé que les gens n’ont pas l’expérience de gérer un conflit, puis de grandir et d’en revenir. Comme Tumblr était un site un peu plus ancien, ce n’était pas autant le cas. L’un des récits du texte est une conversation avec Danielle Cole qui avait un Tumblr [called] «Lutte pour être entendu.» L’une des choses dont ils parlent est d’être invoquée autour du privilège de la peau claire et d’avoir cette conversation pour la première fois sur Tumblr, où ils ont vraiment pu apprendre. [from] et le comprendre. À ce moment-là, il y avait ce sentiment que les gens pouvaient avoir des conflits et que les choses pourraient même s’aggraver, mais que les gens pourraient en revenir et apprendre. Les gens pourraient s’excuser. Il y avait plus de place pour des façons plus nuancées d’interagir les uns avec les autres, issues du sentiment d’une communauté Internet plus petite où nous nous sentions tous connectés. Malheureusement, ces types de conversations ne se produisent pas très souvent sur les plateformes de médias sociaux de ce moment. Il semble que les gens soient radiés beaucoup plus rapidement qu’ils ne l’auraient été auparavant, et l’idée de savoir qui est inclus dans notre communauté est beaucoup plus difficile.

Vous faites une distinction nette entre les femmes noires et les féministes noires dans votre livre, et vous utilisez Lena Waithe comme exemple d’une femme noire qui assume souvent des rôles ou réalise des films qui perpétuent le misogynoir. Pensez-vous qu’introduire davantage de féministes noires à Hollywood pourrait aider à combattre le misogynoir?

Nous avons besoin de plus de féministes noires partout. [Hollywood and other] Les industries ont des problèmes profondément ancrés et les féministes noires ne seront pas en mesure de renverser complètement le système hollywoodien tant que nous n’aurons pas eu une conversation sur le renversement complet du capitalisme et des moyens de production. Mais plus de féministes noires à Hollywood changeraient définitivement ce que nous voyons à l’écran. Avec une politique féministe noire, il y a certaines choses qui deviennent importantes pour le travail et d’autres choses que nous ne tolérerions pas dans un récit. Par exemple, il y a cette vieille idée d’un test de Bechdel qui sert à décider s’il y a une qualité qui rachète un film: deux femmes se parlent-elles d’autre chose que d’hommes? C’est une barre très basse, et les féministes noires seraient en mesure de la relever. Un film féministe noir pourrait dire: Voici des personnages féministes qui ont des relations qui n’ont absolument rien à voir avec les hommes, qui s’intéressent aux questions qui vont au-delà de l’amour romantique, qui vivent en dehors d’un modèle de succès hétéronormatif voire homonormatif et qui sont toujours prospère. Les féministes noires à Hollywood créent la possibilité de modèles de possibilités qui vont au-delà de ce que nous avons accepté comme statu quo.

Vous avez un chapitre particulièrement intéressant sur la construction du monde dans les séries Web queer Black YouTube. Pourquoi pensez-vous qu’une construction du monde aussi efficace se produit sur YouTube?

Cela a beaucoup à voir avec les barres basses pour l’entrée. Sur YouTube, cela ne coûte rien de mettre votre série Web sur la plate-forme, et vous pouvez la produire et la modifier vous-même. Ces émissions rassemblent vraiment un public important car les gens ont tellement faim de se voir à l’écran. Nous devons faire attention à ne pas romancer les choses que nous fabriquons nous-mêmes. Ce n’est pas parce que nous faisons l’expérience du misogynoir que nous sommes à l’abri de sa reproduction. Dans ces séries Web YouTube, je vois plusieurs belles façons dont le misogynoir est mis au défi en termes de types de corps qui sont positionnés comme de beaux défis indirects au colorisme et de discussions sur des sujets tels que la violence domestique. Dans le même temps, il peut y avoir des tropes problématiques de masculinité toxique qui apparaissent encore, et le misogynoir peut être reproduit de la manière dont des personnages plus féminins sont traités dans ces émissions. Sur YouTube, le misogynoir est à la fois contesté et maintenu.

Il y a tellement de potentiel dans ce qui se passe en ligne. Je vais dire quelque chose de peut-être controversé: Mésaventures de la fille noire maladroite est mieux que Précaire. Il y a quelque chose qui était possible avec YouTube en tant que lieu qui n’est pas le même à Hollywood, même s’il existe un budget et une plate-forme plus importants. Des choses ont été perdues dans la traduction. Même si Hollywood donne plus d’accès aux créateurs noirs, de nombreuses restrictions sont souvent mises en place de manière créative.

Votre livre est intitulé Misogynoir transformé. Pourquoi avez-vous décidé d’écrire sur la transformation du misogynoir et non sur sa destruction? À quoi ressemble la transformation du misogynoir?

Je pensais beaucoup à l’énergie. Il y a tellement d’énergie dans la haine des femmes noires; c’est actif et c’est très puissant. J’ai une formation scientifique et j’apprécie vraiment l’idée que l’énergie n’est ni créée ni détruite. Ce n’est pas comme si le misogynoir disparaissait, car je ne pense pas que vous puissiez détruire cette énergie. Mais je réfléchis à la façon dont vous pouvez le transformer pour qu’il devienne quelque chose d’utile. Comment transformez-vous toute cette haine en autre chose? Je dirais qu’en le subvertissant, en le sublimant et en faisant toutes ces différentes pratiques, le misogynoir se transforme à cause de l’attention que les gens portent à créer quelque chose qui a du sens pour eux.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté et de longueur.

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par Moya Bailey

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